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October 11 , 2013

Reviews of the Week

English and German reactions on András Schiff’s recording of the Diabelli Variationen

No pianist has a greater awareness of sound-colour than András Schiff. Here, he experiments by twice giving beautifully shaped readings of Beethoven’s Diabelli Variations, that extraordinariy wide-ranging sequence of fantasies: once on a Franz Brodmann fortepiano of 1820, once on a Bechstein grand of 1921. Each instrument shines its distinctive light on this music.
Stephen Pettitt, The Sunday Times

Ungewöhnlich, innovativ, herausfordernd: zwei Aufnahmen desselben Werkes an zwei verschiedenen Instrumenten – das verlangt Mut vom Produzenten und Neugierde beim Hörer, dem sich eine herrliche Gelegenheit zum unmittelbaren Vergleich bietet. Diese Doppel-CD beweist, wie sehr wir uns an den Einheitsklang der modernen großen Konzertflügel gewöhnt haben. Der über 90 Jahre alte Bechstein singt bezaubernd in den oberen Tonbereichen, kein Bollern oder stählernes Dröhnen im Bass; und das historische Fortepiano verfügt über unterschiedliche Register und damit über reizvolle Klangfarben-Zonen, die erahnen lassen, wie Beethoven sich seine Musik damals vorgestellt haben dürfte:
Schiff hatte lange gewartet, bis er dieses Mammut-Werk erstmals öffentlich und dann auch im Aufnahmestudio gespielt hat – bis in Details hinein vergräbt er sich in jeden Takt, in jeden Akzent, jede Rhythmisierung. Auf einmal steht Beethoven nicht als einheitlich grimmiger Titan dar, sondern als jemand, der ständig die Maske wechselt: mal ist er Schalk und voller Humor, mal gibt er den Philosophen und Grübler, dann den großen Theatraliker, schließlich präsentiert er sich (etwa in den Fugen-Abschnitten) als Referent für Alte Musik. […] Wie umsichtig Schiff dieses Programm erstellt hat, zeigt die Einbindung der Diabelli-Variationen: auf der ersten CD geht dem Zyklus die Sonate op. 111 voraus, die mit einem C endet – genau dort, wo Diabellis Walzer beginnt. Und auf der zweiten CD lässt Schiff die späten Bagatellen op. 126 folgen, die wie ein Nachgesang auf Beethovens große Klavierwerke wirken. Zwei CDs – ein Meilenstein.
Christoph Vratz, NDR Kultur


International acclaim for Zsófia Boros’ debut recording for ECM En otra parte

On her third recording and ECM label debut, Hungarian-born classical guitarist Zsófia Boros presents a program of largely introspective yet varied pieces. She bypasses the warhorses of the solo-guitar repertoire in favor of outliers penned by a handful of South American composers, Spaniards Vicente Amigo and Francisco Calleja, American guitarist Ralph Towner, and Sting’s longtime sideman Dominic Miller, among others. [...] Boros’ great programming and burnished tone plus producer Manfred Eicher’s touch equal an album that’s enchanting throughout.
Mark Small, Guitar

‚Todo comienza en otra parte - Alles beginnt woanders.’ Mit einem der letzten Gedichte des argentinischen Schriftstellers Roberto Juarroz zeigt die Gitarristin Zsofia Boros, wo dieses Woanders für sie beginnt - in einer mutig intimen wie anmutigen Welt. Boros nimmt sich Zeit für die fragilen Kleinode in ihren Händen. Aus ihnen formt sie sinnliche Klänge, überrascht mit strengem Pathos, dann sind nur mehr Tontupfer zu hören. [...] Virtuos gelingen ihr sensibelste Nuancierungen, die die Stücke schwere- und mühelos machen, als suchte die Gitarristin ihren interpretatorischen Kontrapunkt zum melancholischen Unterton. Die bewußt räumliche Aufnahmeakustik tut das Ihrige dazu, um auf eine schwebende Mehrstimmigkeit und Mehrdeutigkeit anzuspielen. Alles ist immer woanders: dort, wo es anfängt. ‚Todo està siempre en otra parte: allì donde comienza.’
Julia Schölzel, BR-Klassik


British and Canadian reviewers are impressed by Shadow Man, the new album by Tim Berne’s Snakeoil

American alto saxophonist/composer Tim Berne says his four-year-old Snakeoil quartet is evolving toward ‘transparent density’ – a highly composed, contrapuntal contemporary jazz that doesn't sacrifice detail or spontaneity. [...] Three episodes (around 20 minutes each) on the six-track list are spellbinding examples of Berne's composing ingenuity and the band's agility at running with his ever-mobile ideas. Three shorter pieces feature typically seesawing themes, but the captivating Psalm with its brooding sax part sounds as if it has come from a more melodiously meditative ECM session than would usually carry Berne's name. The long passages OC/DC, Socket and Cornered (Duck) represent Snakeoil's progress, mingling wide-interval melodies that sometimes sound like contemporary classical music and sometimes trampling funk, quiet solos or intimate duets, tonal contrasts (warm clarinet lyricism, glimmering vibraphones, free-jazz sax wailing), dynamic percussion and unrelenting eventfulness. It's edgy, pattern spinning contemporary music, but austere it certainly is not.
John Fordham, The Guardian

When Tim Berne released his ECM debut, Snakeoil in 2012, it quickly garnered some of the best reviews of the saxophonist/composer's career, ending up on a number of year-end best of lists. And why not? With a group already together for a couple years (as Los Totopos), Snakeoil represented a major step forward for Berne, both compositionally and in terms of band concept. All-acoustic, Snakeoil also benefited from label head/producer Manfred Eicher's attention to detail and transparency. Snakeoil, in addition to being a musical high watermark, was Berne's best-sounding release to date. Eicher wasn't present at the Shadow Man sessions, but Berne (successfully) aimed for the same clarity of sound, sharing production credit with longtime occasional collaborator and one-time ECM recording artist David Torn. Shadow Man capitalizes on significant road time clocked up as a result of Snakeoil's success, bringing the quartet even closer together, with an even greater shared sense of purpose and simpatico on a set that more successfully captures the group's live energy without losing any of the detail available in the studio. [...] That Berne was able to release Shadow Man so quickly after Snakeoil is a hearty endorsement from a label that rarely does so. Recorded in January, 2013 and released three months before the year is over, Shadow Man is an even more impressive outing from a quartet that, in a career highlighted by strong associations, may well be Berne's most impressively cohesive group yet.
John Kelman, All About Jazz


German weekly Die Zeit on Ralph Alessi's Baida

Ein paar Schmatzlaute von der Trompete, einige dahingeworfene Floskeln vom Klavier, ein wuchtiger Bass von ganz weit unten, das quirlige Vexierspiel vom Schlagzeug – zu Musik verbindet sich das erst, wenn alle miteinander in Beziehung treten. Wenn sie neben dem Gespielten die Leerräume erzählen lassen, die Pausen, die jeder einzelne der beteiligten Musiker setzt, die Stille, die Ruhe im Spiel. Wenn sie die gefüllten Flächen danebenstellen, mal ganz dicht im Unisono, dann aufgelöst in harmonische Felder, durch die sich, mal tastend, mal forsch und fordernd, eine Melodielinie windet. ‚Baida’ heißt das ECM-Debüt des Trompeters Ralph Alessi, und wir sprechen hier von Jazz, von einer Variante des Jazz, die alte Routinen längst abgestreift hat. Wir sprechen von einer Musik, die Wert legt auf eine ausgewogene Balance zwischen markanter, eigensinniger Komposition und sensibler Interaktion, die die Feier des Solisten-Ego eingemottet hat und stattdessen den Individualismus des Kollektivs ins Rampenlicht stellt. […] Es ist ein Fest des Wiedersehens, der Gemeinschaft und der Spielfreude, dynamisch und intensiv, rau und harmonisch, sensible und sehr schön.
Stefan Hentz, Die Zeit


The music of Kayhan Kalhor and Erdal Erzincan on Kullah Kuluk Yakişir Mi thrills the reviewer from British magazine Songlines

Iranian kamancheh player Kayhan Kalhor and Turkish saz player Erdal Erzincan are both fantastic traditional musicians with a taste for innovation – and Kalhor’s name has long been an hallmark of quality. [...] it’s not just the contrasting textures of bowed kamancheh and plucked baglama that work so well, but the way the two musicians elaborate on the material in such an organic way. There’s a searing intensity in the music, which sustains nearly an hour with well-paced climaxes and relaxations. [...] This is sublime.
Simon Broughton, Songlines