Reviews of the week

The upcoming album The Surrounding Green by the Fred Hersch Trio is welcomed by UK and French media

Pianist Fred Hersch delivers a quietly commanding statement with his latest trio release ‘The Surrounding Green’. Lyrical, refined and steeped in mutual understanding, this is a charming album and a rather nicely focussed journey for Hersch. Drew Gress (bass) and Joey Baron (drums) are longstanding companions of the pianist, each having played with him on and off since the early and late 80s respectively. This however marks their first studio recording as a trio, and their exceptional collective approach, shaped by decades of experience, can be heard and felt throughout the entirety of the recording. The subtle, yet masterful trio interplay heard here is reliant on a deeply honed three-way communication and a refined sense of understatement. There’s a warmth to this recording that for some reason I don’t feel I’ve heard from Hersch before, helping me connect with the music in a way that enlightens my listening. A lightness of touch combined with an obvious connection between the three musicians makes this a very engaging album to listen to.

Mike Gates, UK Vibe

L’art Total Du Trio. (…) Ce premier accord, un arpège ouvert de ré mineur qui résonne comme une incantation céleste. Comme si l’on comprenait que tout ce qui allait suivre relèverait du chef d’œuvre. Bingo. The Surrounding Green, troisième album de Fred Hersch pour le label allemand est un miracle de beauté, d’élégance et d’interplay : ce ‘jouer ensemble’ qui définit le trio contemporain tel que l’a dessiné Bill Evans. En moins de quarante minutes de musique, Hersch, rejoint par ses vieux camarades Drew Gress (contrebasse) et Joey Baron (batterie), offre un aperçu du géant absolu qu’il est: interprète comme compositeur. The Surrounding Green est une nouvelle preuve, s’il en fallait une, que le pianiste s’illustre comme l’un des plus sublimes héritiers de l’art du trio. Ne reste plus qu’à espérer que son arrivée relativement récente chez ECM= étonnamment le premier vrai grand label à le publier, à presque 70 ans lui fasse bénéficier d’un plus large public que celui dont il jouit depuis tant d’années auprès des seuls amateurs de jazz.

Louis Michaud, Jazz News

The new live solo recording New Vienna by Keith Jarrett is hailed by reviewers in the US, Belgium, Austria, Germany and Italy

A previous recording, The Vienna Concert, recorded in 1991 and released in 2000, was also a solo outing by Jarrett, at the Staatsoper. It has been cherished by many listeners as a particularly fine example among the many live appearances by Jarrett that have been documented and released. ‘New Vienna’ is a worthy successor. As is the case with all of Jarrett’s concerts, the pianist incorporates a cornucopia of styles: free jazz, blues and gospel-tinged ballads, various traditional jazz genres, and neo-classicism. ‘Part I’ uses the language of modern jazz as a vehicle for virtuosity, with cascading arpeggios and muscular clusters set alongside thrumming bass register oscillations. There’s also a hint of acknowledgement of Arnold Schoenberg’s early atonal piano pieces, and ‘Part II’ begins like ‘Farben’ from ‘Five Pieces for Orchestra’ before moving towards a blues-based harmonic vocabulary (more about Schoenberg later). Jarrett revels in the spontaneity engendered by juxtaposition, and here modernity and the vernacular, two seeming opposites, are set side by side. Ultimately, the different vocabularies blend and synthetic scales bridge the distance between them. All the while, Jarrett’s playing is detailed, vibrant, and assured. […] For an encore, Jarrett plays a chestnut, Arlen and Harburg’s ‘Somewhere Over the Rainbow,’ in a slow rendition that begins mid-bridge. A song that can become overly sentimental quickly, Jarrett manages it tastefully, wringing the most out of the tune without slipping into the bathetic, using substitute chords and countermelodies to turn the performance into an elaborate valediction. In 2018, Jarrett’s health caused him to retire. One is grateful that excellent recordings were made of his final live appearances, and doubly grateful that he is around to see his eightieth birthday celebrated with this memorable release.

Christian Carey, Sequenza 21

Keith Jarrett est seul et se lance dans une série d’improvisations extraordinaires, en neuf parties d’inégales longueurs. Il tempête, il s’adoucit, il se promène, il s’aventure, il joue avec les références, classiques et jazz, il contrepointe, il installe des climats envoûtants ou des orages soudain inquiétants. Son art de l’improvisation est mystérieux mais talentueux, pregnant, ensorcelant. En fin de recital, il se lance dans ‘Somewhere over the Rainbow’ et c’est tout simplement déchirant.

Jean-Claude Vantroyen, Le Soir

Das ‘New’ im Titel spielt darauf an, dass Jarrett genau 15 Jahre davor schon ein Wien-Konzert eingespielt hatte – allerdings nicht im Musikverein, sondern in der Staatsoper. Rastlos, ja mitunter durchaus ruppig beginnend, folgt auch das ‘neue’ der kontrastiven Dramaturgie von Jarretts Solo-Auftritten. ‘Part II’ setzt auf melancholisch grundierte, schwebende Akkorde, ‘Part III’ auf die perkussive Dynamik des Dialogs von linker und rechter Hand, ‘Part IV’ auf kantable Inbrunst. Und wenn nach groovigem Blues und jubilierender Emphase als Abschluss ‘Somewhere over the Rainbow’ erklingt, bleibt im Goldenen Saal zwar das Feuerzeug in der Hosentasche, aber kein Auge trocken.

Klaus Nüchtern, Falter

Es ist alles der technischen Sache nach bekannt, was ‘New Vienna’ mit seinen Schwesterkonzerten in München, Budapest und Bordeaux verbindet (und zahlreiche andere Konzerte der letzten Jahre nach seiner ‘Auszeit’). Es ist alles schon mal da gewesen – aber eben nie so! ‘New Vienna’ ist das wohl stimmigste Konzert aus der Reihe. Es ist wie bei einem unendlichen Abendrot, voller schöner Momente, die Jarrett aneinanderreiht, deren Phrasen er in aller Souveränität auskostet. Dieser Mensch muss sein Instrument lieben und verzaubert dabei seine Hörer:innen und den Raum, der er mit Klavierklängen füllt. Ihm fallen alle seine musikalischen Lebenserfahrungen so leicht zu, wie es scheint. Da ist Witz, Intelligenz, da ist Versenkung und Zurückhaltung, da ist Ausfahrt und diese aus der musikalischen Barockzeit stammende Verzierungslust (V), die sich verknüpft mit jazzgesättigtem Grundgefühl. Man staunt nur noch und wird bescheiden und klein als Empfänger dieser musikalischen Flaschenpost aus dem Jahr 2016.

Martin Hufner, Neue MusikZeitung

Es wurde auch eine goldene Stunde: schon zum Einstieg viel Energie in wilden atonalen Bahnen, dann mit Inseln der Ruhe, mit sanftem Blues und den Seligkeiten des Gospel. Ein Vermächtnis.

Wolf Ebersberger, Nürnberger Nachrichten

Dalla sostanza melodica imparentata col gospel e che ricorda alcuni tratti compositivi del periodo dell’European Quartet è la Part IX, preludio ideale per il conclusivo standard ‘Somewhere Over The Rainbow’, delicato, tenero, da commuoversi per l’eternità. Un’altra magnifica opera jarrettiana piena di stupore, invenzione, classe, gusto, ispirazione ed entusiasmo. E mi fermo qui.

Ernesto D’angelo, Buscadero

The album Arcanum by Arve Henriksen, Trygve Seim, Anders Jormin and Markku Ounaskari is recommended in an Austrian music magazine

Die ‘nordische Supergroup’ hat ihre Stärken im Improvisieren und extrem sensitiven Interagieren. Schon vor dem Projekt Arcanum spielten Markku Ounaskari (Finnland, dr), Anders Jormin (Schweden, b) und Trygve Seim (Norwegen, sax) in der Band der norwegischen Folksängerin Sinikka Langeland. Aus dieser Phase nahmen die drei Herren viel mit in die Kompositionen von Arcanum. Arve Henriksen (Norwegen, tp) komplettiert das Ensemble.  […] Besonders hervorzuheben ist ‘What Reason Could I Give’, eine Komposition der Jazz-Ikone Ornette Coleman (1930-2015). Mehr als die Hälfte der 16 Titel des Albums wurden vom Kollektiv komponiert. Das erklärt u.a. das enge Gefüge der Band.

Ernst Weiss, Concerto

The album Homage by Joe Lovano with the Marcin Wasilewski Trio garners acclaim in the UK, Germany and Italy

The overall theme of the album is one of thanks – homage to the people that have inspired Lovano, Wasilewski, bassist Sławomir Kurkiewicz and drummer Michal Miskiewicz to be themselves over the years. That freedom to play and explore ideas as they wish comes over strongly in the six tracks performed on ‘Homage’. Five are Lovano compositions, and the opener, ‘Love In The Garden’, by Zbigniew Seifert, finds pianist Wasilewski in especially reflective mood, with some beautifully delicate, bluesy phrasing as he unpacks the song. In addition to playing tenor sax, Lovano also uses gongs and tarogato (a woodwind instrument usually associated with Hungarian folk music) to add interesting textures to the album. It is this experimental free form exploration of ideas that takes this album a step beyond the music Lovano performed with this trio on ‘Arctic Riff’ for ECM in 2020. ‘Homage’ also seems an appropriate sentiment as the Marcin Wasilewski trio celebrated 30 years of performance in 2024. Over three decades, with and without guest artists, the trio has constantly pushed the trio format and continues to do so on this latest recording. Its use of space, delay and layering of sound continues to give its music a unique and compelling appeal.

Michael Tucker, Jazz Journal

Es ist eine von Lovanos sanglichsten Scheiben, den mit dem Marcin Wasilewski Trio steht dem Tenoristen eine Formation zur Verfügung, die schon den großen Tomasz Stanko zu Höhenflügen inspirierte. Auch Lovano wird von ihr getragen, aufgefangen und weitergeleitet, wo immer er sein Horn hinlenkt – stellenweise bis in die überblasene Ekstase.

Gerd Filtgen, Stereo

Mit großer Ruhe und Souveränität gestalten Saxofonist Joe Lovano und das subtile Trio des polnischen Pianisten Marcin Wasilewski über weite Strecken ihr zweites Zusammentreffen in einem Aufnahmestudio. Eher kontemplativ als forsch deuten sie den Klangraum aus, dem einzelnen Detail den Platz gebend, der ihm gebührt. Doch ist in den fünf Lovano-Kompositionen sowie einer Neu-Interpretation von ‘Love in the Garden’ des polnischen Meistergeigers Zbigniew Seifert unter der Oberfläche der lyrischen Introspektion oft eine große Spannkraft spürbar […] Die poetische Konzentration  geht dieser kongenialen Hommage an ECM-Produzent Manfred Eicher nie verloren.

Reinhold Unger, Münchner Merkur

Il disco cala il sipario su ‘Projection’, regno sotterraneo di clangori metallici provenienti da gong (Lovano) e piatti e percussioni (Miskiewicz) che congedano l’ascoltatore consegnandolo a un angosciante (ma anche catartico) senso di epoché. Ulteriore prova della profonda e proteiforme anima del maestro dell’Ohio e dei suoi partner polacchi, dove imprevedibilità, dialogo e ampiezza della gamma espressiva fanno unicum.

Ernesto D’angelo, Buscadero

An Austrian reaction to the album Watersong by Savina Yannatou

Die Magie des Wassers. Die griechische Sängerin Savina Yannatou und ihr Ensemble Primavera en Salonico nähern sich dem Element mit seinen verschiedenen Erscheinungsformen aus unterschiedlichen Richtungen. […]  Wenn Yannatou und Lamia Bedioui zusammen singen, entsteht eine besondere Magie […] Die Lieder stammen aus unterschiedlichen Kulturen und historischen Epochen. Traditionelle Lieder und Renaissancelieder aus verschiedenen Ländern werden miteinander verbunden. So darf ein traditioneles Stück aus Ägypten in eines aus Nordmazedonien übergehen […] Auch ein irisch-gälisches Stück und eine korsische Melodie finden sich im Repertoire, ehe mit einer wunderbaren Interpretation des afro-amerikanischen Spirtuals ‘Wade in the Water’ zum großen Finale angesetzt wird.

Werner Leiss, Concerto

The vinyl-reissue of Pat Metheny’s Bright Size Life within the Luminessence-series is welcomed by a UK reviewer

In his appreciative (and archived) 02/85 review of the guitarist’s compilation ‘Works’ album from the mid-1980s, our editor suggested that ‘Metheny has tended to the impressionistic rather than the guitaristic while he has been with ECM.’ One might also venture that, like his great hero Wes Montgomery, the Metheny of ‘Bright Size Life’ was able to exploit a rare blend of the imperatives of performance and poetry, the scintillating and the storytelling. An indispensable release.

Michael Tucker, Jazz Journal

The vinyl-reissue of Bennie Maupin’s The Jewel in the Lotus within the Luminessence-series is acclaimed in a US magazine

Maupin’s tender flutes and silver-toned soprano are like trails of light arcing over the soulful undulations of deep, ruminative bass and the bustle of whispering percussion. While Herbie Hancock contributes spellbinding piano, it’s the glacial poise and lyrical elegance of Maupin’s compositions and his contemplative presence throughout that steal the show on this meditative and stirring classic recording.

Sid Smith, Prog Magazine