The creative output of Austrian composer (and pianist) Thomas Larcher (born 1963) whom the London Times recently called “a musical talent of unbounded sensitivity and distinction bound for 21st- century glory” has been championed on ECM New Series since 2001. Last fall Larcher’s piano piece “What becomes” attracted wide-spread attention when premiered on Leif Ove Andsnes’ international tour with the project “Pictures, Reframed” in which musical performances were juxtaposed with video images by concept artist Robin Rhode. In the Daily Telegraph Ivan Hewett spoke of “a real 21st- century picture of childhood, rudely energetic and unsentimental”. “Madhares”, the thrid release dedicated exclusively to Larcher’s works, assembles some of the finest ECM musicians such as Kim Kashkashian, Till Fellner and the Munich Chamber Orchestra conducted by Dennis Russell Davies to present a gripping cross-section of Larcher’s recent orchestral output, enhanced by the third string quartet “Madhares” which is played by the youthful French Quatuor Diotima. Larcher’s recent pieces are marked by intense sonic imagination, great rhythmic energy and a virtuoso impact that makes for an immediately rewarding listening. In the upcoming months his music will be performed in musical centers such as Amsterdam, London, Heimbach chamber music festival (composer in residence) and many more.
Thomas Larcher: Madhares
Till Fellner, Kim Kashkashian, Quatuor Diotima, Münchener Kammerorchester, Dennis Russell Davies
- Böse Zellen
- 1I.02:02
- 2II.04:09
- 3III.11:07
- 4IV.02:42
- Still
- 5I. Fließend10:27
- 6II. Fließend13:22
- Madhares - String Quartet No. 3
- 7I. Madhares04:43
- 8II. Honey from Anopolis02:43
- 9III. Sleepless 106:00
- 10IV. Sleepless 2 - Madhares04:53
- 11V. A Song from ?03:35
Neue Zeitschrift für Musik, Empfehlung
This is deep, profound and at times uncompromisingly personal music, but it makes for a riveting listening experience and fully justifies Larcher’s growing reputation as a composer of real individuality and mastery of his craft.
Marc Rochester, International Record Review
Larcher is an unpredictable, freethinking composer, who has set aside the modernist strictures that have long governed Central European music. … “Böse Zellen” is riveting from start to finish – a sweat-inducing drama in instrumental form. All the works receive immaculate, strongly felt performances.
Alex Ross, The New Yorker
His communicative music is one of this century’s wonders. The CD’s title is borrowed from a recent work for string quartet… It’s a work of haunting landscapes and dreams, stylistically disparate but fused by the composer’s astonishing ear and quizzical attitude to traditional forms. Classical music’s past looms larger still in “Böse Zellen”, a concerto of sorts for piano and orchestra, alternately teasing disturbing. … “Still”, for viola and chamber orchestra, plays its own imaginative games with music’s history. Both pieces feature the Munich Chamber Orchestra and the conductor Dennis Russell Davies, ideal for adventurous repertoire.
Geoff Brown, The Times
This world premiere recording of his String Quartet No 3, minutely detailed in its multiplying patterns and crazily interweaving motifs, shows him at his best. Inspired by the White Mountains of western Crete, it glistens with strange effects and bursts of melody. … Two other contrasting works feature pianist Fellner and viola player Kashkashian. All told, a bracing, exhilarating way to discover Larcher.
Fiona Maddocks, The Observer
Larcher’s music is distinctly different from that of any of his near contemporaries. As these three works from the last decade show, Larcher ranges very widely in his influences, and most often well away from the mainstream of European music in the last 30 years.
Andrew Clements, The Guardian
At the heart of Thomas Larcher’s music is an intriguing conflict. He has a fabulous ear for unusual sonorities, which he fashions into surprisingly logical narratives; yet at pivotal moments he uses a more traditional, tonal, almost Romantic expression. … Like many composers today he attempts to reconcile a modernist aesthetic with an older musical heritage, creating a fascinating mix. … Böse Zellen, in particular, is a truly original work, vigorously performed and captured in flawless sound.
Neil Smith, BBC Music Magazine
The music of Tirolean composer Thomas Larcher is hauntingly evocative. Still for viola and chamber orchestra refers both to the idea of stillness and to a frozen video image that can reveal unsuspected details. It is unexpected and welcome to discover a viola pieces not only not elegiac, but in which the viola initiates two tremendous escalations of intensity. Kim Kashkashian declaims the solo part with the utmost eloquence, backed to the hilt by the crack band. … ECM´s recording – a pleasure in itself – captures the players’ every nuance.
Carlos Maria Solare, The Strad
Thomas Larcher´s Viola Concerto and his extraordinary String Quartet No. 3 shows that the Austrian composer can write for strings in a way that materially broadens musical horizons by arming these works to the teeth with angular expressive intensity and a myriad of sonic artifacts. …
The Third Quartet is a masterpiece of invention and design that comes alive as the players, both singly and together, slink into and inhabit Larcher´s musical dimensions and expanding sense of time.
L.V., Strings
Der 1963 geborene Österreicher Thomas Larcher ist … eine der prägnantesten kompositorischen Persönlichkeiten innerhalb der europäischen Musikszene. Larchers Stilistik kennt durchaus zitathafte Allusionen – an Modelle und Formeln der Tradition ebenso wie der Avantgarde -, doch wie er diese zu etwas völlig Eigenem, unmittelbar Berührendem umformt, fasziniert ungemein. …
Alle beteiligten Interpreten identifizieren sich hundertprozentig mit dieser so individuellen, verletzlichen und doch von großer innerer Stärke geprägten Musik. Auf weitere Veröffentlichungen aus dem Œuvre Thomas Larchers darf man gespannt sein.
Thomas Schulz, Neue Zeitschrift für Musik
In “Böse Zellen”, einem verkappten Klavierkonzert, produziert [Fellner] mit dem Münchener Kammerorchester ebenso gekonnt gläsern splitternde Klänge, Saitengeräusche und Schlagzeugeffekte, wie den vertrauten pianistischen Wohlklang. Kim Kashkashian und das Diotima Quartett sind die anderen vorzüglichen Interpreten in Larchers Werken, in denen sich Intensität, weiträumige Anlage und zeichenhafter Klang zu einem abwechslungsreichen Hörerlebnis verbinden.
Max Nyffeler, Neue Musikzeitung
Thomas Larcher in Conversation
Would you say this recording marks a particular stage in your career as a composer?
Well, in a sense every new release is a record of the latest stages you have passed through. While the first two albums I made with ECM, Naunz (2000) and Ixxu (2006), presented works for smaller ensembles, in Madhares the focus has shifted towards music for solo instruments and orchestra. Still, written in 2002, could be regarded as the point of departure; Böse Zellen, written in 2006-07, marks a later stage in my pieces for larger forces – on the path towards the orchestral music I'm working on now, or that is already finished but hasn't yet been premiered. And the quartet Madhares is my most recent foray into the world of chamber music.
The title Böse Zellen is taken from a movie, Still has associations with the idea of film stills, and the title of the quartet Madhares also seems to tap into the realms of optical impressions. How important are these visual connotations in your work?
I can well imagine that my music evokes a range of images in the listener's imagination, but for me personally I find the catalyst for my work in the ideas and realms of my own mind rather than sensory impressions. This catalyst is important to me, like an impulse or an electric charge, for what it does, rather than for its particular characteristics. So the title Madhares has less to do with the geographical region in the west of Crete than with a utopian place, somewhere far away from where I am – possibly completely beyond reach.
These new pieces clearly connect with genres such as the solo concerto or the string quartet that have such a long tradition in music history. To what extent are these traditions a source of that kind of an electric charge?
For me, as a pianist, the concerto is very familiar territory, which naturally also prompts me to question it, above all by re-evaluating the primacy of the soloist. In both of the concertante works, in Böse Zellen and in Still, the orchestra is very active, more than just an accompaniment, so powerful that it often swamps the soloist.
Does the composer identify with the soloist? After all, you are also a pianist . . .
Some people have described Böse Zellen as an "angry piece", which maybe means that it reveals a layer of my personality that is not otherwise apparent in my day to day life. But that kind of obsession, manic activity, where "the wheels in your mind just keep on constantly spinning", when you can't stop your mind racing – I do know all of that very well. Yet, that's not to say that the solo part should be equated with me as a person . . .
How would you describe your relationship to the instruments you have used here? – The "quiet" (silent?) viola, the prepared (masked) piano, not to mention that most noble of chamber music ensembles, the string quartet!
Yes, for me the viola does emerge from silence, but there is also a certain roughness to its sound, an unprettified side, in deliberate contrast to all that elegiac expression that is so often associated with this particular instrument. As for the piano, that's naturally a rather complex matter. On one hand there's the escape from the brilliant to the masked piano sound, which is also very much about extending its coloristic spectrum. That's why it was important to me to prepare it even more than usual by using a large ball and presenting the moment of "de-preparation" as a decisive juncture in Böse Zellen. And I've always been very interested in the percussive quality of the piano. On the other hand, for me the string quartet is and always has been the most exciting configuration of instruments, with the most associations, partly because it is so pure, partly because it has so unbelievably many different facets, even orchestral. The potential for sounds to merge seamlessly into each other only to become completely distinct voices again that you get in a quartet – that has to be unique. You just don't get that kind of inwardness or that kind of tonal blend from a piano.
And could you perhaps tell us a little about working with Dennis Russell Davies?
Dennis has been both a catalyst and a great source of encouragement to me, above all between 1997 and 2002 when he was artistic director of the Radio Symphony Orchestra in Vienna. He initiated Still, and saw it through to its premiere with Kim Kashkashian and the Stuttgart Chamber Orchestra. Böse Zellen is dedicated to Dennis; he has been one of the lodestars in my life as a composer, and was extraordinarily supportive during the whole recording process, for which I am very grateful indeed.
Who are your ideal listeners, when it comes to your own music?
I have in mind a listener, who is familiar enough with the traditions of European classical music to recognise its various codes. Someone who can deal with structures and forms and yet who can enter into a sound world in a relatively naïve manner. I'm looking for a listener who in turn is looking for a dynamic relationship between the intellect and the emotions and can handle the ever-changing interaction of these two poles.
Interview: Anselm Cybinski
Would you say this recording marks a particular stage in your career as a composer?
Well, in a sense every new release is a record of the latest stages you have passed through. While the first two albums I made with ECM, Naunz (2000) and Ixxu (2006), presented works for smaller ensembles, in Madhares the focus has shifted towards music for solo instruments and orchestra. Still, written in 2002, could be regarded as the point of departure; Böse Zellen, written in 2006-07, marks a later stage in my pieces for larger forces – on the path towards the orchestral music I'm working on now, or that is already finished but hasn't yet been premiered. And the quartet Madhares is my most recent foray into the world of chamber music.
The title Böse Zellen is taken from a movie, Still has associations with the idea of film stills, and the title of the quartet Madhares also seems to tap into the realms of optical impressions. How important are these visual connotations in your work?
I can well imagine that my music evokes a range of images in the listener's imagination, but for me personally I find the catalyst for my work in the ideas and realms of my own mind rather than sensory impressions. This catalyst is important to me, like an impulse or an electric charge, for what it does, rather than for its particular characteristics. So the title Madhares has less to do with the geographical region in the west of Crete than with a utopian place, somewhere far away from where I am – possibly completely beyond reach.
These new pieces clearly connect with genres such as the solo concerto or the string quartet that have such a long tradition in music history. To what extent are these traditions a source of that kind of an electric charge?
For me, as a pianist, the concerto is very familiar territory, which naturally also prompts me to question it, above all by re-evaluating the primacy of the soloist. In both of the concertante works, in Böse Zellen and in Still, the orchestra is very active, more than just an accompaniment, so powerful that it often swamps the soloist.
Does the composer identify with the soloist? After all, you are also a pianist . . .
Some people have described Böse Zellen as an "angry piece", which maybe means that it reveals a layer of my personality that is not otherwise apparent in my day to day life. But that kind of obsession, manic activity, where "the wheels in your mind just keep on constantly spinning", when you can't stop your mind racing – I do know all of that very well. Yet, that's not to say that the solo part should be equated with me as a person . . .
How would you describe your relationship to the instruments you have used here? – The "quiet" (silent?) viola, the prepared (masked) piano, not to mention that most noble of chamber music ensembles, the string quartet!
Yes, for me the viola does emerge from silence, but there is also a certain roughness to its sound, an unprettified side, in deliberate contrast to all that elegiac expression that is so often associated with this particular instrument. As for the piano, that's naturally a rather complex matter. On one hand there's the escape from the brilliant to the masked piano sound, which is also very much about extending its coloristic spectrum. That's why it was important to me to prepare it even more than usual by using a large ball and presenting the moment of "de-preparation" as a decisive juncture in Böse Zellen. And I've always been very interested in the percussive quality of the piano. On the other hand, for me the string quartet is and always has been the most exciting configuration of instruments, with the most associations, partly because it is so pure, partly because it has so unbelievably many different facets, even orchestral. The potential for sounds to merge seamlessly into each other only to become completely distinct voices again that you get in a quartet – that has to be unique. You just don't get that kind of inwardness or that kind of tonal blend from a piano.
And could you perhaps tell us a little about working with Dennis Russell Davies?
Dennis has been both a catalyst and a great source of encouragement to me, above all between 1997 and 2002 when he was artistic director of the Radio Symphony Orchestra in Vienna. He initiated Still, and saw it through to its premiere with Kim Kashkashian and the Stuttgart Chamber Orchestra. Böse Zellen is dedicated to Dennis; he has been one of the lodestars in my life as a composer, and was extraordinarily supportive during the whole recording process, for which I am very grateful indeed.
Who are your ideal listeners, when it comes to your own music?
I have in mind a listener, who is familiar enough with the traditions of European classical music to recognise its various codes. Someone who can deal with structures and forms and yet who can enter into a sound world in a relatively naïve manner. I'm looking for a listener who in turn is looking for a dynamic relationship between the intellect and the emotions and can handle the ever-changing interaction of these two poles.
Interview: Anselm Cybinski
Thomas Larcher im Gespräch
Welche Station stellt diese Aufnahme in Ihrer Laufbahn als Komponist dar?
Eine Platte ist letztlich immer eine Zusammenfassung bereits absolvierter Stationen. Während die ersten beiden ECM-Alben „Naunz“ (2000) und „Ixxu“ (2006) Werke für kleinere Besetzungen vorstellten, steht bei „Madhares“ Musik für Soloinstrumente und Orchester im Mittelpunkt. „Still“ von 2002 ist so etwas wie ein Startpunkt, „Böse Zellen“ von 2006/07 markiert ein weiteres Stadium meiner Arbeiten für größere Besetzungen – den Schritt hin zu einer Orchesterliteratur, die jetzt gerade entsteht bzw. teilweise vollendet aber noch nicht uraufgeführt ist. Und „Madhares“ vertritt das jüngste Stadium auf dem Gebiet der Kammermusik.
Der Titel „Böse Zellen“ ist einem Film entlehnt, „Still“ weckt natürlich Assoziationen an ein Film-Still, und auch das Quartett „Madhares“ scheint optische Eindrücke aufzunehmen. Welche Bedeutung hat das Visuelle für Ihr Komponieren?
Ich kann mir vorstellen, dass meine Musik beim Hörer gewisse Bilder evoziert, aber für mich selbst sind es eher innere Vorstellungen und geistige Räume, die mich anregen, nicht so sehr konkrete sinnliche Eindrücke. Die Anregung schlechthin ist wichtig, im Sinne eines Impulses oder eines Stromstoßes – nicht so sehr die Charakteristika des anregenden Dings selbst. Insofern meint „Madhares“ auch weniger den so bezeichneten Landstrich im Westen Kretas, sondern vielmehr einen utopischen Ort, der weit weg von mir selbst ist – möglichst unerreichbar.
Offensichtlich beziehen sich die Stücke auf Genres wie das Solokonzert oder das Streichquartett, die viel an musikgeschichtlicher Tradition mitführen. Inwiefern gehen von diesen Traditionen solche „Stromstöße“ aus?
Für mich als Pianist ist das Konzert eine sehr vertraute Konstellation, die mich dazu einlädt, sie zu hinterfragen, vor allem indem ich den Primat des Solisten in Frage stelle. In beiden konzertanten Werken, bei „Böse Zellen“ wie bei „Still“, handelt es sich um sehr aktive, eben nicht begleitende Orchester, deren Wucht öfters mal über den Solisten hinwegschwappt.
Identifiziert sich der Komponist Thomas Larcher mit dem Solisten? Schließlich sind Sie auch Pianist …
Manche Leute haben die „Bösen Zellen“ als ein „wütendes Stück“ bezeichnet, was vielleicht bedeutet, dass hier eine Schicht meiner Persönlichkeit zum Vorschein kommt, die in meinem Leben sonst nicht so präsent ist. Diese Besessenheit, das Manische, dieses „das Räderwerk im Kopf nicht zum Stillstand bringen“, die Gedanken nicht stoppen können – das kenne ich schon. Aber es ist natürlich nicht so, dass der Solist mit meiner Person gleichzusetzen wäre…
Wie würden Sie Ihre Beziehung zu den hier verwendeten Instrumenten umreißen? Da ist die „stille“ Viola, daneben das präparierte also klanglich „maskierte“ Klavier. Nicht zu vergessen die edelste Gattung der Kammermusik, das Streichquartett!
Ja, die Viola kommt für mich aus der Stille, aber es gibt auch eine gewisse Rauheit des Tons, eine ungeschminkte Seite, als bewussten Gegensatz zu all dem Elegischen, das so oft mit dem Instrument assoziiert wird. Das Klavier ist für mich natürlich eine komplexe Angelegenheit. Einerseits war da die Flucht aus dem brillanten in den maskierten Klavierklang. Dies durchaus auch im Sinne einer Erweiterung des Farbspektrums. Darum war es mir wichtig, die Präparierung mit der Verwendung einer großen Kugel noch weiter zu treiben und die De-Präparierung dann als entscheidenden Moment der „Bösen Zellen“ zu inszenieren. Auch das Perkussive am Klavier hat mich immer sehr interessiert. Auf der anderen Seite ist das Streichquartett für mich nach wie vor die anregendste und mit den meisten Assoziationen behaftete Konstellation, weil sie einerseits so pur ist, auf der anderen Seite aber so unglaublich facettenreich, oft auch orchestral. Die Möglichkeit der bruchlosen klanglichen Verschmelzung, und dann wieder die absolute Trennung der Stimmen beim Quartett – das ist schon einzigartig. Eine derartige Innigkeit und klangliche Geschlossenheit erreicht das Klavier nicht.
Sagen Sie ein Wort zur Zusammenarbeit mit Dennis Russell Davies?
Dennis war ein Anreger und ein großer Ermutiger für mich, vor allem als er zwischen 1997 und 2002 das Radiosinfonieorchester Wien leitete. Er hat „Still“ initiiert und zusammen mit Kim Kashkashian und dem Stuttgarter Kammerorchester zur Uraufführung gebracht. Dennis sind die „Bösen Zellen“ gewidmet, er wurde eine der zentralen Gestalten für mich als Komponist, und er hat sich bei der Aufnahme wirklich in ungewöhnlichem Maß eingesetzt, wofür ich sehr dankbar bin.
Welchen Hörer wünschen Sie sich eigentlich für Ihre Musik?
Ich denke an einen Hörer, der die Tradition der europäischen Klassik so weit „beherrscht“, dass er mit ihren Codes umgehen kann. Jemand der Verläufe und Formen einordnet und sich dennoch relativ unbedarft in eine klangliche Welt hineinbegibt. Ich suche einen Hörer, der ein dynamisches Verhältnis zwischen Intellekt und Emotionalität sucht und immer wieder neue Gegenüberstellungen dieser beiden Pole zulassen kann.
Interview: Anselm Cybinski
Welche Station stellt diese Aufnahme in Ihrer Laufbahn als Komponist dar?
Eine Platte ist letztlich immer eine Zusammenfassung bereits absolvierter Stationen. Während die ersten beiden ECM-Alben „Naunz“ (2000) und „Ixxu“ (2006) Werke für kleinere Besetzungen vorstellten, steht bei „Madhares“ Musik für Soloinstrumente und Orchester im Mittelpunkt. „Still“ von 2002 ist so etwas wie ein Startpunkt, „Böse Zellen“ von 2006/07 markiert ein weiteres Stadium meiner Arbeiten für größere Besetzungen – den Schritt hin zu einer Orchesterliteratur, die jetzt gerade entsteht bzw. teilweise vollendet aber noch nicht uraufgeführt ist. Und „Madhares“ vertritt das jüngste Stadium auf dem Gebiet der Kammermusik.
Der Titel „Böse Zellen“ ist einem Film entlehnt, „Still“ weckt natürlich Assoziationen an ein Film-Still, und auch das Quartett „Madhares“ scheint optische Eindrücke aufzunehmen. Welche Bedeutung hat das Visuelle für Ihr Komponieren?
Ich kann mir vorstellen, dass meine Musik beim Hörer gewisse Bilder evoziert, aber für mich selbst sind es eher innere Vorstellungen und geistige Räume, die mich anregen, nicht so sehr konkrete sinnliche Eindrücke. Die Anregung schlechthin ist wichtig, im Sinne eines Impulses oder eines Stromstoßes – nicht so sehr die Charakteristika des anregenden Dings selbst. Insofern meint „Madhares“ auch weniger den so bezeichneten Landstrich im Westen Kretas, sondern vielmehr einen utopischen Ort, der weit weg von mir selbst ist – möglichst unerreichbar.
Offensichtlich beziehen sich die Stücke auf Genres wie das Solokonzert oder das Streichquartett, die viel an musikgeschichtlicher Tradition mitführen. Inwiefern gehen von diesen Traditionen solche „Stromstöße“ aus?
Für mich als Pianist ist das Konzert eine sehr vertraute Konstellation, die mich dazu einlädt, sie zu hinterfragen, vor allem indem ich den Primat des Solisten in Frage stelle. In beiden konzertanten Werken, bei „Böse Zellen“ wie bei „Still“, handelt es sich um sehr aktive, eben nicht begleitende Orchester, deren Wucht öfters mal über den Solisten hinwegschwappt.
Identifiziert sich der Komponist Thomas Larcher mit dem Solisten? Schließlich sind Sie auch Pianist …
Manche Leute haben die „Bösen Zellen“ als ein „wütendes Stück“ bezeichnet, was vielleicht bedeutet, dass hier eine Schicht meiner Persönlichkeit zum Vorschein kommt, die in meinem Leben sonst nicht so präsent ist. Diese Besessenheit, das Manische, dieses „das Räderwerk im Kopf nicht zum Stillstand bringen“, die Gedanken nicht stoppen können – das kenne ich schon. Aber es ist natürlich nicht so, dass der Solist mit meiner Person gleichzusetzen wäre…
Wie würden Sie Ihre Beziehung zu den hier verwendeten Instrumenten umreißen? Da ist die „stille“ Viola, daneben das präparierte also klanglich „maskierte“ Klavier. Nicht zu vergessen die edelste Gattung der Kammermusik, das Streichquartett!
Ja, die Viola kommt für mich aus der Stille, aber es gibt auch eine gewisse Rauheit des Tons, eine ungeschminkte Seite, als bewussten Gegensatz zu all dem Elegischen, das so oft mit dem Instrument assoziiert wird. Das Klavier ist für mich natürlich eine komplexe Angelegenheit. Einerseits war da die Flucht aus dem brillanten in den maskierten Klavierklang. Dies durchaus auch im Sinne einer Erweiterung des Farbspektrums. Darum war es mir wichtig, die Präparierung mit der Verwendung einer großen Kugel noch weiter zu treiben und die De-Präparierung dann als entscheidenden Moment der „Bösen Zellen“ zu inszenieren. Auch das Perkussive am Klavier hat mich immer sehr interessiert. Auf der anderen Seite ist das Streichquartett für mich nach wie vor die anregendste und mit den meisten Assoziationen behaftete Konstellation, weil sie einerseits so pur ist, auf der anderen Seite aber so unglaublich facettenreich, oft auch orchestral. Die Möglichkeit der bruchlosen klanglichen Verschmelzung, und dann wieder die absolute Trennung der Stimmen beim Quartett – das ist schon einzigartig. Eine derartige Innigkeit und klangliche Geschlossenheit erreicht das Klavier nicht.
Sagen Sie ein Wort zur Zusammenarbeit mit Dennis Russell Davies?
Dennis war ein Anreger und ein großer Ermutiger für mich, vor allem als er zwischen 1997 und 2002 das Radiosinfonieorchester Wien leitete. Er hat „Still“ initiiert und zusammen mit Kim Kashkashian und dem Stuttgarter Kammerorchester zur Uraufführung gebracht. Dennis sind die „Bösen Zellen“ gewidmet, er wurde eine der zentralen Gestalten für mich als Komponist, und er hat sich bei der Aufnahme wirklich in ungewöhnlichem Maß eingesetzt, wofür ich sehr dankbar bin.
Welchen Hörer wünschen Sie sich eigentlich für Ihre Musik?
Ich denke an einen Hörer, der die Tradition der europäischen Klassik so weit „beherrscht“, dass er mit ihren Codes umgehen kann. Jemand der Verläufe und Formen einordnet und sich dennoch relativ unbedarft in eine klangliche Welt hineinbegibt. Ich suche einen Hörer, der ein dynamisches Verhältnis zwischen Intellekt und Emotionalität sucht und immer wieder neue Gegenüberstellungen dieser beiden Pole zulassen kann.
Interview: Anselm Cybinski