Reviews of the week

The upcoming album El Viejo Caminante by Dino Saluzzi with Jacob Young and José Maria Saluzzi is welcomed by reviewers in Switzerland and Germany

Spaziergang im Abendlicht […] Ein weiteres Mal zeigt sich der Vater des Tango Nuevo als Grenzgänger zwischen Volskmusik, Tango und Jazz. […] Es gibt kein Vorwärtsdrängen auf diesem versonnenen Album, in das man sich lehnen kann wie in einen Schaukelstuhl auf der Porch an einem Sommerabend.

Manfred Papst, NZZ am Sonntag (Five stars)

Die drei erzeugen zusammen ein weiträumiges und zugleich sehr intimes und transparentes, sorgfältig balanciertes Klangbild. Einige der Kompositionen – ‘Tiempos de Ausencias’ etwa oder ‘Buenos Aires 1950’ – kehren zu älteren Zeiten zurück oder sind ehrwürdige Jazz-Standards (‘Someday My Prince Will come’). Alles ist wie aus einem Guss, Gitarren und Bandoneon fügen sich zueinander wie alte Freunde. Dino Saluzzi selbst sieht sich als der alte Wanderer, ‘El Viejo Caminante’. Eine alte Geschichte in feinsinniger und geduldiger Erzählweise.

Hans-Jürgen Linke, Jazzthetik

The new album The Surrounding Green by the Fred Hersch is acclaimed by media in the UK, Austria and Germany

This is quite simply a gorgeous release and everything that you could ask for from a contemporary piano trio, and more. The material is impeccably chosen, one standard, some modern classics and three original compositions by the pianist make for an absorbing and well-rounded set that is immaculately performed. What is immediately apparent is the empathy and sensitivity in which the individual pieces are played. Even the left field choice of Ornette Coleman’s ‘Law Years’ is delicately handled by the trio, given just enough juice to make it swing but not overdoing the energy and dynamics as to disturb the equilibrium of the rest of the programme, or the balance between the three instruments that Hersch is at pains to establish. […] From the outset the music is all about melody and interplay, and this is established and maintained from Fred’s opening composition ‘Plainsong’ and the outstanding title track in which the feeling that the trio convey through the music is an aural delight. […] This is a very intense and intensively felt album that yields an abundance of wonderful music. One can feel the interaction of the trio in every phrase, beat and delicately nuanced dynamics. This really does feel like a major statement from Hersch and colleagues, and hopefully a unit that will be able to grow their music further.

Nick Lea, Jazz News

Dieses Trio ist also von den Biographien der Akteure her eine logische Konstellation, die eigentlich längst überfällig war, was zuallererst in einer unglaublichen Sensibilität für ein wirkungsvolles Zusammenspiel und einer hochgradigen Bereitschaft zur musikalischen Kommunikation spürbar wird. Dies kommt einem vielschichtigen und reichhaltigen Programm zugute, das aus drei Hersch-Kompositionen und vier höchst unterschiedlichen Fremdkompositionen besteht. Herschs Titelgebung ‘Plainsong’ verweist auf gregorianischen Gesang, und tatsächlich entführt der mit einem längeren lyrischen Piano-Solo eingeleitete Opener und die anschließende, in höchster Feinarbeit ausgeführte rhythmische Grundierung und Umrahmung der zeitlosen Melodie in himmlische Gefilde. […] Herschs melodische Stärke und emotionale Gestaltungskraft kommen im farbenreichen Titelstück ‘The Surrounding Green’ zu tragen, während das Trio mit dem latin-haft bes(ch)wingten, aber von den Harmonien her auch etwas wehmütigen ‘Anticipation’ in die Welt der Saudade entführt. […] Auch Egberto Gismontis in unterschiedlichsten Formationen aufgenommener Klassiker ‘Palhaço’ dient dem hochkarätigen Dreier nun als wundervolles Vehikel zur Zelebration der hohen Kunst des ausgefeilten Trio-Spieles. Farbenreich, lebendig, mit nahezu hymnischen Akzenten. […] Man kann natürlich der Meinung sein, in Sachen Piano-Trio sei schon alles gesagt. Aber hier bündeln drei exzellente Musiker, Komponisten und Bandleader völlig uneitel und unaufgeregt ihr Können und schaffen ganz Großes – und wenn Schönheit weh täte, müsste man ganz laut schreien.

Peter Füssl, Zeitschrift für Kultur und Gesellschaft

Warum eine Jazzband mit Klavier, Kontrabass und Schlagzeug als klassisch gilt, wird selten so klar, wie in dem Trio von Fred Hersch. Die Spielhaltung ist geprägt von Klarheit, vornehmer Zurückhaltung und zuweilen tänzerischer Leichtigkeit. Pianist Fred Hersch, Bassist Drew Gress und Schlagzeuger Joey Baron spielen seit den 80er Jahren in verschiedenen Kontexten zusammen, aber erst jetzt kommt es zu einer gemeinsamen Einspielung. Und die ist geprägt von lässiger Selbstverständlichkeit und feiner Akuratesse. ‘The Surrounding Green’ ist ein tolles Album in bester Klaviertrio-Manier.

Jan Tengeler, Deutschlandfunk Kultur

The live solo-recording New Vienna by Keith Jarrett thrills US and German reviewers

In 1992, when an earlier Jarrett album was recorded in Vienna’s famous Musikverein, the maverick pianist brought his audiences along on extended journeys from relative accessibility toward something like its polar opposite. Freedom resided deep in a series of adjacent communal pasts channeled through a performer of singular energy and creativity. In Jarrett’s pianism, nothing is quite as the coalescence of surface and symbol might suggest. The merging of listener and performer context breeds the experiential conglomerations forged in the smithy of Jarrett’s cosmopolitan musical language, rife with episodic unity channeled through an astonishing and overwhelming energy. In 2016, on his final solo concert tour, the vignette qualities so prevalent in those long excursions had been foregrounded, but the underlying allusive elements comprising them remained distilled. The appropriately named New Vienna harnesses, in a suite of miniatures, the vitality and experience that transform the best solo Jarrett performances into the expansive micro historical narratives they are. Yet, we are taken far beyond the formidable solo discography as Jarrett’s entire approach to his musical endeavors is capsulized. […] At the heart of everything he plays, from whatever mode or expressive landscape Jarrett channels those streams of ideas in flux. There’s a directness, a palpable desire to communicate and engage. Tristano used to say of Powell that when he hits a note, he goes right to the bottom of the keyboard, a sentiment applicable to every note Jarrett plays in this beautifully recorded concert. It now takes its place not only alongside the other 2016 recordings ECM has released but in a discography of solo performances unlike any others I’ve ever heard. It encapsulates the freedom of expression underlying every phase of Jarrett’s extraordinary journey, from the secular to the sacred and back again, a perfect way to celebrate with him.

Marc Medwin, Dusted Magazine

Like the Budapest, Bordeaux, and Munich concerts before it, this 2016 solo piano offering is a classic example of tension and release. Opening with a burst of atonal activity on the keyboard, as if to shake out his hands and cleanse the palette, Jarrett eventually settles into the kind of beautifully delicate, probing melodies that have been his stock-in-trade since his gorgeous 1972 ECM debut, ‘Facing You’. And like the aforementioned concerts – also recorded in 2016, two years before the two strokes left him paralyzed on is left side – he closes on a poignant note with a sublime reading of ‘Somewhere Over The Rainbow’ […] His signature bluesy stride playing on the jaunty ‘Part VIII’ receives the most exuberant applause of the set. But it’s his gentle rendition of ‘The Wizard of OZ’ theme that wins the most smiles.

Bill Milkowski, The Absolute Sound

Wohl nie zuvor in seiner Karriere waren Jarretts Improvisationen stilistisch so vielfältig und mutig wie 2016. Und in jedem Konzert, in jedem Stück, das er damals spielte, hat er quasi einen neuen musikalischen Kosmos entworfen […] in jedem Stück scheint Jarrett aus einem ersten Akkord, einem ersten Tastenlauf ein von Grund auf neues Musikwerk zu entwickeln – mit einer vielstimmigen, vieldimensionalen Fantasie, einer Spontaneität und Virtuosität, die ans Übermenschliche grenzen. In Wien waren es neun Improvisationen. Schon die erste ist eine Offenbarung: ein freier, explosiver Ausbruch in spontaner, kontrapunktisch konzipierter Harmonik und unfassbar schnellen Tonfolgen, und das zehn Minuten lang! Als Gegenstück zu dieser extremen  Verdichtungsorgie  folgt dann im zweiten Stück luftige pausenerfüllte Reduktion. Es gibt auch eine Rhythmus-Impro à la ‘Köln Concert’ (Part III), einen abstrakt-atonalen Exkurs (Part VI), ein Eintauchen in Blues-, Gospel- und Country-Anklänge (Part VIII und IX). Als Zugabe dann einen Jazzstandard: ‘Somewhere Over The Rainbow’. So wie eine Woche später in München. Und doch eben wieder ganz anders.

Hans-Jürgen Schaal, Jazzthetik

A German radio reviewer on the album Watersong by Savina Yannatou

Auf ihren vielen Alben nähert sie sich auf ihre charakteristische, zugleich zärtliche und avantgardistische Weise der Musik verschiedener Zeiten und Kulturen. Beim Münchner Label ECM ist vor einigen Wochen ihr fünftes Album erschienen. Es heißt ‘Watersong’ und gemeinsam mit dem sechsköpfigen Ensemble ‘Primavera en Salonico’ widmet sie sich hier den vielen Spielarten des Wassers: als langersehnte Bereicherung oder gefürchtete Bedrohung, lebensspendend oder todbringend. Die vierzehn Titel springen dabei von Irland zum Irak, von Korsika nach Kalabrien, von Spanien nach Griechenland. Traditionelle Instrumente wie die Quanun-Zither, die Oud-Laute oder Ney-Flöte begleiten ihre berührende Stimme, aber auch Violine, Kontrabass und Percussion. […] Vierzehn Lieder durch viele Jahrhunderte und Himmelsrichtungen vereint dieses Album von ECM, jedes auf seine eigene Weise verdichtet, bezwingend und fesselnd. In arabischer Sprache gesungen oder auf Griechisch, Italienisch, Spanisch und Englisch. Von der Gedichtvertonung eines Araber-Prinzen aus dem 10. Jahrhundert bis zum afroamerikanischen Spiritual. Beseelt und wehmütig, überraschend und kühn in all seinen stilistischen Brüchen. Eine inspirierende Entdeckung für mich!

Susanne Schmerda, Bayerischer Rundfunk

The vinyl-reissue of Bennie Maupin’s The Jewel in the Lotus within the Luminessence-series is hailed by UK, US and German reviewers

An adventure in free expression reflecting  Maupin’s Buddhist faith. Now reissued in ECM’s impeccable Luminessence vinyl series, the album is best described as a questing spiritual jazz masterpiece defined by avant-garde topography. Maupin’s collaborators  include Herbie Hancock,  bassist Buster Williams, drummer Billy Hart, and percussionist Bill Summers, who conjure immersive soundscapes that both ignite and still the imagination.

Charles Waring, Record Collector

More about exploratory sound worlds than memorable tunes, ‘The Jewel in the Lotus’ is an album very much of its time. It is an extension of Maupin’s work with Hancock and Davis, but due to the interesting mix of players, it is successful on its own terms and is very vividly recorded.

Joshua Weiner, All About Jazz

Auf ‘The Jewel In The Lotus’ hören wir freien Spiritual Jazz. Obwohl es nie ein kommerzieller Hit war, hat sich das Album über die Jahre einen Kultstatus erarbeitet und wird oft als verkanntes Juwel der 1970er-Jahre angesehen. ‘The Jewel In The Lotus’ besticht durch seine meditative, fast spirituelle Atmosphäre, die sich durch das gesamte Album zieht. Statt auf Virtuosität setzt Bennie Maupin auf klangliche Tiefe und Ruhe – es entstehen sphärisch dichte Klanglandschaften, die eher kontemplativ als energetisch wirken. Die Kompositionen folgen keinen konventionellen Jazzstrukturen, sondern entfalten sich langsam und organisch, wobei Maupin gezielt mit Stille, Raum und Textur arbeitet. Seine Instrumentierung – vor allem durch Bassklarinette, Flöten und Saxophone – verleiht der Musik eine außergewöhnliche, so nur hier zu findende Klangfarbe, die von dezent eingesetzten elektronischen Effekten unterstützt wird. Hinzu kommen ostasiatische Einflüsse, die sich sowohl im Albumtitel – einer Anspielung auf das buddhistische Mantra ‘Om Mani Padme Hum’ aus dem 5. Jahrhundert – als auch in der musikalischen Ästhetik widerspiegeln: pentatonische Skalen, offene Formen und ein freier Umgang mit Zeit und Rhythmus lassen das Album fast wie eine musikalische Meditation erscheinen. Erstaunlich ist, wie frisch und neu diese Musik auch 50 Jahre nach ihrer Erstveröffentlichung noch klingt. […] . Mehr als nur eine Empfehlung.

Sebastian Meißner, Sounds and Books

A Belgian reaction to the album Homage by Joe Lovano with the Marci Wasilewski Trio

‘Homage’ nous conquiert définitivement, et les trente-neuf minutes de cet enregistrement nous siéent parfaitement tant le propos est à la fois dense et introspectif. […] On a le sentiment permanent d’un marriage entre rugosité et velouté du son, entre richesse mélodique et recherche harmonique, sans jamais briser le charme d’une musique qui vous envoûte. Une grande réussite.

Jean-Pierre Goffin, Jazz Mania