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April 19 , 2013

Reviews of the Week

Arvo Pärt's Adam's Lament is reviewed in Frankfurter Allgemeine Zeitung

Mit dieser scheinbar einfachen, nach organischen Gesetzmäßigkeiten sich entfaltenden Musik, die vertrautes Material in neue Konstellationen bringt, versteht es Pärt, Affektlagen und Bewusstseinsebenen anzusprechen, die von den meisten seiner komplexitäts- und materialfixierten Zeitgenossen sträflich vernachlässigt worden sind. Sie könnten am besten mit dem Ausdruck ‚Spiritualität’ umschrieben werden, der in der zeitgenössischen Musik in jüngster Zeit zu einem Trendbegriff avanciert ist. Allerdings ist Pärt hier das Original, nicht der Mitläufer: Er macht spirituelle Musik auf seine stille und konsequente Weise seit Jahrzehnten. In den Augen seiner Kritiker ist er damit zum Prototyp eines unpolitischen Künstlers geworden, der sich in sein Inneres verkriecht und der Welt adieu gesagt hat. Ein Trugschluss, wie das Beispiel der Kantate ‚Adam’s Lament’ zeigt. Es liegt jetzt zusammen mit anderen vokal-instrumentalen Werken in einer Aufnahme vor, die 2011 in einem Kirchenraum in Tallinn entstanden ist. Mit ihrer Mischung aus Klarheit, Einfachheit des Ausdrucks und einer die Klang-Aura betonenden Aufnahmetechnik rückt sie die Reinheit der Musik ins schönste Licht. […] In ‚Adam’s Lament’ geht es um den Ursünder der Menschheit, die religions-übergreifende Klage über Adams Abfall von Gott, niedergeschrieben vom heiligen Siluan. Die Worte des russisch-orthodoxen Mystikers verschmelzen im geschichtsgesättigten Werk vollkommen mit Pärts Musiksprache, die ihre Wurzeln in der Gregorianik und der ostkirchlichen Liturgie nicht verleugnet. Während den älteren Stücken, die in dieser Einspielung versammelt sind, noch etwas von der puritanischen Strenge des frühen Pärt anzuhören ist, wirkt das neue Werk freier in der Gestik, raumgreifender. Mit verhaltener Dramatik nimmt die Musik den expressiven Gehalt der Textvorlage in sich auf, doch verliert sie kaum je ihre Grundeigenschaft: die Transparenz und Schwerelosigkeit des Klangs. Das verleiht ihr einen Durchscheineffekt, ähnlich erleuchteten Kirchenfestern. Was man durchaus metaphorisch verstehen kann: Musik als ein Widerschein von Ideen, die unser menschliches Dasein aus einer etwas anderen Perspektive beleuchten.
Max Nyffeler, Frankfurter Allgemeine Zeitung


English daily The Observer on Reinventions by late Stefano Scodanibbio, recorded by the Quartetto Prometeo

As a double bass player, Scodanibbio perhaps yearned for higher frequencies; much of this writing for string quartet is based on harmonics so that the music appears to float out of the stratosphere. What comes across is the composer's intense love for his material, which alternates between haunting Mexican folk songs (including the bewitching Bésame mucho), pieces originally for guitar, and dislocations of three of Bach'sArt of Fugue. Totally original sounds, wonderfully realised by Quartetto Prometeo.
Nicholas Kenyon, The Observer


Swiss Sunday paper NZZ am Sonntag on In Full View by the freshly formed Julia Hülsmann Quartet

Auf der CD ‘In Full View’ spielt das Quartett konzentrierte, innige Kammermusik. Elegische Klänge überwiegen. Vom Überschwang, dem Witz und der Ekstase, die den Jazz oft kennzeichnen und ausmachen, ist hier wenig zu spüren. Gleichwohl fesselt das Album durch seine atmosphärische Dichte und Authentizität. Der junge Tom Arthurs überzeugt als Lyriker mit nuanciertem, beherrschtem Ton, die Rhythmusgruppe agiert sensibel und umsichtig, Julia Hülsmann ist auch präsent, wenn sie sich zurücknimmt. Alle Mitglieder des Quartetts haben Kompositionen beigesteuert; hinzu kommen ‚The Water’ von der kanadischen Songwriterin Feist, ‚Richtung Osten’ von Fumi Udo (der Frau des Schlagzeugers) und ‚Nana’ von Manuel de Falla. Musik für eine schlaflose nächtliche Stunde.
Manfred Papst, NZZ am Sonntag


More British reactions to Quercus, the trio project of June Tabor, Iain Ballamy and Huw Warren

June Tabor’s musical diversions always excite interest if not unanimous approval [..] this liaison with the magnificent contemporary jazz sax player Iain Ballamy and long-time collaborator, pianist Huw Warren is, then, but the latest in a proud track record of stretching and testing herself – and, some might say, her audience too. Light listening it is not and nor should it or is it intended to be. Such is the air of sombre majesty and studied technique filling the speakers it’s quite a shock to discover this is a live recording captured from one gig (at the Anvil in Basingstoke) in 2006. Ballamy’s economic sax stalks Tabor’s voice with dogged devotion – the unconventional combination at times blending into a thrillingly macabre double act – while Warren’s cascading piano fills the gaps with evocative dexterity.
Colin Iwin, fRoots

Musically the album brings together classic material from the folk repertoire such as poetry and arrangements of traditional songs with a jazz sensibility on piano and saxophone and this fusion works incredibly well, and, in addition, it manages to succeed in respecting both traditions while alienating neither. A good deal of credit is down to the musicians themselves. Pianist Huw Warren has performed in a variety of contexts including new music and avant-garde jazz and his essentially minimalist approach to playing the piano here is totally appropriate and provides the ideal counterfoil to Tabor’s vocal delivery. Saxophonist Iain Ballamy has sufficient space to engage in interplay with the pianist while at the same time playing a supportive role to Tabor. A sumptuous interpretation of Robert Burns’ ‘Lassie lie near me’ is unquestionably an album highlight and it is beautifully arranged with a fine vocal intro by Tabor and a lingering saxophone solo from Ballamy that ends off a truly memorable piece. Arguably the finest ballad on the set is ‘The lads in their hundreds’ which is deeply melodic and a hook of a chorus that Tabor delivers effortlessly while piano and saxophone have the opportuntiy to stretch out. [...] One of the year’s most revelatory recordings.
Tim Stenhouse, UK Vibe


Chris Potter's The Sirens is reviewed in BBC Music Magazine

Chris Potter’s take on Homer’s epic poem eschews the the portentous in favour of the auspicious; rather then being a tale of humanity enduring the whims of disinterested gods, this is a voyage of widened horizons and enlightened perspectives. It is Potter’s first abum for ECM as a leader following a long-standing role a as a first-call sideman for the likes of label stalwart and bassist Dave Holland. This set of originals is unusual in its deployment of two keyboardists, although pitting a piano against a prepared counterpart, a celeste and a harmonium is unlikely to muddy the waters and doesn’t. Potter’s own playing, particularly on soprano and bass-clarinet, simply takes wing and flies in graceful but also mischievous melodic arcs, busily ornamented and acommodatingly spacious by turns.
Roger Thomas, BBC Music Magazine