Reviews of the week

The freshly released album El Viejo Caminante by Dino Saluzzi with Jacob Young and José Maria Saluzzi enchants UK and German reviewers

A lot of this album is 5 star (second thoughts: it’s all 5-star) and it is beyond any one genre of course perfectly jazz aligned but also redolent of chamber music moods and rituals but also soaked in song and the traditions of the Great American Songbook. But nobody needs to be a stickler about the shelves this fine music belongs on, so choose randomly where you want to squirrel it away in your listening den.

Stephen Graham, Marlbank (Five stars)

Ein Bandoneon, von zwölf Gitarrensaiten umgarnt – das erweist sich als sehr organisches und unerschöpfliches Triokonzept: Nach Herzenslust werden hier Tempi verschleppt und da wieder aufgeholt, werden Themen und Motive zerpflückt und in bestechenden Unisonopassagen frisch durchbuchstabiert. Saluzzis eigene Kompositionen bieten sogar eine kleine Werkschau: ‘Buenos Aires 1950’ blendet in seinen Karrierestart beim Symphonieorchester von Radio El Mundo zurück, ‘Tiempos de ausencias’ und ‘Y amo a su hermano’ gehören schon ewig zu seinem Repertoire, und den titelgebenden, solo eingespielten ‘Wandersmann’ darf man inzwischen als verschmitztes Selbstporträt verstehen. Zeitlos schön aber auch ‘Someday My Prince Will Come’ und ‘My One and Only Love’, die sich erst mittendrin und eher beiläufig als Jazz-Preziosen zu erkennen geben. Hat man übrigens jemals so streichelzarte Töne aus einer Fender Telecaster vernommen, wie sie Jacob Young hier dann und wann als Antwort auf eine Frage vom Bandoneon formuliert? Um dann aber gleich in eine geschmeidige Abercrombie-Phrase abzubiegen und den jungen Saluzzi zu einem klassischen Konter auf den Darmsaiten herauszufordern. Von Dino Saluzzis Höhenflügen auf dem Bandoneon kann man sich ohnehin weit über das Tangohoheitsgebiet hinaustragen lassen. Wenn sich beim Maestro hier überhaupt eine Alterserscheinung bemerkbar macht, dann ist es dieses Höchstmaß an künstlerischer Autarkie. Er ist und bleibt ein Solitär auf dem Bandoneon und ein Souverän der kreativen Gestaltungsfreiheit. So geht es dahin auf diesem Album, mit einem Klangfarbenreichtum sondergleichen und weit über eine Stunde lang. Falls es Geschenke des Himmels überhaupt gibt – ‘El Viejo Caminante’ könnte eins sein.

Andreas Schäfler, Junge Welt

The new album The Surrounding Green by the Fred Hersch Trio excites US and German reviewers

Fred Hersch, one of the great modern jazz pianists, returns with his third ECM album – and it is stunning. A combination of originals and interpretations of standards and lesser-known classics, the recording already stands out as one of this year’s stronger releases and could wind up as one of the standouts of Hersch’s long, storied career. Produced by legendary ECM founder Manfred Eicher, the album elicits  a complex emotional response: pleasure derived from its pure beauty, yet with a haunting undercurrent – in a sense the sonic equivalent of finding beauty and joyfulness in an overcast sky.

Andrew Schnider, New York City Jazz Record

The six albums between 2017’s ‘Live in Europe’ (with bassist John Hébert and drummer Eric McPherson) and his latest (with Drew Gress and Joey Baron) have been an eclectic bunch—solos, duets, a string quartet, and a big band—which may explain why ‘The Surrounding Green’, his third album on ECM, is his most high-spirited in a while: a return to form, in several senses.  As with many of his albums, this one is a mix of standards and originals, though, where Hersch usually devotes one track to a piece by Monk, here he covers Ornette Coleman (‘Law Years’) and Charlie Haden (‘First Song’), in any case all with his distinctive blend of lyricism and quiet virtuosity. […] It’s a meditative, joyous album. Now for the bonus: the sound quality is extraordinary. The piano, a Steinway D, is warm and detailed; you hear the percussiveness of the keys, the bouquet of overtones, and the pedals’ resonances. The bass is properly plucky and wood. And the drumkit! On many piano-trio albums, the drums sound a bit paper-y (perhaps due to phase-cancellation brought on by too many mics); not on this one. The cymbals shimmer, the snare snaps, the tom-toms rumble. And there’s plenty of air around and between all the musicians. The session was recorded at Auditorio Stelio Molo in Lugano, Switzerland, a gorgeous space with a lot of luscious wood (judging from online photos). Hersch tells me that the trio played together on the stage, in the same space—no isolation booths or head phones. You can hear the difference.

Fred Kaplan, Tracking Angle

Egal was Fred Hersch spielt, das Besondere ist immer, dass man bei ihm das Gefühl hat, die Musik entstehe in keinem Elfenbeinturm. Trotz aller perspektivischen Eleganz und konstruktiver Raffinesse, nie klingt er egozentrisch und nie vermittelt er auch nur den Hauch einer irgendwie gearteten elitären Haltung. Stattdessen ist immer eine aufrichtige Sensibilität zu spüren, auch eine Freude am Spiel und eine gewisse Empathie gegenüber den Hörern. Trotzdem er nie den Eindruck vermittelt, für ein Publikum zu spielen. Er scheint als Pianist völlig bei sich zu sein, folgt den eigenen Gedanken, sucht und findet immer Möglichkeiten des lyrischen Ausdrucks. Er ist als Romantiker, ein melodietrunkener Geschichtenerzähler, aus dem die Erfahrung der Jazzgeschichte quillt. Aufgrund seiner Offenheit gegenüber seinen Begleitern entsteht auf ‘The Surrounding Green’ ein beeindruckender Austausch an Fantasien, Wendungen, auch Zitaten und mutigen Versuchungen. Es scheint eine verlässliche Vertrautheit die Beziehungen untereinander auf ganzer Ebene zu bestimmen, die ebenso Mut macht, wie beiläufig stilistische Positionen aufbricht. ‘Joey ist ein solches Genie in Sachen Dynamik’, sagt Hersch, ‘dass es für uns überhaupt kein Problem war, uns im Auditorio gegenseitig zu hören. Und die Art, wie Drew spielt, zum Beispiel bei ‘Plainsong’ und ‘The Surrounding Green’, da ist soviel Vertrauen darin, wie wir uns durch die Harmonien bewegen, wo wir innehalten und wo wir weitergehen. Ich habe das Gefühl, dass man auf dieser Platte wirklich unsere gemeinsame Geschichte hört!’ Dem ist nichts hinzuzufügen.

Jörg Konrad, Kultkomplott

Wie differenziert Fred Hersch dem Flügel die Töne entlockt. Und wie melodiös. Jede Bewegung unterteilt er in leise und kräftige Töne, lässt den Ausdruck anschwellen und zurückfallen, nimmt die Dynamik mindestens so Ernst wie die Melodieführung. Und dann noch Drew Gress und Joey Baron! Sie spielen auf Kontrabass und Schlagzeug ähnlich nuancenreich in den sieben Titeln. Das hört sich einfach und selbstverständlich an und zeugt in den Kompositionen von Hersch und vier Coverversionen von Konzentration und Können – eine herrlich entspannte Atmosphäre ist die Folge.

Werner Stiefele, Audio+Stereoplay

The live solo-recording New Vienna by Keith Jarrett is reviewed in a German music magazine

Der Pianist ist ein unerschöpflicher Born an musikalischen Einfällen. Er improvisiert aus dem Moment heraus und umarmt dabei die Ewigkeit. Jedes seiner Alben ist ein Kapitel einer niemals endenwollenden Erzählung, die weiterhallt und sich mit allen vorherigen und noch folgenden Kapiteln vereint. ‘New Vienna’ wurde 2016 in Wien aufgenommen, doch der Zeitpunkt ist völlig unerheblich, da besagte Erzählung keine Chronologie kennt. Man kann sich voller Vertrauen dem Flow von Jarretts Inventionen hingeben, denn es gibt stets einen Ort, an dem man ankommt. Auf ‘New Vienna’ erscheint es anfangs, als würde er eine Liaison  des Impetus großer russischer Konzertpianisten aus der Vergangenheit mit einer aus dem Stride Piano abstrahierten Spielweise des Jazz suchen. Dann zieht er doch wieder ganz eigenen Kreise, und am Ende bleibt nur eine Kategorie: Keith Jarrett.

Wolf Kampmann, Eclipsed

The album Æris with works by Erkki-Sven Tüür is welcomed by reviewers in the UK, Switzerland and Germany

Erkki-Sven Tüür has long been acknowledged as one of today’s most significant orchestral composers. With a trademark combination of primordial, surging energy, explosive drama and filigree organic detail, the Estonian’s writing finds a natural home in large-scale novelistic forms such as the symphony and concerto. The Symphony No.10, ‘Æris’ (2021) combines the two – not for the first time in his output – to molten effect. […] Conductor Olari Elts expertly steers an excellent Estonian  National Symphony Orchestra in cycles of constant  development and renewal, the rich, dense textures at once driven and spacious as, Tüür notes, the horn ’motifs spread into the orchestra like memes that start changing and gradually take on lives of their own.’

Steph Power, BBC Music Magazine

Von den baltischen Komponistinnen und Komponisten, die in den vergangenen Jahrzehnten eine solch große Bedeutung bei uns erhalten haben, schreibt er die schroffeste, wildeste, unnahbarste Musik […] Wobei unnahbar nicht kalt und emotionslos bedeutet, im Gegenteil: Aber ihre Klangmassen sind dicht und  oft hoch, weit ausgesteckt, nicht sofort fassbar, energetisch, jäh, äusserst detailversessen, ungeglättet, tendenziell überwältigend. Wenn so jemand ein ‘De Profundis’ komponiert, steigt die Musik tatsächlich aus der Tiefe auf, erhebt sich, bäumt sich auf. […] Dunkler Hörnerklang dominiert, etwa auch in der 10. Sinfonie mit dem Titel ‘Æris’, in deren Zentrum ein Hornquartett steht. Auch diese Musik hat, wie viele baltische Musik, einen spirituellen Hintergrund, sie versucht, etwas zu übersteigern, in ein Unnennbares hinauf. Und dabei ertsteht aus aller Schwere heraus doch auch Schönheit.

Thomas Meyer, Jazz’n’more

Sinfonien sind heute nicht eben häufig. Trotzdem besteht der estnische Komponist Erkki-Sven Tüür auf mehrsätzigen Orchesterwerken. ‘Æeris’, seine 10. Sinfonie, erzählt von der Welt- und Menschwerdung, präsentiert stehende Klangballungen, die in fein ausorchestrierte stille Momente auslaufen und wieder aus ihnen hervorbrechen. Dirigent Olari Elts, das Estonian National Symphony Orchestra und ein Horn Quartett fühlen sich in die Musik ein. Tüür, der sich in seiner Heimat von Naturphänomenen – das anbrandende Meer, das Rauschen des Windes – anregen lässt, hat deren ständige Metamorphosen einmal mehr in seine Musik hinübergerettet.

Tilman Urbach, Stereo

A Swiss music magazine on the album Watersong by Savina Yannatou

Die einnehmenden Stimmen von Yannatou und Lamia Bedioui harmonieren aufs  Wundervollste und  offenbaren eine hohe linguistische Virtuosität, denn die Lieder stammen aus sehr unterschiedlichen kuturellen Regionen  – Ägypten, Griechenland und sogar Korsika!  Das Ensemble Primavera En Salonico begleitet sehr einfühlsam, immer die jeweilige musikalische Tradition respektierend ud gleichzeitig mit großer Zurückhaltung einen Touch freier Improvisation oder mitreissender Rhythmik einflechtend. Auf diese Weise klingt das Album wie eine Art religiöse Zeremonie mit Inkantationen, erzählten Geschichten und Trance-ähnlichen Momenten. Musik, die die verborgenen Verbindungen zwischen den verschiedensten Praktiken hervorhebt – im Gegensatz zu manch diskordanten Strömungen heutiger Zeiten.

Florestan Berset, Jazz’n’More

A UK reaction to Arcanum by Arve Henriksen, Trygve Seim, Anders Jormin and Markku Ounaskari

Here are four leading players at the height of their powers, taking memories of Ornette Coleman’s quartet as a starting point from which to develop conversations of great beauty and originality. […] sounds to me like a future classic.

Richard Williams, The Blue Moment

The vinyl-reissue of Bennie Maupin’s The Jewel in the Lotus within the Luminessence-series

It’s a cohesive, ritualistic, ensemble-oriented suite, telling the story with folk dialects sourced from West Africa, Asia and vernacular Afro-America. Strong solos by Hancock and Maupin emerge from the flow but don’t dominate it. Billy Hart and Freddie Waits (who has an extended marimba passage) operate synchronously throughout in conjunction with Bill Summers’ percussive colouring, while Buster Williams triangulates all members with characteristic authority.

Ted Panken, Downbeat

A German reviewer on the album Homage by Joe Lovano with the Marci Wasilewski Trio

Joe Lovano befindet sich offenbar in einem goldenen Herbst. Der US-amerikanische Saxofonist zaubert seit einigen Jahren ein musikalisches Schmuckstück nach dem anderen aus dem Hut, ob mit seinem Trio Tapestry oder in anderen Formationen. Auch seine zweite Platte mit dem polnischen Trio um den Pianisten Marcin Wasilewski ist erfüllt von improvisatorischer Inspiration, aus dem Moment heraus geboren – wird aber Zeiten überdauern. ‘Homage’ heißt dieses Album. Es könnte auch gut ‘Meditation’ heißen, denn was dieses Quartett hier bietet, wirkt wie Klanggoldschmiedekunst, bei der jeder noch so kleinen Nuance in Zusammenspiel und Farbgebung große Bedeutung zukommt. Die bewährte ECM-Klangästhetik transportiert feinste Klangschattierungen, die zu Joe Lovanos subtiler Ausdruckskunst gehören, wunderbar transparent und fein abgestuft an den Hörer.

Tobias Pfleger, Fairaudio

More international reactions to the album After The Last Sky by Anouar Brahem with Django Bates, Dave Holland and Anja Lechner

The repertoire highlights Brahem’s lyrical compositional style and his evolving interest in combining ancient modal systems with contemporary harmonic textures. ‘The Eternal Olive Tree’ captures the intimate chemistry between Brahem and Holland, a partnership dating back to the album ‘Thimar’ (1998). On the other hand, tracks like ‘Endless Wandering’ and ‘Dancing Under the Meteorites’ exemplify the ensemble’s dynamic range, with Holland’s bass often catalyzing Brahem’s most expressive, virtuosic playing. Anja Lechner’s cello bookends the album, beginning with the elegiac ‘Remembering Hind’ and closing with ‘Vague,’ a recurring Brahem piece heard here in a quietly graceful rendition. Her improvisational fluency and longstanding familiarity with Brahem’s work (including collaborations with pianist François Couturier) make her a prominent and responsive voice throughout. Django Bates, reprising his role from ‘Blue Maqams’, provides understated yet essential support. His restrained presence reinforces the album’s sense of flow, culminating in a spirited solo on ‘Awake’ that balances delicacy and invention.

Angel Romero, World Music Central

Taking its title from a book by the late Edward Said, this album, too, is driven by reflections on the suffering, recent and historic, of the people of Gaza, as outlined in Adam Shatz’s fine sleeve essay. Unfolding with patience and elegance, metabolising elements from Arabic maqam, jazz and European classical music, these quartet pieces ache with grief.

Richard Williams, The Blue Moment

A UK reviewer on the vinyl-reissue of Chick Corea’s Piano Improvisations Vol. 1 within the Luminessence series

The creative ideas that Corea presents in these improvised sketches follow one another in a convincing and logical manner but nonetheless can also often switch direction abruptly, allowing an unpredictable, engaging and certainly an exciting listen for the audience. […] At the time of release back in 1971, this was overshadowed by a decade that saw jazz sweep into the mainstream market with a focus on electronics; Corea had already been working with Miles Davis on his early fusion projects and as part of his live setups. Corea said ‘This was a new way for me to create at the time. It was very invigorating and a healthy challenge. Playing solo is the most personal and intimate a musical communication can be.’ […] It’s somewhat been overshadowed by Jarrett’s series of solo albums but there’s no questioning how influential this album was at the time. It’s widely regarded as the first solo piano album of the modern era.

Tom Fletcher, Jazz Journal