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July 19 , 2013

Reviews of the Week

German and US reactions to the recording of Morton Feldman's Violin and Orchestra by Carolin Widmann and the hr-Sinfonieorchester

Widmanns Spiel zeichnet sich wie eine irrlichternde Gravur auf einer monochromen Fläche ab oder steht völlig nackt oder verloren im Raum, dann wieder verschwindet es Richtung Unkenntlichkeit. Grundsätzlich tritt die Violine hier dennoch selbstbewusster auf als in der Einspielung von Isabelle Faust mit dem BR-Sinfonieorchester (Col Legno 2004). Es ist ein Paradestück für die momentan interessanteste deutsche Geigerin in der Hinsicht, scheinbar Einfaches bedeutungsvoll auszudifferenzieren. Auch das Frankfurter Orchester, das eine Feldman-Tradition hat (‚Violin And Orchestra’ wurde 1984 von ihm uraufgeführt) folgt den Bausteinen von Feldmans monumentaler Architektur der Zurückhaltung hochkonzentriert, immens vielfarbig, geradezu feierlich.
Dirk Wieschollek, Fono Forum

Feldman’s last, largest work for orchestra is treated here to a spellbinding performance featuring violinist Carolin Widmann (sister of composer Jorg Widmann). A single movement spanning 50 minutes, the slow concerto-like piece amounts to a vast and evershifting meditation, where the delight is in the details. What could be a dull hour in lesser hands becomes with Widmann and the Frankfurt a penetrating, absorbing experience. Felldman’s music is fully enabled to work its magic.
Zachary Lewis, The Plain Dealer (Cleveland)

The music’s pace is slow, and there’s a complete absence of showiness in the solo violin part. It’s hard to imagine a more sympathetic reading than Carolin Widmann’s softly-spoken account. She melts in and out of Feldman’s rarefied, lucid orchestral writing, occasionally entering so softly that you don’t notice she’s there.
The slowness is mesmeric; this work comes from a composer who wrote a string quartet lasting almost six hours. Everything is so fragmented, so glacial, broken down into music’s barest elements. You’re tempted to describe it as minimalist, but there’s rarely any sense of pulse. Feldman’s writing is remarkable, and there are points when you’re scratching your head while trying to work out how a particular effect has been realised. You begin to sense the organisation underpinning the work. There’s a brilliant repeated passage including an oddly-harmonised descending scale and soft, rich brass chord. At times the work seems to grind to a halt. And it closes, softly, with a gorgeous, swirling passage which sounds as if the music’s draining away like water down a plughole. Wondrous.
Graham Rickson, The ArtsDesk


The Keller Quartett's recording of works by György Ligeti and Samuel Barber on Ligeti String Quartets Barber Adagio is reviewed in The Times.

The Budapest-based Keller Quartet divides György Ligeti’s two modernistic String Quartets with the famously retrospective ‘Adagio’ from Samuel Barber’s String Quartet. Ligeti’s quartets are themselves very different: the first has a tearaway frenzy but is traditionally grounded; the second veers into spheres of harmonics that still sound avant-garde 45 years on. Tremendously abrasive, intense performances.
Richard Morrison, The Times


German daily Frankfurter Allgemeine Zeitung on Quercus by June Tabor, Huw Warren and Iain Ballamy

Es ist sicherlich das am sorgsamsten produzierte Album in June Tabors bisherigem Leben. Das fängt schon an mit der meisterhaften Balance zwischen Räumlichkeit und Präsenz bei der Aufnahmetechnik: keinerlei Abstriche, die man sonst bei einer Live-Aufnahme oft machen muss – und dies hier ist eine, mit Auszügen sogar aus verschiedenen Konzerten. Es geht weiter mit den erfindungsreichen, sensibel kammermusikalischen Auftritten von Iain Ballamy, wie sie es bei June Tabors bisherigen, eher kursorischen Begegnungen mit dem Jazz noch nie gegeben hat. Mit Tenor- oder Sopransaxophon reflektiert Ballamy in kleinen improvisierten Zwischenspielen die melodischen Substanzen der Strophen oder hängt an die gesungenen Teile längere Improvisationen mit Huw Warren oder spielt zarte Kontrapunkte zu June Tabors Gesang. Einmal auch spielt er streng parallel mit ihr, ein zerbrechlicher neuer Klang, eine ‚tiefe Verschmelzung an der Quelle’, wie er es nennt, und sein besonderer Ehrgeiz in dieser Gruppe. […] Das Programm spiegelt Tabors und auch Huw Warrens Intellektualität und Unternehmungslust auf die faszinierendste Weise. Nur bei zwei Stücken sind Text und Musik traditionell, und auch die sind noch von den Ausführenden bearbeitet. […] Schließlich June Tabors Stimme: In der Altlage, aristokratische Wärme ausstrahlend, webt sie in einem Ausdrucksraum, in dem sich majestätische Melancholie und tröstlich leuchtende Intimität in verschiedene Mischungsverhältnisse begeben. Auch von ‚herbstlichen Farben’ wurde gesprochen. Von ‚Gänsehaut-Eigenschaften’ reden wir mal nur unter Vorbehalt, weil es bei diesem Phänomen keine objektiven Werte, sondern nur eine unerforschliche, individuell psychologische Gestimmtheit des Hörenden gibt. Am schönsten hat Elvis Costello seine Wahrnehmung ausgedrückt: ‚Wenn du June Tabor nicht zu schätzen weißt, solltest du aufhören, Musik zu hören.’
Ulrich Olshausen, Frankfurter Allgemeine Zeitung


Swiss weekly Die Weltwoche on Susanne Abbuehl's The Gift

Susanne Abbuehl, 43, halb Schweizerin, halb Holländerin, in Bern geboren und im Haag ausgebildet, ist eine Künstlerin, die ihre Zeichen mit Bedacht setzt. Sie bedeuten etwas, im Zweifelsfall nicht weniger als die Welt. Es verwundert nicht, dass sie als Sängerin in ihren Liedern zu Texten greift, die alle auch als Lyrik abendfüllend sind. Allein, wer setzt sich heute hin und horcht Gedichten von Emily Dickinson, Emily Brontë, Sara Teasdale nach? […] Die meisten Texte stammen allerdings von Emily Dickinson. Da könnten Abbuehls beschwörend intime, behutsam seidene Interpretationen die richtige Einstiegsdroge sein für die, sich einen Lyrikband (etwa die neuen Übersetzungen von Gunhild Kübler bei Hanser) denn doch nicht greifen würden. Sie erwartet ein besonders kostbares Vergnügen. […] Abbuehl ist eine Lyrikerin im Quadrat, also auch in den Innenräumen ihrer Musik: mit Wolfert Brederode am Piano, Olavi Louhivouri am Schlagzeug und Matthieu Michel als herzausreissendem ‚Soul Brother’ am Flügehorn. Unüberhörbar ist die Schule von Jeanne Lee. Von deren epochalem Album ‚The Newest Sound Around’ mit dem Pianisten Ran Blake führt eine Direttissima zu diesen Nachtgesängen.
Peter Rüedi, Die Weltwoche


Into the Woodwork by the Steve Swallow Quintet is reviewed on US website Something Else! Reviews

As the world’s first, one of the few, and the premier electric bassist of the straight-jazz world, Steve Swallow has long ago carved out his niche, using this unlikely instrument to make vividly lyrical music. We’ve seen how he can impact any session he’s called into supporting, whether it’s led by Gary Burton, John Scofield, Steve Kuhn, or his longtime companion and musical kindred spirit, the esteemed Carla Bley. Impactful as he is performing as a sideman or collaborator, Swallow is a composer of nearly equal level as his mate; ‘Sing Me Softly of the Blues’ is one of his signature tunes. And that alone is why his first solely led album for a decade is worth paying attention to.
His new project Into The Woodwork is more than that, though. This introduces on record a new version of Swallow’s quintet, a striking combination of young talent at the peak of their careers (saxophonist Chris Speed, guitarist Steve Cardenas and drummer Jorge Rossy) and a couple of jazz’s most seasoned veterans who never got past their own peaks (Swallow and Bley). Moreover, Swallow put Bley on the organ instead of her usual piano, and it’s been quite some time since Carla has last been captured playing one.
Electric bass, electric guitar and electric organ…but not a fusion record. That’s perhaps the most distinguishing feature of this album, as Swallow sought to forge together a certain combination of instruments foreign to the modern jazz space he occupies. He does this to create a subtly new sonic impression against the backdrop of Swallow’s usual discreet approach to song crafting. It’s a mellow-to-moderate album, where tunes are deceptively simple, but close listening finds the great effort that went to make them seem effortless. [...]
A career that spans all the way back to 1960 shows no sign of letting up. Steve Swallow made an organically elegant record using a lot of electricity. Meticulously conceived and yet breezily executed, Into The Woodwork is a welcome entry from Swallow and his talent-packed quintet.
S. Victor Aaron, Something Else! Reviews


Voices from the UK and Germany on Outstairs by the Christian Wallumrød Ensemble

The ECM label hosts plenty of artists who blend idioms and make big impacts without raising their voices, but one of the most captivating is Norwegian pianist, composer and harmonium-player Christian Wallumrød (brother of Susanna, of Magical Orchestra fame). He’s an adaptable original who plays free-improv in other incarnations but joins Norwegian folk, early church music and the 20th-century classical and jazz avantgardes in this regular six-piece group, which includes sax, hardanger fiddle and cello, and trumpet. The sonics on ‘Outstairs’ are classic Wallumrød, but the music sounds both freeer and more playful than formerly. ‘Stille Rock’ is simply a pulsating shift between two piano chords, before a hint of percussion appears, then then strings, intensifying drumming – and sudden wrong-footing silences just as resolutions seem inevitable. ‘Bunadsbangla’ is a deliciously slinky folk-dance, ‘Tridili No 2’ a meander of low strings sounds and sudden startled recoils and the title track is a hop and skip of strings and treble keys turning to long, sliding sounds and musical-saw whirrs. It’s old, new, manic and tranquil in seamless concordance.
John Fordham, The Guardian

Die Paten dieser Improvisatoren heißen weder Thelonious Monk noch Ornette Coleman, sondern György Ligeti und György Kurtág. Vom Ersten haben sie die Liebe zum mikrotonalen Schmutz, vom Zweiten die Liebe zur Sparsamkeit mit dem Material gelernt. Und in diesem neuen Album namens ‚Outstairs’ kommt noch etwas Verweigerungsbock von Helmut Lachenmann dazu. Die Stücke fahren sich allesamt fest. ‚Very slow’, die Nummer vier, gibt eigentlich das Grundtempo vor. Das ist der Soundtrack zur Müdigkeitsgesellschaft, klingende Funktionalitätssabotage. […] wenn man weiß, dass der Hardangergeiger des Ensembles, Gjermund Larsen, sonst den wildfröhlichsten Mädchenverderber-Folk spielt, liebt man die Norweger gleich doppelt für ihre Weitherzigkeit und geistige Generosität.
Jan Brachmann, Frankfurter Allgemeine Zeitung


Leading British papers on the box set Selected Signs – Music selected for the exhibition ECM – A Cultural Archaeology at Haus der Kunst Munich'

For those wondering what the point of record labels might be in the age of the download, ECM, with its pared-down, north European aesthetic is surely answer enough. Since 1969, it has championed the cool and contemplative over the shallow and shrill. This six-CD sampler set ranges from Steve Reich and Arvo Pärt via Norma Winstone to Nils Petter Molvaer. It’s an ideal soundtrack for summer – though probably better if you’re spending it by a Norwegian fjord rather than the fleshpots of Ibiza.
John Bungey, The Times

The music on these six CDs is austere even by the label’s own standards, but no less beautiful. There’s as much classical and new music as there is jazz, with the first two disc’s collage of excerpts from Arvo Part, Steve Reich, Shostakovich and others particularly effective, while the relationship of music and film forms another recurring theme. Use it to soundtrack your own life.
Phil Johnson, The Independent On Sunday