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January 4 , 2013

Reviews of the Week

French magazine Diapason on Arvo Pärt's Adam's Lament

Pärt tisse des phrases éthérées (fabuleuse puretée des voix mélée du Choeur de la Radio lettone et de Vox Clamantis), entrecoupées de silences, sur des cordes raréfiées, traitées en pzzicatos légers ou en lignes sobres [...] l’Ange, un soprano solo dont l’éloquence met en lumière le talent prosodique de Pärt comme sa capacité à s’emparer de sources textuelles et spirituelles variées.
Benoit Fauchet, Diapason


Praise for Anna Gourari's interpretation of music by Bach, Gubaidulina and Hindemith on Canto Oscuro from German and French reviewers

Das Programm von Anna Gouraris erster Einspielung für ECM, ein Konzeptalbum zum Themenkreis ‘Bach und die Folgen’, ist wesentlich abwechslungsreicher, als der düstere Titel – wörtlich ‚dunkler Gesang’ – erwarten lässt. [...] Überzeugend aber vor allem die Qualität der Interpretationen. [...] Sie orgelt sich in keinem Takt unsensibel durch die Musik. Im Gegenteil zeichnet sich ihr Vortrag von A bis Z durch eine äußerst sorgfältige und durchdachte Nachzeichnung aller kompositorischen Details, eine fantasievolle Nuancierungsfülle und einen hochentwickelten Formsinn aus. Eine herausragend runde Kunstleistung.
Ingo Harden, Fono Forum

La ferveur d’Ich ruf zu dir nous saisit d’emblée: on voudrait bien résister devant cette lenteur quasi hypnotique, mais Gourari nous en empêche et nous impose sa vision. Quitte à faire mentir le titre énigmatique de l’album, voici un chant tout sauf obscur: il irradie de toutes parts. […] Une vraie personnalité, pour un disque aux correspondances multipes qui gagne en force à chaque écoute.
Laurent Marcinik, Diapason


Kim Kashkashian's Music for Viola is hailed on both sides of the Atlantic

The opening ‘Hora lungă’ (Slow Song) is played on a single string – the C – and enchants with its folksong-like melody. As usual with Ligeti, nothing is what it seems: the melody is artificial, the folksy atmosphere soon disrupted by microtonal incursions. That first movement and the concluding ‘Chaconne chromatique’ were written for Tabea Zimmermann, whose 1997 recording remains the benchmark for all rivals, but Kashkashian is just as convincing, her tempi more measured than Knox (at under 20 minutes, too swift), Power and Tamestit, her tone far more grateful to hear than Strosser. The remaining four movements mix fiery pyrotechnics and emotionally complex memorials of which Kashkashian is a fine interpreter.
She is even more on her mettle in György Kurtag’s 19-movement collection Jelek, játékok és üzenetek (‘Signs, Games and Messages’), started in 1989 (using some pieces begun even earlier) and still being added to, though since 2001 only revisions have been made, no new pieces.
Guy Rickards, Gramophone

Violist Kim Kashkashian has been an eloquent and impassioned champion of the music for her instruments for decades now. But this new solo CD - which got a well-deserved Grammy nomination this month – finds her at the peak of her expressive and technical powers, playing music for unaccompanied viola by two of the great contemporary masters, György Kurtág and György Ligeti. It’s a terrific pairing of two linked but complementary sensibilites, matching Kurtág’s terse, aphoristic style with Ligeti’s more expansive and playful creative personality. [...] Kashkashian’s superb performances revel in the elusiveness of both pieces, bringing dark timbre and rhythmic fluidity to both in equal measure.
Joshua Kosman, San Francisco Chronicle

Auf ihrer aktuellen CD präsentiert Kashkashian mit der Sonate für Viola solo von György Ligeti eines der zentralen Solowerke für Bratsche im 20. Jahrhundert. Bei Kashkashian klingt es viel ‚bachischer’ und weniger impressionistisch als bei prominenten Vorgängern. Daneben bietet sie die bislang beste Aufnahme von György Kurtágs ‚Sings, Games and Messages’, neu ergänzt und fortkomponiert durch den Komponisten (als ‚work in progress’). Eine CD von großer Schönheit und überwältigendem Erzählatem.
Kai Luehrs-Kaiser, Fono Forum


András Schiff's recording of J.S. Bach's Das Wohltemperierte Clavier is reviewed in BBC Music Magazine

When András Schiff first recorded the ‚48’ a quarter of a century ago, the outcome was a gift to those in search of Bach on the piano without the idiosyncrasies of Glenn Gould or the suffocating monumentality of Rosalyn Tureck. Aware, though never a card-carrying member, of the ‘historically informed’ movement, Schiff pushed at a door that has admitted the likes of Murray Perahia and Angela Hewitt – pianists first, but with a sense of period style.
That Schiff Decca set remains a model of sovereign intelligence, limpid playfulness and pianism, but in revisiting the Well-Tempered Clavier he has said that he wants to eliminate touches of sentimentality. The result feels more like an evolution than a rejection of his youthful preoccupations. The ornamentation is less exuberant, the rubato less intrusive, and Schiff is more determined to let Bach’s music speak for itself.
But ‘speak’ is the wrong verb, Schiff’s Bach sings and dances, and has a clarity derived from a mesmerising touch and an aversion to the sustain pedal. The crucial organic relationship he establishes between prelude and fugue, meanwhile, remains unimpeachable – even when constrasting the ‘French’ delicacy of Book 2’s C sharp minor Prelude with the irrisistible vigour of its Fugue. Schiff’s new set doesn’t replace the old; it complements it.
Paul Riley, BBC Music Magazine


Swiss daily Neue Zürcher Zeitung on Christian Reiner's reading of the Turmgedichte by German poet Hölderlin

In klarer Absage an jedwede Form von Drama und Pathos intoniert der in Wien lebende Stimm- und Performancekünstler Christian Reiner in einer Einspielung für ECM das poetische Material: Mit seiner melodisch «geraden» bzw. neutralen Diktion widersagt Reiner der vordergründigen Emotion und trägt damit gleichzeitig der Absenz eines lyrischen Ich Rechnung. Lange Pausen zwischen den Einzelversen – oft sechs, ja acht Taktschläge lang – orchestrieren die den Naturbetrachtungen eingeschriebene Stille. Die temporale Verfremdung entreisst den Reimen deren scheinbare Selbstverständlichkeit und rückt damit das Wörtliche dieser Texte ins Bewusstsein.
Christiane Zintzen, Neue Zürcher Zeitung


Alexei Lubimov's and Natalia Pschenitschnikova's Cage recording As it is impresses the reviewer from German magazine Fono Forum

Es ist die große Einfachheit dieser kleinen Klavier- und Gesangsstücke, die genauso frappiert wie ihre poetische Kraft. Der Zauber dieser frühen Cage-Stücke aber liegt in ihrer scheinbaren Absichtslosigkeit. Das macht die vorliegende Aufnahme so wertvoll. Nichts anderes transportieren der Pianist Alexei Lubimov und die Sängerin Natalia Pschenitschnikova. […] Das weitausstrahlende ‚Dream’ spielt Lubimov tatsächlich in aller Zärtlichkeit, ohne an Klarheit einzubüßen, als romantische Träumerei. Lange wurden Cages Stücke eher sachlich interpretiert. Man denke an Grete Sultans berühmte ‚Ètudes Australes“ oder Joshua Pierces Interpretation von ‚Dream’. Alexei Lubimov und Natalia Pschenitschnikova aber bringen – Klischee hin oder her – ein wenig ihrer slawischen Seele in die Stücke ein. Ganz plötzlich meint man, in ihrem Zentrum angekommen zu sein.
Tilman Urbach, Fono Forum


The Guardian's John Fordham on Matane Malit by the Elina Duni Quartet

Duni sings in Albanian, but though these Balkan melodies are reclaimed with scrupulous care, her technique runs from flawlessly pitched, hymnlike incantations to swerving wordless improv in the style of Norma Winstone or Sidsel Endresen, while her partnership with Swiss pianist Colin Vallon’s trio enhances the discreet subtleties of her jazz sensibility. An early track such as the solemnly pulsing Kjani trima is traditional, but Duni shifts from a melodious suppleness to skimming improvisation in the more emphatic Kur Te Kujtosh, and becomes turbulently emotional over Vallon’s sinister banging chords after the tranquil beginnings of Vajze e Valeve. [...] This quartet definitely sound like rising star material for ECM.
John Fordham, The Guardian


British magazine Jazz Journal on Nik Bärtsch's Ronin and their album Live

The three ECM studio albums from Nik Bärtsch’s Ronin have all been precise, calibrated affairs, every insistent, repetitive note in perfect rhythmic order. So how will this pinpoint music translate into a live setting? This set, recorded at eight different venues over the course of two years, provides the answer, which is very well indeed. It helps that the five musicians have been working together for a decade – new bass player Tomy Jordi debuts on just the final track – and that this material has been honed over countless performances. But the group brings an urgency to its live appearances that has been sometimes absent from its studio work.
Simon Adams, Jazz Journal


Reviewers in Germany and England are fascinated by the way Eberhard Weber transformed solo parts from his concerts with the Jan Garbarek Group into his new album Résumé

Nur mit seinem Bass und einem Echogerät entwickelte er Klanggebilde, indem er in Überlagerungen mit sich selbst spielte und improvisierte. Es ist diese Art zu spielen, die den Aufnahmen von ‚Résumé’ zugrunde liegt – auch wenn sie nicht bei Solokonzerten, sondern bei Auftritten eines Ensembles entstanden sind. Denn den Kern der Aufnahme dieser neuen Schallplatte bildet eine Auswahl aus fünfzehn Stunden unbegleiteter Soli, die zwischen den Jahren 1982 und 2007 bei Konzerten mit der Jan Garbarek Group aufgenommen worden waren. Diese Soli waren keine eigenständigen Stücke gewesen, sondern hatten als Überleitung und Vermittlung zwischen zwei Kompositionsblöcken gedient.
Aus diesem Material hat Eberhard Weber jetzt zwölf Titel im Studio neu gestaltet. Und gleich zu Beginn des ersten Stücks, das den Titel ‚Liezen’ trägt, wird deutlich: Es ist nicht zu erkennen, was zuerst da war und was später kam. War es das Solo aus dem Konzert? Oder wurde die Stimme im Studio hinzugefügt? ‚Liezen’ beginnt dicht mit Soundflächen eines Keyboards und mit wie eingefroren wirkenden, sphärischen Bassklängen in As-Dur, um dann in die parallele Molltonart zu wandern. Die solistisch geführten Bassklänge darüber wirken wie große, verwehte Spinnfäden, sind jedoch nach einem strengen Muster gesponnen, in äolischem f-Moll. Das von Eberhard Weber später hinzugefügte Keyboard setzt schließlich einen ebenso liedhaften wie markanten Schluss.
Norbert Dömling, Süddeutsche Zeitung

For this project, Weber has reworked a selection of improvised bass solos recorded with Garbarek between 1990 and 2007 into a coherent 12-track story, enhanced by new instrumental effects and subsequent contributions from Garbarek and percussionist Michael DiPasqua. The singing, sliding sound of Weber’s electric upright instrument now calls across pizzicato-strings vamps or deep orchestral hums, or twangs and swerves around its own echoed countermelodies. Garbarek’s contributions are thoughtful and tender (including some ethereal flute on Bath), and DiPasqua adds a heartracing intensity to the fast-moving Bochum and dramatic cymbal flourishes to the rich-textured Lazise.
John Fordham, The Guardian