01.09.2023 | Reviews of the week

Reviews of the month

The recording of C.P.E. Bach’s Württemberg Sonatas by Keith Jarrett keeps garnering rave reviews from international media

 

Dating from 1994 (and never issued before), Keith Jarrett, who recorded music by JS Bach around the same time, also turned his attention and brilliant playing to music by Carl Philip Emanuel, with wonderful results. […] In the intervening years other pianists have, too, [recorded on the piano] and it’s no disrespect to them to say that Jarrett moves straight to the top of the list of interpreters on the instrument.

Fabrice Fitch, Gramophone

 

The inventiveness and unexpected twists and turns of the music emerge, especially in the minor-key slow movements of the Fourth and Fifth sonatas.

Martin Cotton, BBC Music Magazine

 

Die Musik des Bach-Sohnes wird von Keith Jarrett, darf man sagen, zum Juwel erhoben. […] Mit den nun veröffentlichten ‘Württembergischen Sonaten’ Bachs hat sich Keith Jarrett jetzt erneut als Klassik-Pianist von technischer Souveränität, stilistischer Eleganz und Empfindsamkeit in Erinnerung gebracht. Und der Bach-Sohn gelangt mit den Aufnahmen zu gesteigertem Ruhm.  […] Keith Jarrett gelingt es dank der ihm eigenen sehr ernsthaften Brillanz, die Sonaten flüssig, pointiert, quasi akut werden zu lassen.

Wolfgang Schreiber, Süddeutsche Zeitung

 

Carl Philipp Emanuel Bach war ein Pionier zwischen Barock und Klassik, ein hoch gebildeter und universeller Künstler, der die Techniken des Klavierspiels entscheidend vorangetrieben hat und auch heute noch mehr Aufmerksamkeit verdient. […] Keith Jarrett hat sich Anfang der 90er Jahre mit den sechs sogenannten ‘Württembergischen Sonaten’ von Carl Philipp Emanuel Bach beschäftigt, nach einer Periode, in der er Musik vom Bach-Vater eingespielt hatte: das komplette Wohltemperierte Klavier, die Goldberg-Variationen und drei Gambensonaten, darüber hinaus die von Bach inspirierten Präludien und Fugen von Schostakowitsch und Suiten des Bach-Zeitgenossen Georg Friedrich Händel. Keith Jarrett spielt die 1744 veröffentlichten Sonaten von Carl Philipp Emanuel auf dem modernen Flügel, weil er das Gefühl hatte, dass es ‘noch Raum für eine Klavierversion gab’, heißt es im Booklet. Und das nimmt man ihm ab, ohne ein historisches Instrument zu vermissen. Unprätentiös und fließend spielt Keith Jarrett. Er durchleuchtet einzelne Phrasen ohne auf Effekte zu zielen. […] Aber Jarrett überzeugt mit anderer mutiger Konsequenz, weil er diese Musik introvertiert, innig und doch in sich schlüssig durchschreitet, ohne Show, ehrlich und empathisch. Offensichtlich hat er die viel zitierten Worte von Carl Philipp Emanuel verinnerlicht, dass ein Musiker selbst gerührt sein müsse, um andere zu rühren. Denn: Keith Jarrett berührt und zeigt einmal mehr eine faszinierende Seite seiner Musikerpersönlichkeit.

Meret Forster, Bayerischer Rundfunk

 

Die Stücke werden nur selten gespielt und wenn, dann auf einem Cembalo. ’I felt there was room for a piano version’, sagt Jarrett, heute78. Er interpretiert Bachs Sonaten hier mit der ihm eigenen Eleganz, Hingabe und Natürlichkeit – eine echte Offenbarung.

Miriam Damev, Falter

 

This is a refined, elegant account of these six extraordinary sonatas

Will Yeoman, Limelight Magazine

 

Il chante d’une voixs ensible, en un équilibre supérieurement organisé et maîtrisé, sur les sentiments, les articulations, les lignes brisées, les points d’arrêts, les relances d’un discours euphorisant et rêveur. Jarrett est délié et inspire, libre et rigoureux.

Alain Lompech, Pianiste

 

Jarrett is alive to the inner workings of Bach’s imagination and his grasp of how all of the often heterodox elements of these sonatas fit together is immaculate. […] I hope Jarrett’s fame brings new listeners to this marvellous music and to Jarrett’s superbly sensitive rendering of it. For in the end the best qualities of these accounts are Jarrett’s refined responsiveness and subtle delicacy of touch rather than anything more extrovert. A reminder perhaps that for all their virtuosity and flights of fancy these were sonatas most likely written for domestic usage rather than the public arena. In their strange and intoxicating internal world, Jarrett is a sane and wise guide.

David McDade, Music Web International

 

Immer wieder lebt diese Musik von ihren Nuancen. Und diese spielt Keith Jarrett voll aus. Mit schlankem Flügelklang, großerTransparenz, feindosierter Dynamik und schönen Echoeffekten wirkt sein Klavierspiel dabei stets natürlich. Die schnellen Sätze spielt er mit dem richtigen Drive, zudem wirken die fantasieartigen Passagen bei Jarrett so frei, als habe er sie gerade improvisiert.

Gregor Willmes, Fono Forum (Choice of the month)

US, Australian and French reactions to the new recording of works by Henrik Ødegaard with Vox Clamantis

 

This is an unusual release, even by the high standards of the ECM label, in all respects except one: the sound is extraordinary. In this album of music modeled on Gregorian chant, the singing of the choir Vox Clamantis, recorded at the St. Nicholas Dome Church in the Estonian resort town of Haapsalu, is revealed in an almost tactile amount of detail. The music by composer Henrik Ødegaard is based on Gregorian chant, and there is a good deal of actual chant present on the program. The main attraction is a set of Meditations over St. Mary Magdalene’s Feast in Nidaros (2017), which elaborates on a group of 13th century chants that have been imperfectly preserved. […] . Ødegaard elaborates the chant in various ways, and here he departs from pure medieval models. His music sounds on the surface like the medieval conductus (one example of which is included) and motet, but Ødegaard’s language is ultimately his own. The Meditations are a set, not a group of individual pieces, and the texture thickens as they proceed, reaching a high point with the penultimate ‘Magnificat’ antiphon. Call this neo-medieval, or call it what one will, but this is brilliantly original music, and there is unlikely to be a better-engineered album in 2023.

James Manheim, All Music

 

Tulve directs the impeccable Vox Clamantis. Tone is pure but not self-consciously so, and blend is precise (supported and softened by a generous acoustic). Best of all is the chant itself, which flows with organic ease and only the gentlest of inflections. The skill here – both in performance and composition – is invisible. What a wonderfully generous piece of music-making.

Alexandra Coghlan, Limelight Magazine

 

Un fin rapport à la polyphonie rend cette musique particulièrement […] Une superbe intelligibilité de ce chœur permet de savourer chaque syllable.

Caroline Bertille, Vu Metre

UK and German reviewers on the album Glimmer by Nils Økland and Sigbjørn Apeland

 

With its unhurried, slowly unfolding melodies and its general air of restrained contemplation, there’s a danger that this quietly exquisite collection of folk tunes and original compositions from Norwegian violinist Nils Økland and harmonium player Sigbjørn Apeland might end up merely as atmospheric, mood-setting background music. Which would be a huge shame, since it’s a collection that greatly rewards attentive listening, and reveals enormous variety within its admittedly somewhat limited sonic palette. There’s the remarkable purity and sincerity of Økland’s playing, for a start – with rich-toned violin improvisations around the achingly sad tune of opening track ‘Skynd deg, skynd deg’, for example, or the lithe ornamentation he brings to the subsequent ‘Gråt ikke søte pike’ or the later ‘O du min Immanuel’, complete with a halo of resonances from his Hardanger fiddle. […] interpretations that manage to sound both ancient and bang up to date. ECM’s close, warm recording feels like the ideal vehicle for this intimate, heartfelt conversation between friends – it’s playing that invites you to listen, unafraid to show its vulnerabilities and emotions, and is entirely captivating as a result.

David Kettle, The Strad

 

Mit ihrer betörenden Musik bleiben die beiden in ihrer Landschaft, für die sie in unorthodoxer, akustischer Instrumentenkombination ausgewogene Klangbilder voller Sentiment und besinnlicher Ruhe formulieren. Es werden unaufgeregt auch atonale Momente integriert, die das innere Strahlen der Töne steigern. Diese Musik wirft Anker in die Regionen der Kontemplation und wird zu einer umgreifenden Einladung zu Innenhalt und Besinnung, indem sie gleichermaßen visionär und archaisch ist.

Ulrich Steinmetzger, Jazzpodium

US, German and French reactions to Our Daily Bread by Joe Lovano Trio Tapestry

 

Joe Lovano’s Trio Tapestry is one of the most profound projects to grace ECM in recent years and, for this is the groups third outing, we are welcomed into a chamber within a chamber within a chamber. This set of eight Lovano originals, each written exclusively for the project, draws from the wells of Marilyn Crispell (piano) and Carmen Castaldi (drums), whose gifts of abundance unwrap themselves to reveal one grace after another. […] Despite an overarching solace, there is variety to be found. Where ‘Rhythm Spirit’ is a heartfelt duet for tenor and drums highlighting breathy lows and delicate highs, ‘Grace Notes’ floats Lovano’s  tarogato on a seascape of  dreamy complexion,  Castaldi’s cymbals hinting at a groove that never catches, buried instead in the crashing brine. On ’One for Charlie’, reedman Lovano returns to the tenor with a monologue dedicated to the late Charlie Haden. At the heart of this session are two balladic verses: the snaking indeterminacy of ’Le Petit Opportun’ and the title track’s potent lyricism give us plenty to savor even as they savor us.

Tyran Grillo, New York City Jazz record

 

Zusammen mit der Pianistin Marilyn Crispell und dem Schlagzeuger Carmen Castaldi bringt er acht Kompositionen zum Klingen, die große Intimität ausstrahlen und den Raum Stück für Stück zum Schweben bringen. Die Pianistin bereitet dabei den Boden, auf dem das Saxofon Joe Lovanos höchst gefühl- und sehnsuchtsvoll die Szenerie erfüllt. Interessant sind die Fähigkeiten des Schlagzeugers, dessen erste Aufnahmebeteiligung mehr als 50 Jahre zurückliegt, der aber erst an sechs Alben beteiligt war, vier davon mit Joe Lovano. Er ist damit der stille Star des Albums, dessen hingetupfte Beiträge an verschiedenen Schlagwerken ungemein zur besonderen Stimmung beitragen, die auf ‘Our Daily Bread’ in vollendeter Klangqualität zu genießen ist. Die Magie und Ruhe der Aufnahme täuschen ein wenig darüber hinweg, dass die Kompositionen sehr komplex und trotz des avantgardistischen Ansatzes von großer Zugänglichkeit geprägt sind. Mit diesen Attributen zählt auch das dritte Werk des Trios zu den großen Jazz-Momenten, von denen es im ECM-Katalog mehr gibt als bei jedem anderen Label.

Ralf Henke, Hifi Test

 

Puissante et organique, la musique exprimée par le trio est puissamment ressentie à trois avant d’être transmise en une veritable osmose. […] C’est la complicité des artistes qui réhausse chaque proposition individuelle, voici le grand art du trio. […] Cet album est le témoignage de moments précieux mêlant improvisation, contemporain, jazz, musique de chambre: de l’art dans toute sa diversité.

Caroline Bertille, Vu Metre 

A French reaction to Ralph Towner’s solo guitar album At First Light

 

L’intimiste ’At First Light’ révèle toute la science guitaristique d’un musician majestueux. […] une plongée dans un univers où prime la richesse mélodique. […] Ralph Towner sublime les airs qui s’éveillent sous ses doigts; les successions d’accords et declimats musicaux imbriqués ne nous permettent pas de mesurer quelle est la part d’ improvisation et de composition: c’est la signature d’un maestro. […] Les compositions personnelles subliment l’empreinte d’un guitariste magistral. […] Comment ne pas être conquis par le développement harmonieux distillé tout au long de lachronologie d’ ’At First Light’? Ici s’affiche l’ extreme maitrise instrumentale de Ralph Towner, fruit d’une faconde intérieure flamboyante.

Mario Borroni, Citizen Jazz

Belgian and French reviewers on the album Eventually by the Jacob Young Trio

 

C’est un album qu’on a envie de placer en permanence sur la platine, tant sa musique fait du bien et rèsonne en nous.

Jean-Claude Vantroyen, Le Soir

 

Un sens de la mélodie aiguisé et délicat. […] De cette maîtrise à la fois instrumentale et compositionnelle, une liberté très grande d’interprétation et de complicité fait jour. Une grande douceur se déploie tout enoffrant des aspects saillants et puissants.

Caroline Bertille, Vu Metre

A Time To Remember by Elina Duni is reviewed in Scotland, Germany and France

 

Duni imparts emotional impact while maintaining a wonderfully floating delicacy, couched in keenly sensitive accompaniments from guitarist Rob Luft, flugelhorn player Matthieu Michel and Fred Thomas on piano and drums. This is a beguiling mix of new compositions, traditional Balkan material and standards.

Jim Gilchrist, The Scotsman

 

Diese schwebenden, zarten, von rotierenden Rhythmen bewegten Melodien tun aparte Wirkung. […] Das bewährte Duo mit Dunis Alter Ego, dem Gitarristen Rob Luft, wird auf diesem Album erweitert, mischten in den südfranzösischen  Studios La Buissonne doch Flügelhornist Matthieu Michel und Pianist bzw. Perkussionist Fred Thomas mit. Der Abstecher zu Stephen Sondheims ‘Send In The Clowns’ beschert dem Evergreen die hinreißendste Version seit der Neulesung durch Bobo Stenson, Anders Jormin, Paul Motian vor gut zwanzig Jahren

Wolfgang Gratzer, Jazzpodium

 

On flirte avec la nonchalance, on se fait envahir par la nostalgie, on se laisse couler dans ce moment extatique. Un folklore effréné nous emporte, un lyrisme intense nous touche profondément. La voix est au premier plan, avec une pléiade de qualificatifs: lumineuse, pleine, chatoyante, chaleureuse.  Captée en proximité, elle se pare de ses meilleurs atours de studio et ses partenaires musicaux soulignent en finesse chaque intention. […] Comme des irisations sous l’effet du soleil, c’est un nouveau timbre qui semble apparaître en une sorte de nouvel instrument subliminal.

Caroline Bertille, Vu Metre

 

Musikalisch agiert das Quartett auf allerhöchstem Niveau. Neben der Sängerin Elina Duni und dem Gitarrist Rob Luft machen der Pianist Fred Thomas und Matthieu Michel mit sei-nem Flügelhorn das Album zu einem Hinhörer […] Es ist natürlich eine gewagte Mischung, die Elina Duni und Rob Luft anbieten. Das Eigene, anspruchsvolle und meisterhafte, steht neben modernisierten Volksliedern. Hinzukommen aber auch Schmachtfetzen wie etwa ‘Send in the clowns’ von Stephen Sondheim. Dabei strauchelt das Quartett jedoch nicht einmal ins Gestrüpp der Befindlichkeiten. Das Thema der Neuveröffentlichung, die Zeit und unsere Vergänglichkeit, wird so einfallsreich und kunstvoll umrundet.

Georg Wassmuth, Südwestrundfunk

 

 

 

A German music monthly on the new guitar solo album El ultimo aliento by Zsófia Boros

 

Unter all den Gitarristen und Gitarristinnen zählt sie zu den klangsinnlichsten. Zsófia Boros’ Musik scheint zu schweben, nimmt einen mit, öffnet Türen und erzählt von Klangräumen. Auf ‘El ultimo aliento’ hat sie sich ausschließlich Kompositionen von Gitarrenkollegen gewidmet […] Boros’ souveränes Spiel adelt sie alle. Mit Mathias Duplessy (*1972) gelingt ein schöner Einstieg: Langanhaltende Arpeggien,denen mit aufgesetzt glänzenden Solo-Tönen eine romantische Weise entspringt. Überhaupt hat man hier das Gefühl, als würde das spanische Gitarrenidiom wiedererstehen. […] Das alles ist hinreißend gespielt – wie eine fortlaufende Erzählung.

Tilman Urbach, Fono Forum

Another French reaction to the album Vagabond by Dominic Miller

 

Le quarte tinstalle de superbes ambiances sonores, soulignant les themes et/ou les motifs rythmiques et mélodiques dans une épure qui renforce la puissance expressive de la musique. […] Dominic Miller pose ses notes en funambule, jouant des résonances des cordes à vide, soutenu par une section rythmique au groove infaillible et un piano aérien. Un disque de haute maturité artistique.

Marc Rouvé, Batteur Magazine

 

Le son est splendide et le mastering engage à écouter cet album dans un environnement calme pour profiter de la très belle dynamique du groupe. […] Un bien bel album qui évoque tout autant les années 1970 et la liberté de mélange des styles que la sonorité très particulière des premiers Metheny […] Miller  a trouvé quelque chose, dans la sonorité  et dans l’écriture, avec ce groupe qui mérite de poursuivre le travail  sur quelques disques encore.

Miguel Ferreira, Guitare Sèche Le Mag

 

US and French reactions to the Luminessence re-issue of Gary Burton’s The New Quartet

 

Burton was a pioneer of jazz rock fusion in his earlier quartet and that’s the general style of this album and very much the mode on the first track with all four musicians playing with and around one another with a speed and dexterity that is reinforced by the bright melodic sound of the vibes. The sound is more jazz than rock for this reason but it’s not by any means challenging, there’s just plenty going on, the underlying beat may not be in 4/4 but it’s very easy to enjoy the rhythmic patterns that are created by what is a highly percussive ensemble. […] The sound on this pressing is excellent, full of energy and life but also really well separated and defined.

Jason Kennedy, HiFi+

 

Très belle reedition LP que celle-ci, avec une interview de Burton en prime.

Julien Ferté, Jazz Magazine 

More praise from the UK and France for the fifth and final recording of the Prism series by the Danish String Quartet

 

This striking recording finds Beethoven No. 16 followed by the intricate Webern String Quartet—both are bookended by a pair of Bach strings works: ‘Vor deinen Thron tret’ich, Chorale Prelude’, BWV 668, and the pastoral ‘Art of the Fugue’, NWV 1080. In this setting, the Danish—Rune Tonsgaard Sørensen and Frederik Øland, violins; Asbjørn Nørgaard, viola; and Fredrik Schøyen Sjölin, cello—provide context for what the ensemble has called the ‘mind blowing’ nature of Beethoven’s five late string quartets. You’ll be hard pressed to find a piece of music as beautiful as No. 16’s elegantly played third movement lento assai. The Prism series is a powerful testament to the enduring nature of these monumental works and of the talent of this group of three Danes, who met as youths at a summer music camp, and a Norwegian cellist. It’s clear that this series is a rite of passage that transcends mere performance.

Greg Cahill, Strings Magazine

 

Les Danois opposent des lignes fuselées et homogénes, tantôt lumineuses, tantôt plongées dans les ténèbres, soutenues par une acoustique ample: une option qui fait mouche dans cette œuvre métaphysique […]  Le Danois proposent une lecture sans concession  à la fois sombre, expressionniste et concentrée, d’une precision redoubtable et donnée quasiment sans vibrato.

Fabienne Bouvet, Classica

 

Les textures sonores sont delicates et homogènes, la conduit des phrases se déploie avec une grande souplesse. […] C’est une grande réactivité expressive des artistes qui s’illustre tout le long du disque.

Caroline  Bertille, Vu Metre