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February 15 , 2013

Reviews of the Week

Wislawa, the first recording of the freshly formed Tomasz Stanko New York Quartet, is welcomed by reviewers in England and Germany

A dream-ticket jazz meeting between a cutting-edge European legend, and an equally honed triumvirate of pioneering New York-based youth. Miles Davis-inspired Polish trumpeter Stanko has been a jazz hero in Europe since the 1960s; advanced Cuban pianist David Virelles is a partner of the musically demanding Steve Coleman; and bassist Thomas Morgan and drummer Gerald Cleaver embody a two-man summary of the 21st-century jazz rhythm section. The trumpeter has dedicated this double album to the late Polish poet Wisława Szymborska, and two versions of the meditative title track, or a quietly ecstatic rhapsody such as April Story, typify the Stanko many listeners will recognise, with his gruff, tone-bending phrasing and melancholy tenderness. But no New York rhythm section is likely to camp for ever in Stanko's brooding landscapes, and the trumpeter is driven to improv squeals, warbles and crisp post-bop lines on uptempo burnups such as Assassins. There are echoes of the 1960s Miles acoustic quintet in the time-stretching Mikrokosmos and the impatiently surging Faces; the brushes-swung, bass-walking Oni is a masterly trumpet-improv balance of poised long runs and richly nuanced short figures. Virelles, Morgan and Cleaver are very seductive listening on their own, and the 70-year-old leader sounds in great fettle, fast or slow.
John Fordham, The Guardian

Recorded in June not long after a brief tour in Europe the theme of the album ties in with the poetry of the great Wislawa Szymborska, hence its title: Wislawa. Stanko performed with the Nobel laureate late in her life, and a number of the album’s compositions are inspired directly by her work. And they are sublime, particularly the title track ballad and ‘Mikrokosmos’. Stanko can stop you dead in your tracks with the honesty and emotion of his playing, the blues connotation, and the sheer abstraction of it all. Wislawa is this and much more, his best album since Leosia and a potent reminder of the artistry of the man.
Stephen Graham, Marlbank

Dass Stanko ausgerechnet sein amerikanisches Album respektvoll der polnischen Dichterin widmet, mit der gemeinsam er auch aufgetreten war, und das Programm in zwei berückende Balladen-Interpretationen des Titelstücks ‚Wislawa’ rahmt, ist nur ein äußerlicher Beleg seiner Verwurzelung. Hier ist einer ganz bei sich, so dass dieses wundervolle Album wie ein weiterer Jahresring gewachsen ist, von innen leuchtet mit diesem harschen, schmutzig-schrundigen Ton, aus dem ein Leben spricht. Geheimnisvoll, markant und hoch emotional klingt das, um noch einmal die Poetin zu zitieren, wie mitten heraus aus dem „schwarzen Saum der Sonne“.
Ulrich Steinmetzger, Leipziger Volkszeitung


Chris Potter's The Sirens is hailed on either side of the Atlantic

His finest effort yet.
Nate Chinen, New York Times

Chris Potter ist der Saxophonist der Stunde […] während er uns bei Metheny mit seiner Virtuosität und seinem Einfallsreichtum ins Staunen versetzt, präsentiert er auf ‚The Sirens’ seine lyrische Seite und die des Komponisten. […] Seine Band mit Larry Grenadier (Bass), Eric Harland (Drums) und den beiden Pianisten Craig Taborn und dem Kubaner David Virelles (hier am präparierten Klavier, Harmonium und Celesta) ist nicht minder hochkarätig besetzt wie die Unity Band und begleitet Potter mit einem frei fliessenden Puls auf dieser faszinierenden musikalischen Reise.
Stefan Künzli, Nordwestschweiz

Taking his inspiration from Homer’s The Odyssey the saxophonist has come up with eight imaginative themes that have his personal stamp all over them, songlike and robust enough to withstand some pretty tough examination from his colleagues, a prime example being the albums opener, Wine Dark Sea.
Potter’s soprano is to the fore on romantic ‘Penelope’, and the gentle ‘Nausikaa’ while the title track, ‘The Sirens’ features bass clarinet coupled with Grenadier’s full toned arco bass before giving way to the impassioned cries of the tenor. And this is where the real drama unfolds, as Potter in full cry is full of invention; His tone moving from warm and tender to daring forays into the upper register. The wonderful ‘Kalypso’ courteously offers an acknowledgement to Sonny Rollins, but throughout the tenorist is very much his own man. Mention should be given the stellar band assembled for the session, with the two keyboards of Craig Taborn and David Virelles blending seamlessly to create the colours inherent in the compositions, and Harland and Grenadier a propulsive and responsive team. Another impressive album from Chris Potter, and one that indicates a new and fruitful path for future exploration.
Nick Lea, Jazz Views

Jedes Thema der aufregenden Session klingt wie ein vollendetes Tongedicht. Das liegt an Potters gravitätischem Tenorsax-Sound, mit dem er in bewegten Chorussen den Kurs durch die ‚Wine Dark Sea’ einschlägt. In der ‚Ilias’ locken Meeresnymphen mit ihrem verführerischen Gesang die Seefahrer ins Verderben. In Anspielung darauf kreiert Potter in The Sirens auf der Bassklarinette eine Melodie, die durch ihre dunkle Tongebung einen speziellen Reiz bezieht. Das gesamte Stück klingt geheimnisvoll, zumal sich David Virelles’ auf dem präparierten Piano erzeugte Klänge dazugesellen. Eine ähnliche Bereicherung sind seine wie ein Glasperlenspiel wirkenden Celesta-Einsätze in ‚Kalypso’, die Potters lyrisches Sopransax- Spiel untermalen und sich mit Craig Taborns Pianomotiven verbinden.
Gerd Filtgen, Fono Forum

Aus dem Nichts kräuseln sich spontan Melodien zusammen, greifen nach der Ewigkeit, um sich in einem anderen Nichts wieder aufzulösen – sehr poetisch, sehr stimmungsvoll, sehr nocturn, sehr fern und doch immer ganz nah und den Bezug zum Diesseits suchend. Dieses stück jazziger Kammermusik von Chris Potter klingt wirklich nach einer mythischen, verklärten Reise […] ‚Sirens’ ist Chris Potters erstes echtes Meisterwerk.
Wolf Kampmann, Eclipsed


Marlbank's reviewer Stephen Graham is impressed by Hagar's Song, the new duo recording by Charles Lloyd and Jason Moran

Lloyd, a deeply serious spiritual artist with a great communicator’s ability, is able to paint pictures like few others in jazz. Via flute on ‘Journey Up River’, the first part of the ‘Hagar Suite’, he provides with pianist Moran’s tumbling accompaniment (and later tambourine) an episodic element not often found in his general approach, a feature throughout the suite that provides a distinctive thread to this album. Turning 75 this year it’s interesting that Lloyd has chosen with this new studio album, recorded last April, to reduce his quartet to a duo, its simplicity via the time machine of piano styles that Moran provides, in the fictive sense invoking a line in jazz piano almost taking the listener, say on Moran’s introduction to ‘Mood Indigo’, to Harlem in the 1930s. Lloyd is very bluesy on some tracks, but he’s capable of altering the mood throughout and the blues become a miniature requiem on one notable standout ‘I Shall Be Released’, a tribute to Levon Helm of The Band. [...] So all in all a very personal, wonderful sounding album, full of lovely moments, an oasis of contemplation in a world full of tumult, and every bit as good as the marvellous Mirror.
Stephen Graham, Marlbank

The box set containing four albums by Jack DeJohnette's Special Edition is reviewed in Austrian magazine Concerto

Zwischen 1980 und 1984 brachte er als Leader des Ensembles Special Edition vier Alben heraus, die heute als Meilensteine in seiner Karriere gelten. Es ist einerseits das Gespür für die richtigen Sidemen und andererseits die musikalische Vision des Meisterdrummers, die eine Gesamtauflage von Special Edition, Tin Can Alley, Inflation Blues und Album Album auf vier CDs mehr als rechtfertigen. DeJohnette entwirft beseelte Hommagen an Eric Dolphy, Duke Ellington oder John Coltrane; seine Verwurzelung in der Tradition ist aber kein Widerspruch zu seiner Experimentierfreudigkeit. So integriert er World Music, Avantgarde, Pop und immer wieder Blues in seinen musikalischen Kosmos, ohne je den Blick auf das Ganze zu verlieren.
Martin Schuster, Concerto