On his own, Bley is even more sombre and introspective, but the music has a rare freshness and clarity, and it’s perhaps the deepest glimpse yet into the way his mind works. [The first three pieces] unfold slowly, unbroken in mood, conveying a beauty which must speak clearly to everyone. His gracious melodies, sometimes broken up by his redoubtable technique like smoke-rings, giving way almost imperceptibly to the next. The shifts of emphasis and direction are tremendously subtle, and his fine touch etches them with a stained-glass clarity. Practically all his albums are important documents on a remarkable mind, and this is one of the best.
Richard Williams, Melody Maker (1973, Month’s Best)
Inspiration et respiration mélodique sont les mots qui viennent immédiatement à l’esprit lorsque l’on écoute cet album, le plus célèbre enregistrement solo de Paul Bley. Un an après « Facing You » dans lequel Keith Jarrett résume sa science pianistique et ouvre de nouvelles perpectives, Bley affirme l’originalité d’un jeu tout en nuances qui ne cesse de convoquer le silence, de chuchoter des mélodies exquises. Il se détache de l’abstraction pour s’ouvrir davantage au lyrisme, privilégie l’harmonie, les notes qui donnent une âme à la musique.
PDC, Jazz Magazine
Wer Bley mit all seiner introvertierten Spannung, Klangschönheit und meditativen Dichte richtig oder wieder neu kennenlernen möchte, zudem in ausgezeichneter Aufnahmetechnik und auf einem adäquaten, erstklassigen Instrument, dem sei seine einzigartige und wohl auch beste Solo-LP „Open, To Love“ ans Herz gelegt.
Johannes Anders, Tages Anzeiger
The notes hang in the air, projected as if to eternity – frozen-frame moments and intervallic essences. The sound is a caressing, emotive and all-consuming feeling of ebbs and flows. Paul Bley at the piano by himself. Reflecting and seeking, he plays the instrument, the room, your head. Like Cecil Taylor, McCoy Tyner, Corea, Thelonious Monk and, yes, even Oscar Peterson, Bley is one of a kind and must be dealt with by the listener in pursuit of a full view of contemporary piano (and music) art. Bley keeps going where the music takes him. Go along. You’ll be knocked out by the trip.
Smith, Down Beat
An early masterpiece in ECM’s solo piano discography, and very different from its predecessors from Chick Corea and Keith Jarrett. If all three pianists are about melody, they all work with it in contrasting styles. The music is here is stark and bleak, and space more at a premium even more than with Jarrett and Corea working under Manfred Eicher’s watchful eyes (and ears). […] Bley takes a minimalist approach to the tunes, as if examining them from every conceivable angle almost before striking a note. […] Recorded more than fifty years ago the music stands as a monumental testament to the art of solo piano, and remains timeless in terms of content and its place in Bley’s vast discography. Not of its time but for any time, this is music that will endure and we remain grateful that ECM over the years has seen fit to pursue a policy of recording and documenting solo piano albums from such a diverse array of musicians over time.
Nick Lea, Jazz Views
Klare, introspektive Musik volle Anmut, aber ohne plumpe oder belanglose Schönspielerei. Das klingt zum größten Teil wunderbar frisch und auch ein wenig eskapistisch. Die einnehmende Musik spielt Bley an nur einem Tag ein. Er reißt auch mal die Saiten direkt im Korpus seines Instruments an […] ECM hat ‘Open, To Love’ jetzt in seiner ‘Luminessence’-Reihe wiederveröffentlicht, im stabilen Klappcover mit neuen englischen Linernotes von Greg Buium auf den Innenseiten, aber im originalen, wunder bar reproduzierten Artwork.
Lothar Brandt, Mint
Bis heute hat ‘Open, To Love’ nichts von seiner Magie verloren. Wir hören über sieben Stücke lang einen nachdenklichen Bley, der Songs seiner Lieblingskomponistinnen Carla Bley (‘Closer’, ‘Ida Lupino’ und ‘Seven’) und Annette Peacock (‘Open To Love’ und ‘Nothing Ever Was, Anyway’) – sowie zwei eigene Kompositionen vorträgt. Sein Spiel ist von hoher Aufmerksamkeit und Raffinesse geprägt, gleichzeitig so feinfühlig und offenherzig, dass sie ganz unmittelbar wirkt. Besonders das Stück ‘Ida Lupino’ von Carla Bley ist eine der schönsten und lyrischsten Darbietungen, die man je auf einem Jazz-Klavier gehört hat. Die Eigenkompositionen ‘Harlem’ und ‘Started’ sind freie Improvisationen der klassischen Jazz-Standards ‘I Remember Harlem’ und ‘I Can’t Get Started’. Er fragmentiert und skelettiert diese Songs und verwandelt sie in surreale, fast traumhafte Klangwelten, die weit über den traditionellen Jazz hinausgehen und Stille sowie subtile Dissonanz in den Mittelpunkt rückt.
Sebastian Meißner, Sounds and Books
Throughout the album, Bley’s approach to space, silence and patient interpretation of the compositions creates a unique listening experience. His playing alternates between moments of contemplation, serenity and occasional darkness. The power of the music emerges strongly when virtuosity gives way to economy, in other words, restrained lyricism.
Jazz Kenny, All About Jazz
Die Soloplatte ‘Open, to Love’ (1972 bei ECM erschienen) zeigt Bley vielleicht zum ersten Mal in State of the Art-Aufnahmetechnik, alle Details des Flügels werden perfekt eingefangen. Es ist für mich ein Meisterstück des Bley’schen Lyrismus […] ‘Open, to Love’ zeugt von einer Unmittelbarkeit und Reduktion aufs Wesentliche, die auch in seinem Solo-Output einzigartig wirken. […] die Unausweichlichkeit und Dringlichkeit der musikalischen Aussage, bedingt durch die Intensität des Moments, bilden den Kern der Bley’schen Spielhaltung. Selten manifestiert sich dies in größerer Direktheit als auf der Soloplatte ‘Open, to Love’.
Achim Kaufmann, Jazzpodium
Ascèse méditatve, recours frequent à l’allusion voire au non-dit, cette quasi-hésitation traduit moins le désemparement technique qu’une volonté d’improvisation pure et débarrassée des stéréotypes, sans qu’on sache trop s’il remonte au plain-chant medieval ou s’il s’aventure dans le future du jazz, utilisant une vaste palette technique jusqu’ à mettre la main dans le piano. Cette musique, où chaque note prend une valeur immense et où le silence compte autant que son contraire, n’a rien perdu de sa puissance ni de son mystère.
Yazid Kouloughli, Jazz Magazine
