Reviews of the week

A UK reaction to the new album Sun Triptych with works by Dobrinka Tabakova

Composer Dobrinka Tabakova describes the magical world from which the two works for string orchestra here – ‘Sun Triptych’ (2007-9) and ‘Fantasy Homage to Schubert’ (2013) – as ‘very nebulous and still’. The outer movements of ‘Sun Triptych’ in particular have a wonderful sheen. The composer has a fascination for long, sustained, almost tantric phrases which is completely irresistible. She has said that she likes writing for strings because the limitations of breath don’t get in the way, that lines can be sustained. She achieves it brilliantly – what we hear is self-evidently so much more than an ‘effect’ but rather the result years of consistent and concentrated effort, refinement and distillation.  The aesthetic here is to let music find its pace, to allow it to emerge from silence and then retreat back into it – try the gorgeous ending of ‘Dusk’ from the triptych. All of this also feels like common ground for Dobrinka Tabakova and producer Manfred Eicher, indeed between them there would appear to be something admirably counter-cultural going on […] Despite the long interval between them, ‘Sun Triptych’ is the impressive sequel to ‘String Paths’ (2013), and there are all kinds of clear threads and connections to link the two albums.  The vivid presence of folk modes (here particularly in ‘Spinning a Yarn’) and church modes (in ‘Organum Light’) are just as much a part of Tabakova’s musical language as much as the harmonic alchemy – and what she calls ‘the sincerity and purity, the honesty’ of Schubert. Another common thread is the presence of very fine string players who were members of the composer’s Guildhall cohort: Latvian-born cellist Kristina Blaumane and violist Maxim Rysanov, originally from the Donbas. Rysanov is the totally convincing dedicatee of the ‘Suite in Jazz Style’ which is remarkable for the creation of a very different vibe, flow and mood for each of its three contrasting movements.

Sebastian Scotney, The Arts Desk

The new trio recording Tokyo by Wolfgang Muthspiel, Scott Colley and Brian Blade fascinates reviewers in the UK, US, Germany and Austria

This is the third album from Muthspiel’s tightly knit trio and gives a perfect indication of the progress of what is arguably one of the most integrated units in jazz. With ‘Tokyo’ the group show how far they have come, while still retaining the spontaneity of their initial meeting and covering a wide range of material that acknowledges the source yet having the unmistakeable stamp of the collective written all over it. […] The dynamic and textural aspect of the music is wide ranging, with all three musicians seemingly taking on multiple roles within the ensemble. Muthspiel’s command of both acoustic and electric guitars and how he chooses to deploy them at any one time is a joy to listen to. This is a music and group that thrives on melody but delights in confounding expectation by lulling the listener into thinking the tune is going one way before disturbing the melodic or rhythmic flow to take the composition to another space. In doing so there are many delights along the way, and one hears new things every time one sits down to listen to this wonderful recording.

Nick Lea, Jazz Views

As was the case with the trio’s previous two recordings, their music weaves through the warp and woof of jazz, classical and folk music without recognizing any seams or boundaries. The thing that keeps me coming back to this disc in the end is the way it’s always moving forward, even when it’s reveling in the moment. Once again Muthspiel explores the varied sonorities of acoustic and electric guitars, even both on at least one of these compositions, via looping or multi-tracking. This trio has been recording on ECM for five years now and touring together at least as long, throughout Europe, the U.S., and Japan. These are players who are individually at the peak of their powers and as an ensemble they’re a marvel of intuitive interplay. […] Eight of the 10 tracks are Muthspiel originals, bookended by Keith Jarret’s jaunty ‘Lisbon Stomp,’ the most straightforward jazz composition and rendition on the album; and the closer ‘Abacus’ by the later drummer and composer Paul Motian, which like many of Motian’s works swings between straight jazz and experimental at the drop of a hat. ‘Tokyo’ is going to keep me busy exploring its various moods and virtuosic performances for a long time to come. And it’s also a reminder to delve back into this trio’s earlier works.

Gary Whitehouse, A Greenman Review

Wo andere Gitarristen die Saiten ihres Instruments anreißen oder zupfen, scheint Wolfgang Muthspiel sanft über das Griffbrett zu gleiten. In Verbindung mit seinem glasklaren Ton verleiht das seiner Musik oft etwas Schwebendes, Schwereloses. Das gilt nicht nur für die kammerjazzigen Balladen, sondern selbst dann wenn sich Muthspiel, Kontrabassist Scott Colley und Schlagzeuger Brian Blade über ein lebhaftes Thema von Keith Jarrett (‘Lisbon Stomp’) hermachen oder, wie im kurzen ‘Roll’, ein dezenter Rock-Einfluss ins Spiel kommt. Gelegentlich klingt auch Folkiges an, besonders wenn Muthspiel zur akustischen Gitarre wechselt. So entsteht auf diesem nach seinem Aufnahmeort benannten Album über zehn Stücke, acht davon aus Muthspiels Feder, ein unprätentiös jazziger Flow, mal lyrischer, mal animierter – für Gitarrenliebhaber allemal ein Schmankerl.

Reinhold Unger, Münchner Merkur

Das Album eröffnet mit Keith Jarretts ‘Lisbon Stomp’ – ein fröhlicher, im besten Sinn spielerischer Auftakt. Am Ende steht Paul Motians ‘Abacus’, rauer und kantiger, als stilles Ausrufezeichen und zugleich Brücke zu Muthspiels eigenen Erinnerungen an die Zusammenarbeit mit dem legendären Schlagzeuger. Dazwischen entfaltet sich eine Palette von Stücken, die Muthspiel als Komponist in Hochform zeigen.

Karl Gedlicka, Concerto

The album Tramonto by the John Taylor Trio garners raving reviews in the UK, Germany and Italy

Anyone who knows this trio’s work from the ECM alum ‘Rosslyn’, recorded in Norway a few months later, will know that there was a band worth hearing […] Here Marc Johnson’s extended ‘Tramonto’ opening section draws us ineluctably towards the piano’s entry, and you can feel the atmosphere in the hall as the musicians draw the audience. How great to have such a fine live recording to complement the studio version. […]  A rediscovered jewel.

Alyn Shipton, Jazzwise

Ein Meilenstein im Jazz.

Marlene Küster, Südwestrundfunk

Mit seinen ihrerseits vor Spiellaune sprühenden Trio-Kollegen Marc Johnson (Bass) und Joey Baron (Schlagzeug) entfaltet er eine große dynamische Bandbreite, in der zwar auch immer wieder seine hohe Sensibilität durchscheint,  die aber ebenso quirligen Drive  entwickelt bis hin zu beinahe freien Passagen. John Taylors Hang zur romantischen Melodik steht ein Sinn für ambivalente, offene Harmonik gegenüber und der Wille zu einem expliziten rhythmischen Momentum. So konnte bei diesem Konzert vor 23 Jahren in Birmingham ein Dokument der zeitlosen Jazz-Moderne entstehen. […] Hervorragend.

Reinhold Unger, Münchner Merkur

Sein hier zu hörendes Trio mit Johnson und Baron, das einige Monate später in Oslo das gefeierte ECM-Studioalbum ‘Rosslyn’ aufnehmen sollte, besticht durch sein intensives Interplay. Mitunter denkt man beim Hören an Bill Evans, dann wieder an Herbie Hancock oder Brad Mehldau. Vor allem aber denkt man an Taylor selbst, der sich leichtfüßig zwischen impressionistischer Melodik, Bebop-Phrasen und freiem Spiel bewegt. […] Wer diesen Mitschnitt hört, kann indes nur hoffen, dass sich in den ECM-Archiven noch mehr solcher Trio-Schätze finden.

Manfred Papst, Jazzpodium

Diese bisher unveröffentlichten Live-Aufnahmen mit Bassist Marc Johnson und Schlagzeuger Joey Baron aus dem Jahr 2002 zeigen, dass etwa im Titelsong, nach einem Bass-Cantus als Intro, intensive Pastellklänge atmosphärische Imaginationen prägen. ‘Pure and simple’ täuscht allerdings über den raffinierten Trio-Diskurs, der sich entlang rhythmischer Haken und Ösen zwischen Staccato-Cluster und Latin-Fluidum einpendelt. Mikro-Motive und exzentrische Akkordgebilde kontrastieren chromatische Ballungen und poetische Passagen. Superb.

Hans-Dieter Grünefeld, Neue MusikZeitung

Ancora in ‘Insight’ il solo Taylor proporrà pochi mesi dopo anche il brano che chiude questo ‘Tramonto’, con esiti decisamente meno eclatanti di quelli che si ascoltano qui. Ambleside è una traccia formidabile, che in 15 minuti non presenta un attimo di dubbio. Dal grido al mormorio, dalla morbidezza al graffio, tutta una gamma di suoni, di timbri, di ritmi (compreso un solo antologico di Baron), sfilano per le nostre orecchie e sollecitano surrettiziamente le nostre mani, i nostri piedi, il nostro cuore, il nostro corpo intero, senza mai dare l’impressione di un esercizio dimostrativo o di tecnicismi virtuosi. Anzi quasi costringendo l’ascoltatore a guardare, toccare, muoversi, dentro una stanza dove tre magnifici artisti affrescano mirabilmente le pareti, il pavimento e il soffitto.

Raffaello Carabini, Spettakolo

The album And I heard a voice by Vox Clamantis with works of Arvo Pärt is recommended in a UK music monthly

It is clear whithin minutes of this recording that Voxy Clamantis are a leading interpreter of Pärt’s music. They breathe it; they live it. Pärt’s melodies are expertly lifted off the page and brought to life by the Estonian ensemble. […] This selection of predominantly new works has  been recorded in the resonant splendor of Estonia’s Haapsalu Cathedral, whose acoustic lends  each piece a  an ethereal reverb. As Pärt’s harmonies unfold, the ensemble perfectly captures their drama – letting each phrase build and then ring out as the progression reaches its peak. Their tuning is so locked in that it produces an overtone-like effect as it hangs in the air. […] Pärt’s genius harmonic writing is delivered at its very best.

Freya Parr, BBC Music Magazine

The limited vinyl box set At The Deer Head Inn – Complete Recordings by Keith Jarrett with Gary Peacock and Paul Motian thrills a German reviewer

Jetzt liegt das erste Vinyl von den Trio-Aufnahmen Jarretts aus dem Deer Head inn, einem Jazzclub in Delaware Water Gap, Pennsylvania, auf dem Plattenteller und aus den Lautsprechern komt ‘Solar’, ein Stück von Miles Davis, ein mehr als elfminütiges Intro, das die erste Seite des Vinyls einnimmt. Der Sound ist beeindruckend, klar und gestochen scharf kommt Jarretts Klavier aus den Lautsprechern, und als das erste Mal Paul Motians Schlagzeug allein zu hören ist, kann man die feinen Pattern seines Schlagwerks als Antwort auf Jarretts Klavierspiel lesen, aber auch als eine bestechende Verbindung aus feinen rhythmischen Mustern und als Start einer gerade beginnenden Interaktion, getragen von Unbeschwertheit und Lässigkeit. Der Bass von Peacock setzt energiegeladen und trotzdem schwebend ein und man kann ‘Solar’ fast als Paradigma für die weiteren Aufnahmen lesen. […] Die Aufnahmen mit Peacock und Motian sind in der Trio-Geschichte Jarretts eine Ausnahme. Peacock spielte im ‘Standards’-Trio mit Jarrett und DeJohnette, Motian hatte auch in Jarretts ‘American Quartet’ gespielt. Aber an diesem 16. September 1992 sollte es die einzige Gelegenheit sein, bei der Keith Jarrett am Klavier, Peacock am Kontrabass und Paul Motian am Schlagzeug zusammen auftraten. […] Die klare Aufnahme hat eine exzellente Mikrofonierung und es wurde, wie man unschwer hören kann, in ungewöhnlich hoher Qualität aufgenommen. Man sitzt in der ersten Reihe im Deer Head Inn, spürt die Clubatmosphäre und hört zwischendurch immer wieder Jarretts Brummen und Summen am Klavier. Alles ist sehr trennscharf aufgenommen, dazwischen hört man das Publikum, das aber sonst ganz im Hintergrund bleibt. Ansonsten hat die ganze Aufnahme eine beeindruckende Dynamik, die man nur selten bei Live-Aufnahmen hören kann.

Thomas Neumann, Hörerlebnis

UK, Austrian and German reactions to the new album Libro Primo by Rolf Lislevand

With ‘Libro Primo’ Norwegian lutenist Rolf Lislevand delves into the experimental sound world of Italian Baroque composers Kapsberger, Foscarini and Gianoncelli, as he leafs through their first publications – the ground-breaking ‘libri primi’ of the disc’s title. At the dawn of the 17^th century, the new recitational language of opera and the virtuosic ‘stylus fantasticus’ – the ‘fantastic style’ – of instrumental music fueled an unprecedented freedom of expression, which Lislevand (here playing an archlute and chitarrone) embraces with characteristic flair. […] Ever responsive to their volatile twists and turns, Lislevand intensifies their spontaneity with extemporized passages, very much in the spirit of a Baroque musician. Similarly improvisatory is Lislevand’s own ‘Passacaglia al modo mio’: a personal meditation on the hypnotic Baroque ground bass, threaded with musical memories, from Bach to Keith Jarrett. Other programme highlights (all beautifully recorded by ECM) are Foscarini’s wistful ‘Tasteggiata’ and Gianoncelli’s ‘Corrente con le sue spezzate’ which pulses with jazz vitality.

Kate Bolton-Porciatti, BBC Music Magazine

Aus der dazumal omnipräsenten Familie der Lauteninstrumente greift der norwegische Musiker zu Erzlaute und Chitarrone. Das Klangbild, das er mit den mit bis zu 14 Saiten bestückten Instrumenten virtuos hervorbringt, ist geprägt von Obertonreichtum und tiefentönendem Fundament. Die Interpretation der Werke könnte filigraner und ausdrucksstärker zugleich nicht sein.

Marie-Theres Himmler, Österreichischer Rundfunk

Der Süden ist Herzenssache. Man kann also ruhig, wie Rolf Lislevand, in einer alten Scheune in Norwegen sitzen und sich musikalisch ins Norditalien oder Spanien des frühen 17. Jahrhunderts träumen. Eben zu Komponisten wie Kapsberger, Foscarini ode Diego Ortiz, die mit ihren Werken für Laute lyrisch, rhytmisch neu und ungewohnt emotional von der Renaissance ins Barock führten. Auf der exzellenten CD ‘Libro Primo’ erweist Lislevand ihnen die Ehre, greift historisch zu Erzlaute und Chitarrone, um Licht wie Schatten dieser meditativen Stücke mit größter Sinnlichkeit zu erkunden. Und schon geht – auch in uns – die Sonne auf.

Wolf Ebersberger, Nürnberger Nachrichten

The album El Viejo Caminante by Dino Saluzzi with Jacob Young and José Maria Saluzzi is reviewed in US and UK magazines

Opener ‘La Ciudad De Los Aires Buenos’ is a minor-key ballad with Saluzzi senior playing a gentle counterpoint  to the guitarists’ slow serpentine arpeggios. Like the best leaders, he is also a sensitive accompanist and collaborator: the ethereal ‘Tiempos De Ausencias’ and ‘Mi Hijo Y Yo’ are object lessons in give-and-take group improvisation. Standards ‘Some Day My Prince Will Come’ and ‘My One and Only Love’ are lovingly reimagined with tango-tinged approaches.

Daniel A. Brown, New York City Jazz record

At the venerable age of 90, Dino is one of the all-time greats, and here, remarkably, he sounds as fresh as ever. Moods range from the gently wistful ‘Northern Sun’ and haunting ‘Quiet March’ to the lazy, shimmering ‘Dino Is Here’ and the deeply romantic ‘Old House’. This is sumptuous music, the twin guitars combining with Dino’s bandoneon organically to create a deep and rich soundscape, as beautiful as it is moving. No one can listen to this and not be soothed and enchanted.

Chris Wheatley, Songlines