Reviews of the week

The new album After The Last Sky by Anouar Brahem with Anja Lechner, Django Bates and Dave Holland is acclaimed in the USA and Germany

All the compositions are by Brahem except for ‘The Eternal Olive Tree’, which is by Brahem and Holland. The interplay among the four musicians flows naturally and unforced, the music coming across as an amalgam of chamber and world music. The opening track, for example, ‘Remembering Hind’, is a brief duet for cello and piano that sounds as if it could be an excerpt from a cello sonata. […] The endresult is an album of extraordinary beauty, the four musicians combining to produce an album of breathtaking beauty, chamber music of haunting emotional subtlety. The warm, natural, spacious ECM engineering makes this just adds to the luster of this sparkling gem.

Karl W. Nehring, Classical Candor

In betörender Klangsinnlichkeit gelingt dem Quartett in elf Kompositionen Brahems ein beeindruckender Brückenschlag zwischen Kulturen und Kontinenten, Stilen und Stimmungen. Arabisch-maghrebinische Traditionen, europäischer Kammermusik-Gestus und jazzige Improvisation verbinden sich zur eigenständigen Kunstmusik.

Reinhold Unger, Münchner Merkur

Eingespielt von einem internationalen Quartett, bestehend aus den beiden Engländern Dave Holland (Bass) und Django Bates (Piano), der deutschen Anja Lechner (Cello) und Brahem selbst, ist im schweizerischen Lugano eine Musik entstanden, die traditionelle arabische Musik, europäische Kammermusik, Improvisation und Individualität in sich vereint. Den vier Musikern gelingt es faszinierend ihre jeweiligen Identitäten zu erhalten und gemeinsam eine westöstliche Klangkultur zu entwickeln, die sich weitab aller stilistischen Eingrenzungen bewegt. Brahem hat in der Vergangenheit mit seinen Alben für ECM diesen enormen Spagat schon häufiger vollzogen. Ihm gelingt es dabei immer wieder, eine unruhige wie beruhigende Musikalität zu kreieren, die natürlich über reines Virtuosentum hinausgeht – obwohl alle vier Instrumentalisten sehr wohl hierzu in der Lage wären. […] Inhaltlich hat sich Anouar Brahem von Schmerz und Leid, aber auch von Hoffnung und Lebensbejahung leiten lassen. Kein Wirklichkeitspathos, stattdessen Tiefsinn, Melancholie und vibrierende Nachdenklichkeit. ‘After The Last Sky’ steht einerseits in einer Reihe von faszinierenden Brahem-Einspielungen der letzten Jahrzehnte und ist zugleich eine neuerliche, fortführende komplexer Klangerforschung – weitab kulturell einengender, wie ausgetretener Pfade. Hier wird alles evident Fremdartige zum zuversichtlich Vertrauten.

Jörg Konrad, Kultkomplott

Aufgenommen wurden die Stücke von ‘After the Last Sky’ im Auditorio Stelio Molo in Lugano, hier wurden sie auch phantastisch abgemischt: In jedem Moment ist ein wunderbarer Klang-Raum zu hören, der den Aufnahmen Tiefe und Seriosität verleiht. Das können die elegischen, melancholischen Kompositionen von Anouar Brahem gut gebrauchen – eine Musik, bei der die Intensität der Töne ebenso wichtig ist, wie die Stille zwischen den Klängen.  Das Spiel von Anouar Brahem und seinen drei Quartettkollegen zeichnet sich nicht durch billige Effekte oder Exotismen aus, sondern durch tiefgründige Überlegtheit: Weniger ist mehr, scheint die künstlerische Devise zu sein. Jeder Ton ist wohl überlegt, die Kraft, aus der die vier Musiker schöpfen, kommt aus einem langen Atem. Das macht das Album ‘After the Last Sky’ zu einem einzigartigen Hör-Erlebnis.

Ulrich Möller-Arnsberg, Bayerischer Rundfunk

Anouar Brahem hat ‘After the Last Sky’ aufgenommen mit Anja Lechner am Cello, Django Bates am Klavier und Dave Holland am Bass – nie laut, nie wütend, auch nicht bitter – aber oft in seiner Intensität erschütternd – wenn man mich fragt, jetzt schon eins der Alben des Jahres.

Ralf Dorschel, Norddeutscher Rundfunk

The freshly released album Homage by Joe Lovano with the Marcin Wasilewski Trio impresses UK and US media

Joe Lovano, that giant American elder of jazz reeds-playing, nowadays seems – rather like the equally eminent saxophone master Charles Lloyd – to be simmering all his decades of timeless tunes and exquisite passing phrases down to essences. The 72-year-old Ohio-born sax star and occasional drummer’s partners here are Polish pianist Marcin Wasilewski’s collectively freethinking trio – ‘Homage’’s shape was formed on extensive tours with them, and a week in 2023 at New York’s Village Vanguard club that acted as an impromptu rehearsal. […] Wasilewski’s compatriot Zbigniew Seifert’s ‘Love in the Garden’ is reworked as a rapturous tenor-sax ballad with every soft horn outbreath embraced in silvery keyboard streams. Lovano’s ‘Golden Horn’ evokes the iconic four-note hook of John Coltrane’s ‘A Love Supreme’ before his tenor sax eases in on hints and fragments, then sweeps into fast linear post-bop. There’s a driving, McCoy Tyneresque solo from Wasilewski and Lovano switches to hand drums, animatedly joining percussionist Michal Miskiewicz – but there’s an exhilarating surprise when the leader whoops back in on the soprano-sax-like Hungarian tárogató. The title track’s opening short-burst figures turn to unaccompanied and free-collective jamming before an enchanting percussion coda; ‘Giving Thanks’ is a kaleidoscope of figures on unaccompanied tenor sax; and ‘This Side – Catville’, an album highlight, deftly balances a snappy short-phrase melody and rolling free-groove.

John Fordham, The Guardian

Transferring the material from a live setting into the confines of the recording studio, the quartet lost none of their potency or spontaneity and able to recapture the spirit of adventure found in a club performance. If bound by time constraints the four musicians have judged these cuts perfectly, and even when stretching the pieces over the ten mark there is no sense of longueur, no superfluous notes or gestures, just the feeling that the music takes as long as it takes.

Nick Lea, Jazz Views

In a long and illustrious career Joe Lovano has made many remarkable albums. It’s a pleasure to be able to say that we can now add his latest release ‘Homage’ to that formidable list. Together with Marcin Wasilewski Trio, one of ECM’s longest-standing piano-led trios, saxophonist/composer Lovano thrills and delights with a stunning performance that truly rolls back the years. There’s an interconnected spiritual energy throughout this recording, one which brings the best out of the ever-youthful Lovano, supported in no small way by this exceptional trio. […] ‘Homage’ will undoubtedly stand the test of time as a great recording, proving Wasilewski and his trio to be the ideal match for Lovano’s magical musings, the group’s flawless chemistry more apparent than ever before.

Mike Gates, UK Vibe (Five stars)

It is an inviting listen: the poise and gentleness of the opening track ‘Love in the Garden’ are wonderful. ‘Golden Horn’ is an object lesson in the creation of natural conversational flow out of a short motif, and guiding the listener through a whole range of moods. ‘Homage’ is freer, spikier and fun […] Lovano’s solo saxophone musings on ‘Giving Thanks’ are superbly thoughtful, and the sound has been wonderfully caught. I thought they could easily have gone on for longer. Joe Lovano has found the ideal context to play with a remarkable spontaneity and freedom. His ethereally light tread here has come an almost unbelievably long way from the heavy-hitting extraversion of an album like ‘Solid Steps’. But this is a very good place to be. Recommended.

Sebastian Scotney, The Arts Desk

‘Homage’ marks the sophomore recording collaboration between leading American saxophonist Joe Lovano and the exceptionally notable Polish trio led by pianist Marcin Wasilewski—featuring the ultra-melodic Slawomir Kurkiewicz on bass and Michal Miskiewicz on drums. The four have cultivated a formidable sound and easygoing simpatico, layering harmonies and effortless rhythmic pulses that shape their deeply personal storytelling.

Filipe Freitas, Jazz Trail

Reviewers in the UK and Germany recommend the new album Watersong by Savina Yannatou and Primavera en Solonico with Lamia Bedoui

If this is a multicultural exchange of musical ideas and texts, drawing as it does on from sources from the 10th and 15th centuries, its success can be attributed to the work, care and devotion of not just Yannatou but also Kostos Vomvolus who is responsible for arranging the songs and the ensemble Primavera en Saloncio with Savina, and has worked with her on her previous ECM releases. The skill of the arranger and use of traditional instruments such as the oud, nay and zither-like qanaug bring not just an authenticity to the music but also an intriguing blend of sounds to delight the ear. The ensemble has a seemingly inexhaustible array of rhythms, textures and melodic devices at their disposal, and with Savina’s voice create a unique acoustic soundscape in which to present the age old stories inherent in theses traditional world songs.

Nick Lea, Jazz Views

Gemeinsam mit ihrer Instrumentalallianz, der Primavera en Salonico und der tunesischen Sängerin Lamia Bedioui, erkundet sie auf ‘Watersongs’ musikalisch die Jahrhunderte, den Zauber und die Macht, die Erlösung und die Gefahr, die das Wasser auf die Menschheit ausübt. Es sind demütige wie respektvolle Lieder, die auf ‘Watersong’ Eingang gefunden haben. Sie umschreiben die verschiedenen mediterranen Kulturen, dokumentieren die historischen Lebensumstände in einer emotional berührenden Art, beschreiben die Sehnsüchte während langer Trockenperioden und das Glück, das anschließend der erster Niederschlag vermittelt. Letztendlich sind es Tod und Fruchtbarkeit, die hier ihren Ausdruck finden. Savina Yannatou interpretiert Kompositionen aus der Renaissance, süditalienische Klagelieder und korsische Volksmelodien, sie vertont ein Gedicht des arabischen Prinzen Abu Firas al-Hamdani aus dem 10. Jahrhundert und, als Gegensatz hierzu, ein afro-amerikanisches Spiritual. Ihr begleitendes Instrumentalensemble spielt auf der Oud, dem Quanun, der Violine, dem Akkordeon, auf Trommeln, dem Kontrabass und dem Waterphone, einem Hybrid aus Wassertrommel, afrikanischem Lamellophon und einer Nagelgeige. Doch über allen strahlt und berührt die Stimme Savina Yannatou. Ihre respektvolle Ausdruckskraft zeichnet sich durch hingebungsvolle Leidenschaft aus, dabei immer auf der Suche nach einer seelischen Balance zwischen mediterranen Dialekten und Sprachen und einer melancholischen Verletzlichkeit, die dieses Album zu einer der berührendsten Aufnahmen dieses Frühjahrs werden lässt.

Jörg Konrad, Kultkomplott

The album Defiant Life by Vijay Iyer with Wadada Leo Smith is discussed by media in the UK and Switzerland

The trumpeter continues this sustained burst of late-life creativity with a duet meditation on the current human condition with pianist/keyboardist Vijay Iyer. Overall, the music is sober in mood and sombre in tone, though the interplay of Smith’s brassy confidence and Iyer’s nuanced pianistics and electronica adds a sense of resilience. Iyer has been working with Smith on and off for two decades — their previous collaboration, ‘A Cosmic Rhythm with Each Stroke’, was released in 2016 — and though two pieces are preconceived and four are spontaneously co-composed, the freedom and focus of the musicianship makes the distinction impossible to hear. […] . The session, according to Iyer, was conditioned by sorrow and outrage at last year’s cruel world events, and the sonic terrain of ‘Prelude: Survival’ captures that. The broad sweep of ‘Sumud’, Arabic for steadfastness, comes next, an aural confirmation of the musicians’ continuing faith in human possibilities; Iong-sustained electronic drone supported by wisps of trumpet, tinkles of piano and rasps of Fender Rhodes. Later that faith is further underlined by the subtle rhythmic pulse that imbues ‘Elegy: The Pilgrimage’ with warmth.

Mike Hobart, Financial Times

In den weiten Räumen zwischen Wadadas serener Trompete (mal offen, mal mit Dämpfer, vornehmlich in hohen Lagen) und Vijays behutsamsten Keyboard-Klängen (Piano, E-Piano, Electronics) ist viel Stille und viel Resonanzraum für die Fantasie des Zuhörers. Melancholie als Widerstand. Oder umgekehrt. Jedenfalls die andere Seite eines immer ferneren Amerika. Am besten trifft die Haltung ein Titel von Peter Rühmkorf: ‘Bleib erschütterbar, doch wiedersteh.’

Peter Rüedi, Weltwoche

UK, Austrian and German reactions to the album Just by Billy Hart with Ethan Iverson, Mark Turner and Ben Street

Hart’s album is full of beautifully balanced and flexible interplay between four masters: the drummer with Ethan Iverson (piano), Ben Street (bass) and Mark Turner (tenor saxophone).

Richard Williams, The Blue Moment

Die vier Individualisten Mark Turner, Ethan Iverson, Ben Street und Billy Hart sind über die Jahre zusammengewachsen (seit 203 spielen sie gemeinsam). Einflüsse von Coltrane, Monk oder Tristano werden in ‘Just’ zu eigenständigen Stücken geformt. […] Pianist Iverson bringt kammermusikalische Elemente oder einen lockeren, bluesig-souligen Stil (‘South Hampton’) ein. Aber auch freie, abstraktere Töne haben Platz, besonders betont durch Mark Turners Saxophonspiel. Hoffen wir, dass Billy Hart noch lange musikalische Statements liefert.

Arnold Loimer, Concerto

Ähnlich leicht und subtil, wie der 1940 geborene Hart seine Sticks, Filzschlägel und Besen über die Felle und Cymbals seines Sets gleiten lässt, vermitteln auch seine deutlich jüngeren Mitstreiter Mark Turner am Tenorsaxofon, Ethan Iverson am Piano und Ben Street am Bass zwischen den Extremen. Mit einem stillen Glühen findet das Quartett immer wieder die Mitte zwischen rhythmischer Stabilität und freiem Schweben, zwischen Individuum und Kollektiv, zwischen Rückschau und Gegenwartsbewusstsein. Als hervorragende Arbeitsgrundlage dienen die durchweg bemerkenswerten Kompositionen: Etwa ‘Showdown’ und ‘Aviation’, in denen Pianist Iverson Anklänge an Keith Jarretts europäisches Quartett, Thelonious Monk, Ennio Morricone und Die Beatles durchscheinen lässt. Oder Turners ‘Top Of The Middle’, das in weiten Bögen entspannt vor sich hintänzelt. Nicht zu vergessen die Nummern des Bandleaders: Während Hart mit seinen idiosynkratischen Rock- und Latingrooves in ‘Just’ und ‘Naaj’ an seine Zeiten in Herbie Hancocks Mwandishi-Sextett erinnert, erweist sich die Rückkehr zu ‘Layla Joy’ aus seinem 1977 erschienenen Debütalbum als janusköpfiges Kabinettstück. Das Quartett blickt da gleichzeitig rubatohaft-balladesk zurück und mutig nach vorn in eine fordernde Zukunft.

Josef Engels, Rondo

The solo-piano album Skrifum by Jon Balke fascinates German and Austrian reviewers

‘Skrifum’ ist isländisch und bedeutet ‘schreiben’ – was die Arbeitsweise des Norwegers auf dieser Platte gut beschreibt. Mit dem von ihm mitentwickelten elektronischen Audiowerkzeug Spektrafon kann Balke nun den Ausklang des Klaviers während des Spiels direkt beeinflussen. Er isoliert gezielt Frequenzen und hält diese als Akkorde von Obertönen aufrecht. Dieser aktivierte Nachhall wird zu neuem Material für improvisierte Dialoge, die immer wieder für eindrucksvolle Ergebnisse sorgen. […] Das Ergebnis klingt jedes Mal anders. ‘Sparks’ zum Beispiel kommt wie eine Zeitlupen-Erlösung aus einer drohenden Katastrophe daher. ‘Syllabus’ bleibt über die gesamte Dauer fast skizzenhaft auf der Mikroebene. ‘Tegaki’ schafft einen schier unbegrenzten Fantasieraum. Am besten geht das Konzept aber in ‘Ritts’ auf. Hier verlässt Musik die üblichen Schemata und wird zur Kulisse für die eigenen Assoziationen. Das Tempo ist reduziert, die Sounds haben Platz zu wirken. Keine leichte, aber maximal anregende Kost.

Sebastian Meissner, Sounds and Books

Jon Balkes viertes Solo-Klavieralbum klingt wie ein organisches, akustisches Gebilde, obwohl doch einiges an Laborwissenschaft in ihm steckt. In einem faszinierenden und höchst spannenden Schritt entsteht Balkes neueste Solomusik mithilfe des elektronischen Audio-Tools ‘Spektrafon’, einer Live-Bearbeitungssoftware […] Mithilfe dieser Schnittstelle kann Balke die Umgebungsgeräusche des Klaviers  in Echtzeit manipulieren – er extrahiert Frequenzen und  lässt sie als Obertonakkorde, funkelnde Obertonschauer oder unheimliche Drohnengeräusche erklingen. Aktivierter und energetisierter Nachhall wird so zu neuem Materal für improvisierte Interaktion und Dialog, oft mit wunderschönen Ergebnissen.

Achim Doppler, Concerto

The album Renaissance by the Nicolas Masson Quartet is reviewed in an Austrian magazine

Die elf Stücke aus Massons Feder fügen sich wie verschiedenfarbige Puzzleteile zu einem formschönen Gesamtwerk, das ein neues Porträt dieses Quartetts ergibt. Die sich ergebenden Freiräume werden vom Pianisten Colin Vallon, Patrice Moret am Bass und Lionel Friedli am Schlagzeug perfekt genutzt. Besonders Friedli setzt immer wieder bemerkenswerte Akzente mit seinem Spiel.

Christian Bakonyi, Concerto

The vinyl-reissue of Chick Corea’s Piano Improvisations Vol.1 within the Luminessence-series is welcomed by a UK reviewer

One of the great early artistic successes of the ECM catalogue and a foundational text for contemporary solo jazz piano, Chick Corea’s ‘Piano Improvisations Vol 1’ still sounds marvellously ahead of the game. Recorded in 1971 at the Bendiksen Studio in Oslo, and produced by Manfred Eicher, it’s a miracle that it came into being at all, for at the time there was no commercial market for solo jazz piano, and little historical drive to try and create one. […] what remains inescapable is that at this precise time and on this specific session Chick Corea was absolutely inspired. Indeed, he plays like a man possessed, incarnating the very spirit of rhapsodic pianism. A torrent of ideas seems to propel those flying fingers onto the impressed keys of the studio’s Steinway in wave after wave of impassioned creativity. It still sounds shockingly new, this mixture of pure melodic lyricism with some daringly abstract doodling in a classically influenced, occasionally almost Viennese atonal mode, the whole thing tied together with Corea’s signature Latin trills, blues inflections and darting repetitions. […] The new remastering for the Luminessence reissue is a thing of beauty, bringing new clarity to engineer Jan Erik Kongshaug’s already pristine sound. Pair this with the superb debut ‘Return to Forever’ album, and the duo with Gary Burton, ‘Crystal Silence’, both also for ECM, and you have Corea’s best of the best.

Phil Johnson, UK Jazz News