Reviews of the week

The upcoming duo recording Memories of Home by John Scofield and Dave Holland is welcomed by international media

Guitarist John Scofield and bassist Dave Holland have been regular collaborators for years, but ‘Memories of Home’ (ECM) is their first duo album, equally sharing their boppishly hip, country-bluesy, warmly engaging originals. Scofield’s voicelike harmonies and sure-footed chord-rooted improv on his dreamy ‘Meant to Be’, and Holland’s deep, enveloping tone on his luxuriously languid swinger ‘Mr B (Dedicated to Ray Brown)’ are highlights of a very classy set.

John Fordham, The Guardian

Right from the off, ‘Memories of Home’ feels like a quiet celebration: two absolute masters of their craft – guitarist John Scofield and bassist Dave Holland – finally facing off in an intimate duo setting. Having shared stages in contexts from Herbie Hancock’s bands to the fiery ScoLoHoFo (with Joe Lovano and Al Foster), this, their first strictly duo album, is something of a quiet milestone.  Recorded in Catskill, New York, at NRS Studios in 2024 after a period of touring, their interplay here feels deeply rooted in years of musical friendship and shared reference points. […] Holland’s bass work, as ever, is a marvel – full-bodied, rhythmically flexible, and emotionally resonant. In ‘Mr. B’, he channels deep blues swing, while on ‘You I Love’ there’s a tenderness that brings out a folk-tinged beauty. The title piece, ‘Memories of Home’, was originally recorded in a very different context (progressive bluegrass, no less), but here, in this pared-back format, it feels deeply personal – Scofield’s guitar tapping into the countryside of his playing, resonant and thoughtful. One standout (among many) is their version of ‘Easy for You’, a Scofield ballad revisited with honesty and heart. The duo ebb and flow beautifully: Scofields opens softly, Holland enters with touch and space, and their solos feel like an extended, empathetic conversation. This is understated, mature, reflective music rather than high drama. But that’s absolutely part of its charm. It’s less about showing off chops, more about sharing years of musical understanding. All told, ‘Memories of Home’ is a warm, generous album, featuring two masters at work, offering us a deeply felt, deeply considered dialogue.

Mike Gates, UK Vibe

If it is possible for people to express a deep personal regard for one another through musical collaboration, that is exactly what happens between Scofield and Holland in their upcoming release. Don’t be fooled: this is intimate music, but it remains rich with detail and depth. And it caps a decade in which John Scofield’s body of work reflects his full maturity as an artist. […] ‘Memories of Home’, which takes its name from one of the Holland originals in this set, has ECM’s usual impeccable attention to detail in the recording, and in this case that care has done a service for the ages. Holland is one of the world’s masters of the bass, with a matchless ear for pitch and timbre, and his sound has rarely been captured so beautifully, even on his own records for ECM. Scofield’s voice on his instrument is well-established by now, recorded in all kinds of contexts, often very well. Here every nuance of his most intimate playing is captured, and he shines. […] Every note of ‘Memories of Home’ ought to be heard with both ears, and savored.

Steve Ellman, Arts Fuse

Scofields kantig-eigensinniger, in jedem Takt auf Anhieb erkennbarer Gitarrenton in Verbindung mit Hollands leichthändig geschmeidig fließenden Basslinien macht die neun Tracks des Albums zu einem reinen Hörvergnügen. […]  Beide können sich jederzeit  dezent-konstruktiv zurücknehmen, um den anderen im vollen Glanz erscheinen zu lassen, und genauso selbstverständlich aufblühen, wenn sie als Solist an der Reihe sind. Was gerne in unisono geführte Läufe mündet, deren vereintem Charme man sich nun wirklich kaum entziehen kann.

Robert Fischer, Jazzthetik

Die beiden Herren sind in dieser überschaubaren Besetzung 2021 und 2024 ausgiebig auf Tour gewesen. Ich habe sie im November 2021 in der Philharmonie Essen erlebt – ein absolut beeindruckendes Konzert. Als ich aber jetzt die ersten Töne von ,Icons At The Fair‘, dem Opener des neuen Albums ,Memories Of Home‘ hörte, dachte ich nur: ‘Das ist der Unterschied: Die Nähe!’ Denn Dank der großartigen, warmen Aufnahme von Engineer Scott Petito sitze ich jetzt direkt vor den beiden Musikern und spüre jede Note, jede Saitenschwingung, jedes Spielgeräusch. Diese Club@Home-Atmosphäre, bei der man auch noch das schöne Booklet der bei ECM erschienenen CD genießen kann, ist dieser Musik absolut entsprechend. Und dieses erste Stück kommt einfach mit einer unglaublichen Spannung rüber, groovt so großartig, dass man sogar den nicht vorhandenen Drummer zu hören scheint. […] Der Aufnahme-Sound ist klasse, und insbesondere der Kontrabass steht auch via Lautsprecher physisch im Raum. Wer einmal so ein Instrument gezupft hat, weiß was das für ein über die Ohren hinausgehendes Erlebnis ist. Und genau das kommt beim sehr straight swingenden ,Mr. B‘ besonders zur Geltung. ‘(Dedicated to Ray Brown)’ steht hinter dem Song-Titel. Scofield spielt hier wunderbare, teils eckige Linien mit großen Intervallsprüngen, darin eingeflochten sind Oktaven, Double-Stops und akkordische Passagen. Alles klingt absolut spontan […] Dieses Duo-Album von John Scofield und Dave Holland ist ein Meilenstein. So einen gab es schon mal: ,Alone Together‘ (1973) von Ron Carter und Jim Hall wurde allerdings fast auf den Tag 52 Jahre früher aufgenommen, und ist immer noch ein genialer, zeitloser Maßstab für diese Besetzung. Scofield war damals 21 Jahre alt, studierte Jazz am Berklee College of Music in Boston – er wird dieses Album gehört haben. Und seine Liebe zur Kunst von Jim Hall ist auch in der Musik von ,Memories of Home‘ immer präsent. Berührend.

Lothar Trampert, Pale Blue Ice

The new recording Cellular Songs by Meredith Monk is acclaimed by US and German reviewers

Monk’s microscopic conceit for ‘Cellular Songs’ is legible throughout the album: Many numbers start simply before flowering into their full peculiarity. There’s also push and pull between individual identity and collective belonging. Take the three ‘Cell Trio’ items near the beginning: The first establishes a central melodic refrain, before inviting in additional voices. The second immediately offers some gorgeous harmony. The third flaunts wilder patterning before concluding with a unified, lightly hissing energy. Save for the witty ‘Happy Woman,’ this is non-narrative stuff — sung in no language, just the experimental vocalise that Monk has perfected over decades. Yet in partnership with her regular percussionist and vocalists (one of whom doubles on violin and piano), Monk shows she’s still capable of fashioning sonic surprise and resolution.

Seth Colter Walls, The New York Times

Erweiterte Vokaltechniken, interdisziplinäre Performancekunst, vokale Gesten, Body Percussion, dazu manchmal Geige, Klavier, Vibraphon – mehr ist da nicht. Beziehungsweise: aus diesen Bestandteilen hat Meredith Monk eine Sequenz von Liedern erschaffen, die sie ‘Cellular Songs’ genannt hat. Zellen sind basale Bausteine der Welt und des Lebens und enthalten Botschaften, die stets über sie hinausweisen. Jeder ‘Cellular Song’ hat Textur, Architektur, Klangfeld, klare Stimmung und eine umsichtige Dramaturgie. Schon beim Nur-Hören entsteht der Eindruck einer komplexen und tiefgründigen theatralen Performance. Nur einer dieser Songs (‘Happy Woman’) hat etwas wie einen Text, der Song selbst ist gebaut wie die anderen: Zu einem stimmlich exponierten oder per Body Percussion entfalteten Motiv gesellen sich Überlagerungen, Variationen, Entwicklungen, Weitererzählungen. Die Konstruktion folgt Kompositionsweisen einer Minimal Music, aber macht sich nie selbst zum Gegenstand. […] ganz wunderbar zu hören, was da geschieht. Es ist eine Art multidimensionale Klangskulptur, die immer wieder von den vier Vokalistinnen, unterstützt von John Hollenbeck, mit atemberaubender Sicherheit live vor den Ohren und (inneren) Augen des Publikums gefertigt und geformt wird. Ein singuläres, bei aller Abstraktion erstaunlich bildkräftiges Hörerlebnis, das Imagination in Gang setzt und über das es noch viel zu sagen gäbe. Aber wohl nie wirklich genug.

Hans-Jürgen Linke, Jazzthetik (Five stars)

The new recording of Johannes Brahms’ op. 51 by the Zehetmair Quartett is hailed on German public radio

C-Moll, eine düstere Tonart! Damit beginnt Beethoven seine fünfte Sinfonie und Johannes Brahms seine erste. Es ist eine Schicksals-Tonart. In c-Moll steht auch Brahms’ erstes Streichquartett. Das Zehetmair Quartett spielt schlank und durchsichtig, zugleich detailversessen und mit Sinn für die langen Bögen, auch und gerade im zweiten Satz. Diese Romanze wird nie wirklich laut, die rhythmischen Impulse bleiben eher dezent. Die Musik fließt und strömt dahin. Beim Zehetmair Quartett ist das alles extrem fein gearbeitet. Das klingt wie zerbrechliche Lyrik – wenn es denn so etwas gibt. Wie hier einer den anderen stützt, wie die vier Musiker genau aufeinander hören und reagieren, wie sie alles Schwülstig-Süßliche kategorisch meiden – das zeigt die hohe Kunst des Streichquartett-Spiels. Nach einem Scherzo folgt in Brahms‘ erstem Quartett ein Finale, dessen Schwung an den Kopfsatz anschließt. Das Ganze klingt wie aus einem Guss. […] Auch das zweite steht in Moll. So düster die Grundtonart, so hellwach gibt sich das Zehetmair Quartett. Es spielt nicht fürs Schaufenster, sondern entwickelt jeden Gedanken aus dem Inneren. Dadurch erscheint Brahms‘ Musik nicht von gestern, sondern zeitlos: dunkel und grübelnd, fragend und sinnierend. Diese ungemein detail- und farbenreiche Aufnahme führt uns die Kammermusik von Johannes Brahms eindringlich vor Ohren. Zwei seiner drei Streichquartette hat das Zehetmair Quartett in mustergültiger Weise eingespielt.

Christoph Vratz, Norddeutscher Rundfunk

The album Topos by Sokratis Sinopoulos and Yann Keerim is acclaimed in German papers

Die Lyra, die Sokratis Sinopoulos hier spielt, ist ein so kleines Instrument, ausgestattet mit einer akustischen Differenziertheit, die einen von Beginn an bei diesem Album in den Bann zieht. So groß erklingt sie im Zusammenhang und -klang mit dem Klavierspiel von Yann Keerim. Das Klavier bettet dieses so zerbrechlich klingende Instrument ein, umarmt es, beflittert es. Das Album ‘Topos’ ist eine musikalische Liebeserklärung der Musiker und Instrumente untereinander. Und es ist eine Liebeserklärung an die Musik des südlichen Osteuropas. In deren Zentrum stehen die Rumänischen Volkstänze von Béla Bartók. Diese Wundertänze werden in diese neue Welt eingeflochten, so wie sie bereits ja Bartók in seiner Musiksprache übersetzte. Die sie tragenden Atmosphären sind komplett resistent gegen Ausweidung. Die Kraft der Volksmusik wird damit doppelt gebrochen und dabei fortentwickelt. Man kann die Originale nicht verbessern, man kann auch die Umsetzung Bartóks nicht verbessern, aber sich annähern und die musikalische Flaschenpost in die Gegenwart tragen. Die Art, wie Sokratis Sinopoulos, das filigrane Instrument zu artikulieren weiß, mit eigenem stimmigem Vibrato da und dort, mit Verzierungen, Prallern, Mordenten, Glissandi, mit gelegentlichem flautierendem Bogenstrich, der die Stille am Rand des Geräuschs streift, lässt einen hörend die Fassung verlieren. Man wird ganz klein und bescheiden vor dieser Differenziertheit menschlich-ästhetischer Äußerungen.

Martin Hufner, Neue Musikzeitung

Zwischen Klassik, Folklore und den freien Formen des Jazz bewegt sich das emotionale neue Album ‘Topos’ des griechischen Musiers Sokratis Sinopoulos. Mit seiner Lyra (einer kleinen Schalenhalslaute, ursprünglich aus Kreta) knüpft er markant an die sechs ‘Rumänischen Volkstänze’ von Bela Bartok an, spielt munter auf, spinnt die Melodien nachdenklich weiter […] Yann Keerim als sein Begleiter am Klavier setzt alles sanft in Fluss. Ein Duo von dem man mehr hören möchte.

Wolf Ebersberger, Nürnberger Nachrichten

The album Sun Triptych with works by Dobrinka Tabakova thrills a UK reviewer

Dobrinka Tabakova’s first album on ECM, String Paths, deservedly won the Bulgarian-British composer many fans, and her second outing for the New Series (following two for the Regent and Hallé labels) should win her a fair few more. The six works, composed between 2000 and 2011, range from Spinning a Yarn for solo violin and hurdy-gurdy and a couple of duets for viola and piano to three pieces for string orchestra, one of them with solo parts for violin and cello. There’s a lot of variety here, from the sometimes playful, sometimes bluesy ‘Suite in Jazz Style’, to a deeply felt lyricism in many of the other tracks which will be familiar to anyone who heard the lovely cello concerto on Tabakova’s first album. What ties it all together is her sure, bold and consistently imaginative sense of melody; you can hear it in ‘Day’, the second part of the highly evocative titular triptych.

Geoff Andrew, Notes & Observations

A German reaction to the vinyl-reissue of Jan Garbarek and Anouar Brahem’s album Madar within the Luminessence-series

Hier verschmelzen kulturelle Welten auf eine faszinierende Weise. Die Musik wirkt auf den ersten Blick wie eine spontane Improvisation, doch gleichzeitig wird spürbar, wie mühelos sich die Klänge der Instrumente miteinander verweben. Man verliert sich staunend in diesem musikalischen Zauber, der gleichermaßen durch sanft fließende Melodien wie durch intensive, kraftvolle Momente besticht. Das Trio Jan Garbarek, Anouar Brahem und Shaukat Hussain bleibt mit ihren jeweiligen musikalischen Traditionen verbunden, erschafft jedoch eine außergewöhnliche Synthese, bei der die Klangwelten Norwegens, Asiens und des Nahen Ostens miteinander verschmelzen – ein unvergleichliches Erlebnis. Produzent Manfred Eicher hat im Rainbow Studio die künstlerischen Voraussetzungen für dieses Meisterwerk geschaffen, während Toningenieur Jan Eric Konghaug den Klang in Perfektion eingefangen hat. Atemberaubende Soundlandschaften entstehen damit in unserem heimischen Hörzimmer – ein berauschendes Erlebnis!

Manfred Krug, vinyl-fan.de

The re-issue of Changing Places by the Tord Gustavsen Trio within the Luminessence series is welcomed by German Hi-fi magazines

Lässt man die Musik auf sich wirken, stellt man sich unweigerlich die Frage, wofür man Tord Gustavsen mehr bewundern soll? Für seine lyrischen Kompositionen voll ansprechender, dabei zeitloser Frische, deren Melodien sich sofort einprägen, oder für sein glasklares, hochgradig akzentuiertes Spiel, das raffiniert nordische Folk-Elemente und Jazz-Kammermusik miteinander verbindet. […] Das mit dem wunderbaren Solo ‘Song of Yearning’ ausklingende Album wurde folgerichtig von vielen Kritikern zu den besten Aufnahmen des Jahres 2003 gezählt. Zum Klang ist zu sagen, dass mir kaum eine Aufnahme bekannt ist, auf der das Piano dermaßen klar und dynamisch eingefangen wurde.

Ralf Henke, LP-Magazin

Der hochtransparente Klang, den der legendäre Toningenieur Jan Erik Kongshaug 2001/2002 in den Rainbow Studios auf Festplatten aufnahm und den Manfred Eicher perfekt produzierte, erklingt hier in voller Schönheit. […] Ende des Jahrtausends tat Gustavsen sich mit Schlagzeuger Jarle Vespestad und Kontrabassist Harald Johnsen zu einem Klaviertrio zusammen, um einen sehr kammermusikalischen, ‘nordischen’ Jazz zu spielen – introvertiert, melodisch, ruhig. Entsprechend fällt auch das erste Werk ‘Changing Places’ aus, doch birgt diese Ruhe auch eine immense Intensität – und die wenigen Ausbrüche in schnellere Tempi und rauere Töne wirken umso stärker. Die Musiker lassen aber jeden Titel ohne Hektik aufblühen.

Lothar Brandt, Mint

Im Rahmen eines klassischen Trios mit Schlagzeug und akustischem Bass konnte der Skandinavier seinen Stil des introvertiert-verhaltenen, jede Note kalkulierenden Spiels mit unterschwelliger, aber deshalb nicht weniger intensiver Glut bald etablieren. Und all dies war bei seinem Debüt, das nun als Doppel-LP in ECMs retrospektiver ‘Luminessence’-Reihe erstmals auf Vinyl erscheint, bereits präsent. Topklang, makellose Pressung!

Matthias Böde, Stereo

The re-issue of Bennie Maupin’s album The Jewel in the Lotus within the Luminessence series enchants a US reviewer

Bennie Maupin’s 1981 release ‘The Jewel in the Lotus’ feels like a long-lost soundtrack to some ancient ritual. Strongly influenced by the ambient soundscapes of Miles Davis’s Bitches Brew (on which Maupin played bass clarinet) and In a Silent Way, Maupin’s work draws you in with slow, yawning crescendos that plunge into frantic improvisations punctuated by declarative piano chords. Ending the first side, an ethereal, ambient section is surrounded by disembodied vocal cries like smoke rising from a pyre. The album further delves into otherworldly ring-modulator tones and gurgling water percussion, blending seamlessly with ‘expansive acoustic improvisatory textures,’ as the liner notes put it. The long sections of atmospheric improvisation, anchored by Buster Williams’s resounding upright bass, are incredible. It’s a singular album, like nothing I’ve heard, before or since.

Ken Micallef, Stereophile