The freshly released recording of Johannes Brahms’ op. 51 by the Zehetmair Quartett is welcomed by German, UK and US media
1994 gründete Zehetmair das Zehetmair-Quartett – ein Ensemble, in dem auch seine Frau, die Bratschistin Ruth Killius, mitspielt. Von Anfang an herrscht ein offener Geist, befeuert von dem Gedanken eines Labors. Risiken eingeschlossen: Jede Arbeitsphase ist ein Aufbruch, der das Ende noch nicht fixiert hat. Musizieren als Forschungsform. Wenn diese vier Musiker Schumann oder Hindemith, Brahms oder Bartók musizieren, verschwinden historische Welten hinter der brennenden Gegenwart ihrer Aktualisierung. […] Nun also die beiden Brahms-Quartette, die so unerwartet zum Requiem für Christian Elliott geworden sind. Damals, zur Aufnahme, zogen sich die Musiker in ein Nest in der Oberpfalz zurück, es war November, draußen fielen die Blätter, die Welt färbte sich dunkel, Brahms‘ Musik tut es sowieso. Aber durch das Spiel des Zehetmair-Quartetts beginnt sie zu glühen.
Wolfram Goertz, Rheinische Post
They bring their own unique sense of flair and panache to the music. Playing as they do from memory appears to bring a freedom and lightness to the recitals, and it with a sense of regret and loss that these are the last performance of the quartet with cellist Christian Elliot who died in April 2025. A fitting tribute to a wonderful musician who brings much to the music heard on this fine recording.
Nick Lea, Jazz Views
The performances here are first-rate. First-time listeners to these quartets (Brahms only wrote three that got published), will find a lot of what they love about Brahms here. For those who already know these works, Zehetmair Quartett offers up outstanding performances of them both.
Craig Byrd, Cultural Attache
The new recording Cellular Songs by Meredith Monk thrills reviewers in the UK, Austria and Germany
‘Cellular Songs’ is the thirteenth release by Meredith Monk on ECM and sounds as uncompromising and excitingly fresh as her first offering for the imprint, Dolmen Music release in 1981. ECM has stuck with Monk throughout the last forty plus years as the vocalist and composer patiently worked on her music and extended vocal techniques that are now an accepted part of a vocalist’s vocabulary. […] Whereas previously Monk’s music had adopted the approach of layering, with these new pieces the composer has looked to present the music a more sculptural context. By this, Monk is looking to present a rotating three-dimensional soundscape, and the music is perhaps her most ambitious yet. Paradoxically, as ambitious as the musical setting is, it may also be her most accessible recording. The use of voices on the three part ‘Cell Trio’ is a spellbinding journey through three-part harmony and a constant shifting of emphasis when all voices can each be individually within the score and bounce off each other in a delightfully melodic and rhythmic manner. A similar approach is adopted with ‘Dyads’ that allows individual voices to exchange phrases as the piece develops and again features three voices with the addition of John Hollenbeck’s vibraphone picking up the melodic line that brings this all too brief to a close. The use of additional instruments alongside the voice is superbly juxtaposed in ‘Happy Woman’ which is also the only composition to be set to words. Monk’s Vocal Ensemble of five voices works seamlessly with Hollenbeck’s vibes and the violin and piano both played by Allison Sniffin (whose voice is also heard in the Vocal Ensemble). […] After more than forty years and an extensive discography with ECM, Meredith Monk’s music still has the ability to surprise, and with Cellular Songs the composer is still looking to push the boundaries and explore the possibilities available with the human voice. If the composer and vocalist has been working patiently at developing her music over the last six decades, then she requests the same patience from her audience and for those who can open their ears to the wonders of the human voice there is much to enjoy.
Nick Lea, Jazz Views
‘Cellular Songs’ hat schon vor Jahren als interdisziplinäres Musiktheater Furore gemacht, in dem Meredith Monk die Vorgänge in und um Körperzellen auf das (Zwischen-)Menschliche überträgt. Die Geschichte, die sie damit erzählt, ist ein Plädoyer für Zusammenarbeit und Mitmenschlichkeit als Gegenkraft zu aktuellen gesellschaftlichen Entwicklungen. Geschrieben hat Monk dieses verspielte, experimentelle und kontemplative Werk für sich und ihr legendäres weibliches Vokalensemble – nun liegt es endlich in kondensierter musikalischer Form vor, als dreizehntes Monk-Album für die ECM New Series.
Ulla Pilz, Österreichischer Rundfunk
Was kann man mit einem Chor alles machen? Meredith Monk, die wohl größte lebende Komponistin für Vokalmusik, sprengt seit jeher alle Konventionen von Chorgesang. Auf ‘Cellular Songs’, ihrem ersten Album mit neuen Songs seit neuen Jahren, wird sie den hohen Erwartungen, die in ihren Namen gesetzt werden, voll gerecht. Ihre nonverbalen Stimmcollagen muten archaisch an, als kämen sie aus der Erde selbst. […] Die grandiose Trance-Musik von Monk büßt bis heute nichts von ihrer hypnotischen Durchdringungskraft ein. ‘Cellular Songs’ ist ein weiteres Meisterwerk einer zuverlässigen Schöpfungsinstanz.
Wolf Kampmann, Jazzthing
The new album Topos by Sokratis Sinopoulos with Yann Keerim is acclaimed by media in the UK and Germany
There’s a stunning, unbroken beauty running through ‘Topos’, a quiet kind of magic that feels both ancient and vividly new. The Greek duo of lyra master Sokratis Sinopoulos and pianist Yann Keerim have created a sound world where borders dissolve: between folk and classical, improvisation and form, past and present. It’s one of those albums where you can completely lose yourself in a different, beautiful world. From the opening track, ‘Vlachia’, a landscape opens up, one that feels lived-in, earthy, and deeply human. It feels mournful, yet oddly uplifting, a combination of emotions that leaves me utterly transfixed. Sinopoulos’s lyra sings with a plaintive voice, gliding through Keerim’s rippling piano arpeggios, evoking mountain passes, village songs, and the faint hum of memory. ‘Topos’, meaning “place” or “home,” becomes not so much a location as a meeting point, one of ideas, traditions, and sensibilities. At the album’s heart lies Bartók’s ‘Romanian Folk Dances,’ reimagined here with great sensitivity and invention. The duo deconstructs and rebuilds them in a series of fluid conversations […] The duo’s own compositions – ‘Valley’, ‘Mountain Path’, ‘Forest Glade’ – extend Bartók’s vision into new terrain. There’s an almost cinematic spaciousness here, the kind that Manfred Eicher’s ECM productions capture so well: resonant, airy, deeply felt. ‘Forest Glade’ in particular glows with impressionist colour, the duo tracing outlines of light and shadow like painters working from memory. ‘Topos’ is a quietly radiant work: a dialogue of friendship and tradition, and one of ECM’s most graceful offerings this year.
Mike Gates, UK Vibe
Bartók sammelte, ausgerüstet mit Rucksack und Phonograph, über viele Jahre im heute zu Rumänien gehörenden Siebenbürgen abertausende Volkslieder, wie sie die Landbevölkerung sangen und spielten. Anschließend katalogisierte der Ungar diese manchmal bruchstückhaften Melodien und beschäftigte sich den Rest seines Lebens, neben etlichen Orchester- und Bühnenwerken, die er verfasste, mit dieser Ausbeute, die auch immer wieder in seine kompositorische Arbeit mit einfloss. Sokratis Sinopoulos und Yann Keerim widmen sich auf ihrem Album ‘Topos’ diesen sechs ‘Rumänischen Volkstänzen’, bringen deren ganze hingebungsvolle Melancholie und ihren Klanggeist zum Strahlen. Sie entfesseln einen stillen Dialog der Sinne in musikalischer Erhabenheit und spürbarem Stolz. Sie vermitteln emotionale Botschaften auf der Basis von subtilen Melodien und tänzerisch verspielten Rhythmen. Dieses Album klingt wie der Mikrokosmos einer fast vergessenen, dieser Welt längst entrückten Tonsprache.
Jörg Konrad, Kultkomplott
Kreuz und quer auf dem Balkan pflegten sich die verschiedenen Volksmusikstile schon immer über territoriale Grenzen und andere Obrigkeitsbestimmungen hinweg fortzupflanzen. Pianist Yann Keerim, der aus dem nordwestgriechischen Ioannina stammt, ist speziell mit der Volksmusik aus dem Epirusgebirge vertraut, wohin sich Klaviere erst spät verirrt haben dürften. ‘Wenn man mit der Lyra interagiert, muss man ihre Geschichte respektieren’, betont er und tarnt sein Spiel in einigen Begleitpassagen denn auch so geschickt, dass man eher ein paar Takte vom Hackbrett, dann einen Harfenstreich oder sogar mal Leierkastentöne zu vernehmen meint. Sinopoulos und Keerim reizen sowohl die Verwandtschaft als auch das Gegensätzliche ihrer Saiteninstrumente voll aus: Gegen ein ausgewachsenes Klaviermöbel nimmt sich die Lyra ja wie ein bedauernswerter Winzling aus. Doch wehe, wenn sie losgelassen! Sinopoulos sorgt für mal gestrichene, mal gezupfte und auch rhythmisch verblüffende Turbulenzen, schäumt aber vor lauter Virtuosität nur selten so über, wie das die kretischen Kniegeiger gern praktizieren. Um die ideellen Chancen für eine gute Verbreitung des Albums braucht einem nicht bange zu sein. Die Intimität dieses Duos verlautbart sich vollkommen genreunabhängig und hat keine populistische Anbiederung nötig, um den ‘Topos’ seiner Musik auch hierzulande zu etablieren.
Andreas Schäfler, Junge Welt
The freshly released album Close by Steve Tibbetts enchants German reviewers
Das Gitarrenspiel des in Minneapolis lebenden Gitarristen ist nach Sekunden erkennbar: es umkreist, mit allerlei Bordunklängen, ‘drones’ und feinsten Schwebungen kleine rhythmisch-harmonische Soundzellen – und, typisch für sein Spiel, aber hier so radikal wie selten zuvor eingesetzt: die Pausen, die minimalen Nullpunkte, Stillstände mit der Verweildauer von Sekundenbruchteilen. Wie ein den Klängen geschuldetes Atemholen, das auch die Sinne von uns Zuhörern schärft.
Michael Engelbrecht, Deutschlandfunk
Wer die Musik von Steve Tibbetts hören will, sollte keine Anschlusstermine haben. Zum einen verlangen die Stücke des Gitarristen volle Konzentration, zum anderen wirken sie lange nach und führen aus dem Tag heraus in die Nacht. ‘Musik ist eine Sprache der Dämmerung’, sagt Steve Tibbetts – und selten klang dieser Satz so treffend wie auf ‘Close’. Auf seinem elften Album für ECM widmet sich der Gitarrist aus Minnesota erneut der Kunst, Schatten in Klang zu übersetzen. Statt klarer Melodien oder klassischer Songstrukturen entstehen hier Stimmungsräume, die sich langsam entfalten, ausdehnen, vervielfältigen: Dafür arbeitet Steve Tibbetts kunstvoll mit sehnsüchtigen Gitarrenlinien, verschachtelten Loops, schwebenden Drones, begleitet von stimmungsunterstützenden Percussion. Nichts drängt sich auf, doch alles zieht in den Bann – ein geduldiges Entstehen und Verblassen von Formen. […] Mit Marc Anderson (Percussion, Gongs, Handpan, Loops) und JT Bates (Drums) hat Steve Tibbetts zwei Mitstreiter an seiner Seite, die den rhythmischen Raum weit öffnen. Ihre Klänge wirken nicht wie Begleitung, sondern wie Wetterphänomene – mal Nebel, mal Wind, mal dumpfer Donner in der Ferne. Besonders Andersons Handpan verleiht den Kompositionen eine schwebende Tiefe, während Bates’ zurückhaltendes Schlagzeug den Puls kaum hörbar, aber spürbar hält. Das Ergebnis ist ein Geflecht aus Klangschichten, das sich wie ein lebender Organismus verhält.
Sebastian Meißner, Sounds and Books
A German reviewer on the album And I heard a voice by Vox Clamantis with works of Arvo Pärt
Offensichtlich treffen estnische Ensembles den Ton der Musik von Arvo Pärt am besten. Jedenfalls kann man einmal mehr diesen Eindruck bei dem aktuellen Album mit dem Vokalensemble Vox Clamantis unter Jaan-Eik Tulve gewinnen – ein Album, das (wie so oft bei ECM) einen Referenz-Status erreicht. Ohne auch nur im Ansatz ein Vibrato zu erzeugen, zelebrieren die exzellenten Vokalisten diese karge und zugleich warme Klangwelt zwischen irdischem Glauben und himmlischen Sphären.
Michael Kube, Neue MusikZeitung
UK and German reactions to the new trio recording Tokyo by Wolfgang Muthspiel, Scott Colley and Brian Blade
There’s nothing like an album that states its case on the first track, and with ‘Lisbon Stomp’, an early Keith Jarrett tune, Wolfgang Muthspiel’s ‘Tokyo’ does just that. As with many of Jarrett’s tunes from this period, the jaunty lope of the melody is deceptive, leaving the musicians no structure to hide in when it comes to improvising. Here the counterpoint between the three musicians ebbs and flows in intensity, time travels through pockets of pulse here and there that rarely settle. Scott Colley in particular wriggles under the swing of Brian Blade’s drums as Charlie Haden often did with Motian, and it’s a refreshingly subtle listening experience, harking back to the great guitar albums of ECM in the 70s, 80s and 90s from Pat Metheny, Mick Goodrick, John Abercrombie and Ralph Towner. As an opening track, it’s a strong statement. And yet it’s Muthspiel’s original compositions that steal the show for me: he has a way of coating some pretty chewy harmonies in charmingly simple melodies and rhythmic ideas. ‘Pradela’ has an Abercrombie-ish directness in its theme, and both Colley and Blade at first respond with subtle coloration before moving into the lightest of grooves. It’s music that can wash over you, but there’s plenty of detail for those who listen more closely. […] ‘Abacus’, the only other cover, by Paul Motian, is one of the drummer’s most distinctive melodies and here the group almost casually muse on the line itself before the entire piece opens out. There’s a sense of real relaxation here, and space is allowed to almost swallow the music whole while everyone seems to be trying things out in a genuine spirit of experimentation: it’s an effective way to close an album so generously stocked with nutritious melodies, dense harmonic structures and ensemble interaction of rare delicacy.
Liam Noble, UK Jazz News
‘Tokyo’ ist das dritte Studioalbum mit Bassist Scott Colley und Schlagzeuger Brian Blade, beide auch Metamusiker mit der Fähigkeit, kreativ und kommentierend gleichzeitig zu spielen. So können Stücke entstehen, die im gemeinsamen Flow immenser Erfahrung umfassend erzählen. Egal ob Jazzgitarre oder akustisches Instrument, Muthspiel wirkt präsent, eloquent, machmal wie in ‘Roll’ sogar überschwänglich. ‘Tokyo’ ist damit ein Beispiel für aktuelle Jazzgitarrenkunst, im Detail wie im Ganzen faszinierend perfekt.
Ralf Dombrowski, Jazzthing
German and Austrian reactions to the album Tramonto by the John Taylor Trio
Taylor pendelte genussvoll zwischen den Extremen. Exemplarisch dafür stehen Ralph Towners Ballade ‘Tramonto’, eine fragile Meditation auf Zehenspitzen, sowie Steve Swallows ‘Up Too Late’ als genaues Gegenstück, bei dem er von Bop-Phrasierungen nahezu übergangslos ins freie Spiel wechselt, während Johnsons Arco-Solo und Barons flirrende Drums das Thema pfiffig anspitzen. Ein weiteres Beispiel für Taylors Ausnahmestellung: ‘Pure And Simple’, eine ganz und gar nicht einfache, Chamäleon-artige Melodie, die im Handumdrehen Farben und Gesichter wechseln und sich durch eine Galerie von Szenen, Einflüssen und Stimmungen tanzen kann. Schlicht grandios!
Reinhard Köchl, Jazzthing
Die Aufnahme entstand 2002 live in Birmingham zusammen mit zwei Könnern – dem Bassisten Marc Johnson und Schlagzeuger Joey Baron. Taylor verstrickt sich in tiefsinnige Grübeleien, die aus ihrer poetischen Haltung heraus immer wieder in dynamisch-exzentrische Extrapolationen ausbrechen. Dabei vermittelt das Trio einen Gestaltungswillen, der weit über das Atmosphärische hinauswirkt. Das Klaviertrio ist eine traditionsreiche und von Vorbildern geprägte Jazzform. Taylor zeigte, dass er dieser raffinierten Dreifaltigkeit Substanz zu verleihen vermochte und die Interaktion der drei Musiker hoch ambitionierte, spontane Kammermusik hervorbrachte.
Ljubiša Tošić, Der Standard
The album Libro Primo by Rolf Lislevand is acclaimed in a French music magazine
Son autorité nous conquiert dès la ‘Toccata terza’ de Kapsberger. Avec la ‘Tasteggiata’ de Giovanni Paolo Foscarini, où le chant se fait dèlicatement poignant, l’hédonisme sonore s’insinue dans les moindres détails et nous captive. Toute l’éloquence de Lislevand se déploie ensuite dans la ‘Toccata sesta’ de Kapsberger, avec une séduisante introduction de son cru, qui tomberait sans doute à plat dans les mains d’un autre luthiste. […] S’ajoute encore à cet arsenal de moyens la profusion des ornements, notamment chez Ortiz, que Lislevand rapproche de Kapsberger pour sa fantaisie rythmique. Mais ce n’est pas tout: le poète virtuose incorpore des parties improvisées avec tact, sachant y faire comme nul autre quand il s’agit de déclamer en pregnant des libertés. […] Son agilité incomparable se double d’une jouissance du son qui confère à ce ‘Libro Primo’ un clair-obscur lumineux, de bout en bout captivant.
Frédéric Degroote, Diapason (Diapason D’Or)
A US music magazine on the vinyl reissue of Paul Bley’s album Open, to love within the Luminessence-series
One thing that sets ‘Open, To Love’ apart is its bold piano sound: Crackling, sustained notes and a deft use of space generate drama and forward momentum. Across seven tracks, Bley weaves bluesy runs, ringing chords, razor-sharp single-note articulations, and delicate asides, framed by silent spaces that evoke (in this listener at least) the sensation of gliding over icy open water. ‘Open’ is striking for its emotional depth and its bold sound.
Ken Micallef, Stereophile
A German reviewer on the duo recording Defiant Life by Vijay Iyer and Vijay Wadada Leo Smith
Iyer und Smith pflegen einen intensiven, auf das Wesentliche reduzierten Dialog, in dem sparsame Klangmittel eine große expressive Bandbreite eröffnen. Das Duo arbeitet mit feiner Dynamik, weiten Pausen und subtilen elektronischen Schattierungen, sodass auch der Raum zwischen den Tönen zum formbildenden Element wird und sich mehrere Ebenen zugleich verbinden. Iyers Spiel liefert oft tiefe, modulierte Unterbauten und punktuelle, harmonische Muster, die sowohl als Fundament als auch als Impulsgeber fungieren. Smith antwortet mit konzentrierten, oft fragilen Trompetenlinien, die zwischen Fragmenten einer Melodie und offenen Schallflächen oszillieren. Die Stücke folgen eher einem inneren Atem als einem eindeutigen Rhythmus, wodurch melancholische, nachdenkliche Stimmungen und gelegentliche Aufblitze von Klarheit nebeneinanderstehen. Elektronische Farbtupfer und das Rhodes ergänzen die akustische Palette dezent und erweitern das Klangspektrum, ohne die intime Direktheit des Duos zu verwischen. […] ‘Defiant Life’ ist ein anspruchsvolles, emotional dichtes Werk, das tiefe Zustände von Berührung eröffnet und Hörerinnen und Hörer, die Geduld und ein offenes Ohr mitbringen, reich belohnt. Es ist kein lautes Statementalbum, sondern ein leises, aber mächtiges Plädoyer für Haltung durch Klang – eine würdige Fortsetzung der künstlerischen Verbindung zwischen zwei Giganten des zeitgenössischen Jazz.
Stefan Pieper, NRW Jazz-Net
