Reviews from the last weeks

More international reactions to the new album Off Stillness by Thomas Strønen’s Group Time Is A Blind Guide

‘Off Stillness’ is the third ECM outing by drummer/composer/arranger Thomas Strønen’s acoustic ensemble Time Is a Blind Guide; it’s their first recording since 2018’s ‘Lucus’. The lineup includes pianist Ayumi Tanaka, violinist Håkon Aase, cellist Leo Svensson Sander, and bassist Ole Morten Vågan. The group is almost symbiotic in working from a space where jazz and chamber music seamlessly interact in arrangement and improvisation. Their music is exploratory, unhurried, airy, and intimate. While it speaks from a 21st century perch, the music is timeless, edgeless even, with its varied dynamic range. […] . Closer ‘In Awe of Stillness’ flips the script by offering a discernable pulse, as lyric violin soars with piano in interrogatory conversation amid a skeletal atmosphere before it thickens and almost solidifies as the dynamic asserts force. It nearly swings with a speculative articulation of groove. Even in its tenser moments, atmosphere remains abundant while avoiding ornamental artifice. Off Stillness is remarkable in practice as well as scope. Strønen’s ensemble are so comfortable with his sense of mystery and exploration, they are able to present an organic partnership who collectively experience inspiration and revelation.

Thom Jurek, All Music

The group’s third recording, ‘Off Stillness’, confirms Strønen’s mastery of structure and arrangement, highlighting the instrumentation’s sonic contrasts through natural pulses while maintaining a sense of poised, flowing elegance throughout.

Filipe Freitas, Jazz Trail

As you would expect from an ensemble led by a drummer, there is rhythm in the music of Thomas Strønen’s new album, Off Stillness. But the rhythm is often little more than an underlying pulse, usually provided by Ole Morten Vågan’s bass as Strønen’s drums embellish, challenge and pull rhythmic phrases out of shape. There is melody as Ayumi Tanaka’s piano picks its way through the shifting sounds of the strings, or as Leo Svensson Sander’s cello carves out an angular but persuasive tune across the rumblings of the piano. And there is a harmony in the strings as they sweep from sweet to more challenging chords. Fundamentally, though, this music is about sonority and tonality. It’s about shifting rhythms, patterns and sounds.

Robin Lyons, Jazz Journal

This is the third outing from Strønen’s all-acoustic group, Time Is A Blind Guide and continues the journey that began with the album from which they take their name released in 2015 and Lucus three years later. From the initial septet line up with multiple percussionists on the debut album to the pared down quintet favoured since Lucus, the ensemble has established a unique sound that floats between a type of chamber music and more exploratory textures and grooves. Throughout the groups time together, Strønen has also managed to keep fairly stable personnel with the only change being Leo Svnsson Sander replacing Lucy Railton on cello, and this is just one of the aspects, a sense of group unity and purpose that helps define the music of Time Is A Blind Guide. […] In this most engaging release Strønen acknowledges two of his influences in the opening ‘Memories of Paul’ dedicated to both Bley and Motian, and in the closing ‘In Awe of Stillness’ to Norwegian pianist and composer Jon Balke whose Oslo 13 orchestra had a big impact on the teenage Strønen when hearing them in concert. ‘Off Stillness’ however, is much more than a tribute to his musical heroes but continues Strønen’s own development as one of the most original drummers, and now increasingly a band leader and composer of note.

Nick Lea, Jazz Views

Time Is A Blind Guide ist ein ungewöhnlich besetztes Quintett, mit Schlagzeug, Klavier, Geige, Bratsche und Kontrabass. Schlagzeuger und Bandleader ist Thomas Strønen, seit vielen Jahren schon ein Fixpunkt der norwegischen Jazzszene und des renommierten Münchener Labels ECM Records. Er sagt, es gehe in der Band ‘eher darum etwas aus der Musik herauszunehmen, statt etwas hinzuzufügen’. Ein musikalischer Prozess, bei dem am Ende ein einzigartiges Substrat aus Jazz, freier Improvisation und zeitgenössischer Musik entsteht.

Xavier Plus, Österreichischer Rundfunk

Thomas Strønen gehört nicht zu jenen Schlagzeugern, die strikt die Zeit halten, die ihre Aufgabe allein darin sehen, eine Band rhythmisch zusammenzuhalten und vorwärtszutreiben. Der norwegischer Schlagwerker ist ein Soundmaler am Instrument, ein subtiler, fantasiereicher Architekt, der auf Fellen, Becken, Gongs und Chimes atmosphärische Landschaften in speziellem Licht entwirft. Ein stimmungsvoller Gestalter, der Motive, Figuren und vor allem Färbungen schichtet und so einem perkussiven Lyriker nahe kommt, der unerwartete koloristische Akzente setzt und auf ständiger Suche nach dem passenden Klangideal ist. Stark beeinflusst fühlt sich Thomas Strønen von den beiden Schlagzeugästhetikern Paul Motian und Audun Kleive. Ersterem widmet er auf seinem neuen Album ‘Off Stillness’ das Eingangsstück ‘Memories of Paul’, wobei er sich zugleich auch vor dem Pianisten Paul Bley verbeugt, der für Strønen vor allem kompositorisch von großer Bedeutung ist. […] Die Kommunikation zwischen den einzelnen Stimmen fußt zwar auf den Vorgaben des Leaders, ist jedoch zugleich der Ausdruck einer immerwährenden fließenden Improvisation. Es sind subtile Flügelschläge, die trotzdem ordentlich Luft unter die Schwingen bringen und das Quintett elegant fliegen lässt. Feinsinnige instrumentale Bewegungen, die mit großer Innigkeit ineinander greifen und so einen Hybrid zwischen Kammermusik und Avantgarde entwerfen.

Jörg Konrad, Kultkomplott

Thomas Strønens Quintett Time Is A Blind Guide verblüfft. Seinen Mitgliedern liegen ausgearbeitete Themen sowie Vorstellungen vom Ablauf vor, aber sobald sie spielen, verlassen sie sich nicht nur auf die Vorgaben, sondern vor allem auf die Partner, die eigene Fantasie und ihre Fähigkeit, offen, intensiv und von Interesse und Achtung geprägt zu improvisieren. Dann sind die Angaben in Thomas Strønens Kompositionen vor allem Richtschnur für kollektive Entwicklungen. Die haben es in sich. […] Die klangreine Studioproduktion spiegelt das wunderbare Gefühl, wenn man als wohlgesonnene Gemeinschaft zusammenspielt, die Themen kennt, über Abläufe gesprochen hat und sich dann mit konstruktivem Anspruch in den Sog der freien und der geplanten Entwicklungen begibt.

Werner Stiefele, Rondo

The new album Pur Ti Miro by Wu Wei, Martin Stegner and Janne Saksala thrills reviewers in the UK, US and Italy

When violist Martin Stegner first encountered Monteverdi through the sound of the sheng, the experience was transformative. ‘An entirely new world of sound opened up for me’, he recalls. That sense of discovery lies at the heart of ‘Pur ti miro’, a striking ECM New Series release bringing together Wu Wei (sheng), Stegner and Janne Saksala (double bass) in an unconventional but remarkably cohesive trio. The programme ranges freely across periods and traditions: Monteverdi’s ‘Si dolce è ’l tormento’ and ‘Pur ti miro’ from ‘L’incoronazione di Poppea’, Bach’s Organ Trio Sonatas Nos 1 and 4 and Vivaldi’s Trio Sonata in D minor sit alongside ‘Buremarsj frå Beiarn’, a Norwegian bridal march. Rather than aim for historical reconstruction, the trio approaches this repertoire as a living, malleable language, shaped by their diverse musical backgrounds and a shared curiosity for improvisation and colour. Central to the project is the Chinese sheng, a free-reed instrument with a history stretching back three millennia. Wu Wei performs on a custom-built instrument capable of fully engaging with Western tonality, allowing its shimmering polyphony to blend seamlessly with strings. Recorded at Teldex Studios in Berlin in October 2022, ‘Pur ti miro’ documents a meeting of cultures that feels exploratory yet deeply attentive to the expressive core of the music.

Thomas May, The Strad

‘Pur ti miro’ presents a certifiably off-the-beaten-track crosscultural instrumental exploration that may strike some audiophiles as a bit weird, at least at first. Yet once you transcend tried-and-true expectations and allow what you hear to (in words immortalized by Grace Slick) “feed your head,” you will likely find the timbral contrasts, colors, and expressive power of Pur ti miro’s trio of sheng, viola, and double bass hard to resist. The overwhelming beauty of the sounds these three instruments make playing baroque music and beyond transforms something that at first seems like an oddity into near-visionary inspiration. For the project, Manfred Eicher, ECM’s founder and visionary executive producer, enlisted three superb musicians: Wu Wei on sheng; Martin Stegner on viola; and Janne Saksala on double bass. I can’t get enough of the sound of Wu Wei’s sheng. A custom, modern instrument based on a 3000-year-old Chinese wind instrument consisting of a number of bamboo pipes outfitted with small metal reeds, all bundled together in a metal wind chamber, Wu Wei’s sheng includes a modern key mechanism that makes it suitable for Western tonalities. Sonically, the instrument confounds the imagination by sounding more like a steel-stringed instrument than a woodwind. It’s astounding how much emotion the sheng can convey […] On this recording, Wu Wei and his colleagues mostly limit themselves to baroque adaptations of vocal and instrumental music by Monteverdi, J.S. Bach, and Vivaldi […] Musicologically, there is nothing ‘authentic’ about the baroque transcriptions on this recording save for a surprise bit of improvisation, which was de rigueur in baroque times. Stegner and Saksala both play modern instruments. […]  What is authentic about this recording is the playing. The music makes apparent that these men believe in and champion this odd instrumental combination.

Jason Victor Serinus, Stereophile (‘Recording of the Month’)

‘Pur ti miro’ è un disco che vive di mistero e di frammenti in cui sembra volersi celare una bellezza segreta, quella di un mondo che rinasca ogni qual volta qualcuno osi reinventarlo.  La vera sorpresa è la duttilità dello sheng, strumento tradizionale che rivisitato in chiave cromatica così come opera Wu Wei, diventa duttile e di sonorità multiforme, perfettamente a proprio agio nel sobrio salotto barocco offerto da viola e contrabbasso.

Riccardo Talamazzi, Offtopic Magazine

The duo recording Memories of Home by John Scofield and Dave Holland garners acclaim from US, French, Austrian and German media

From swing to post-bop, and from balladry to country-blues, Scofield and Holland feel right at home on a session full of warmth, tenderness and passion. Hopefully, there is a lot more to come from a duo that honors the past while looking forward.

Ian Patterson, All About Jazz

Entre les progressions à pas feutrés de l’impeccable, imperturbable Holland, auteur de quatre themes, et les phrases plus crus et tendus du guitarist, signataire de cinq compositions, le dialogue s’établit, savoureux et spirituel, paisible. […] Calme et émouvant, humble et grandiose comme un coucher de soleil de western, ce titre-offrande scelle une union désormais indiscutable.

Louis-Julien Nicolaou, Telerama

Fünf Titel stammen aus der Feder Scofields, vier aus jener Hollands. Mit Ausnahme von Scofields temporeich und hart swingendem ‘Mine Are Blues’ wurden alle – teilweise schon mehrfach und in unterschiedlichen Bandgrößen – aufgenommen. Wer Vergleiche mit den Originalen zieht, erkennt schnell, dass die Kompositionen durch die Reduktion auf das Duo-Format keineswegs an Reiz und Spannung verlieren, sondern – auf das Wesentliche konzentriert und manche Aspekte alternativ betonend – interessante Neuinterpretationen erfahren. […] Jede einzelne Komposition hat also ihre Geschichte, die zu kennen, einen zusätzlichen Bonus für den interessierten Jazz-Fan beim Anhören des ersten Scofield-Holland-Duo-Albums darstellt. Man kann aber genauso gut auch völlig unbeleckt von jeglichem Vorwissen an die Sache herangehen und sich der Saitenkunst zweier ganz großer dieses Genres, deren Können längst Legende ist und deren Spiellust offensichtlich niemals nachlässt, erfreuen.

Peter Füssl, Zeitschrift für Kultur und Gesellschaft

John Scofield und Dave Holland im Duo: ‘Memories of Home’ bietet eine Konstellation, die es so noch nie gab. Aber was soll beim Gitarrenderwisch und dem Bassass schon schiefgehen, zumal das Album mit vertrauten Kompositionen aus beider Portfolios gespickt ist? Im intimen Rahmen werden diese Stücke noch nahbarer, ja, ihre Kennmelodien nehmen schon fast Folksongcharakter an. Umso verwegener dann die improvisierte Ausgestaltung, in der sich die hohe Schule materialisiert – mit zwei unnachahmlichen Handschriften, versteht sich. Sco und Ho (ScoLoHoFo hieß mal ihr Quartett mit Joe Lovano und Al Foster) reaktivieren in ‘Icons at the Fair’ ihre Miles-Davis-Vergangenheit, vernaschen mit größtem Vergnügen den boppigen ‘Mine Are Blues’ und rasen angriffslustig durch ‘Not for Nothin’’. Scofield turnt selbst in den verzwicktesten Lagen narrensicher über das Griffbrett, und wenn er im Zwiegespräch mit Holland wiederholt auch rhythmisch attackiert, bleibt nur noch glückliches Staunen.

Andreas Schäfler, Junge Welt

Der Opener ‘Icons At The Fair’ glänzt mit gezupften Moll-Akkorden, gebettet auf sonorer Bass-Basis von Dave Holland. In der Bearbeitung der beiden erlebt das Stück von 2018 (vom Album „Combo 66“) eine erdige Transformation. ‘Meant To Be’ wiederum frönt relaxt dem Blues und Post-Bop, während Holland-Stücke wie „Not For Nothin“ und der Titelsong federnd-pulsierend bis gediegen-bluesig begeistern, stets geprägt von sensiblem gegenseitigem Verständnis. Das Klangbild wirkt intensiv, dank feindynamischer Finesse, die sich auf die teils zart besaiteten Aktionen von Gitarre und Doppel-Bass fokussiert. Anzupfgeräusche, Phrasierungen besitzen Charakter, Luft und Raum drumherum wirken authentisch.

Claus Dick, Lowbeats.de (‘Audiophiles Album der Woche’)

The vinyl-reissue of Jan Garbarek and Anouar Brahem’s Madar within the Luminessence series is praised by reviewers in the UK and Germany

First time on vinyl for this historic encounter between saxophonist Jan Garbarek, oud maestro Anwar Brahem, and tabla player Ustad Shaukat Hussain, recorded at Rainbow Studio, Oslo. Not all the players play on all eight tracks, with occasional duo and solo performances intersecting the group pieces, and Brahem composes much of the material, with Garbarek contributing two arrangements of traditional Norwegian melodies, including the outstanding opening tune, ‘Sull lull’. Like other ECM recordings bringing together players from, on the face of it, different cultural backgrounds, the idea of a fusion between ethnic identities or traditions is less important than the freedom to improvise and experiment. ‘Let’s try it and see what happens’, Brahem recalls producer Manfred Eicher saying when they began recording. As with the three great albums by the trio Codona comprising Don Cherry, Nana Vasconcelos and Collin Walcott, recorded between 1978-82, what results from the meeting is irreducible to the sum of its parts. Garbarek continues to sound implacably himself, with an often harsh, wailing timbre to his instrumental voice, especially on soprano sax. Yet partnered by Brahem’s astonishingly fluid patterns of riffs and cadenza-like ornaments, it can seem as if there’s a new and beguiling middle-eastern quality to Garbarek’s signature sound. […]  The final track, titled ‘Epilogue’, and composed and performed by Brahem, whose Oud here sounds more like a piano, is a beautiful miniature lasting less than a minute but casting a very powerful spell.

Phil Johnson, UK Jazz News

Was für ein außergewöhnliches Zusammentreffen: Jan Garbarek, eine der prägendsten Stimmen des europäischen Jazz und zentraler Protagonist der von ECM entwickelten Ästhetik zwischen Improvisation, Klangraum und Stille; Anouar Brahem, der die Oud aus ihrem primär traditionellen Kontext herausgelöst und zu einem Schlüssel¬instrument zeitgenössischer, grenzüberschreitender Kunstmusik gemacht hat; sowie Ustad Shaukat Hussain, Vertreter jener Generation indischer Tablaspieler, die tief verwurzelte rhythmische Tradition mit höchster improvisatorischer Flexibilität verband. Auf „Madar“ (erstmals 1994 veröffentlicht) begegnen sich diese drei Musiker und schaffen gemeinsam eine Musik, die zuvor und danach in dieser Form nicht existierte. […] In der Gesamtschau erweist sich ‘Madar’ als ein Werk von außergewöhnlicher Nachhaltigkeit. Es gilt zu Recht als einer der zeitlosen Klassiker des Münchener Ausnahme-Labels ECM und wird in der Fachliteratur häufig als Referenzpunkt für gelungene transkulturelle Improvisationsmusik herangezogen. In der aktuellen Wiederveröffentlichung im Rahmen der Luminessence-Reihe tritt diese Qualität erneut deutlich hervor: Die klanglich herausragende Neupressung unterstreicht, wie beispielhaft hier musikalischer Austausch jenseits von Stil- und Herkunftsgrenzen realisiert wird – konzentriert, respektvoll und von seltener, stiller Schönheit.

Sebastian Meißner, Sounds and Books

A French weekly on the album Libro Primo by Rolf Lislevand

Délicates, méditatives, mystérieuses ou volubiles, les irrésistibles toccatas de Johann Hieronimus Kapsberger (1580 – 1651) se suivent sans se ressembler. […] Avec le même son gourmand, généreux et légèrement cuivré, Rolf Lislevand s’autorise surtout à faire ce qui allait de soi pour les luthistes-compositeurs de début du XVIIe siècle:  arranger, transcrire et improviser librement sur des partitions moins pensées pour contraindre les interprètes que pour stimuler leur imagination. Il va jusqu’à inventer et développer, sur la répétition hypnotique de quatre notes descendants, une longue et riche ‘Passacaglaia al modo mio’.

Sophie Bourdais, Télérama

UK reactions to the vinyl-reissue of Zakir Hussain’s Making Music within the Luminessence series

This is quintessential high-quality ECM music, beautifully conceived, executed and recorded.

Barry Witherden, Jazz Journal

The four musicians’ musical conversations create a vibrant cultural confluence, blending intoxicating polyrhythmic South Asian percussion and pastoral flute arabesques with Garbarek’s wailing saxophone lines and McLaughlin’s tasteful, jazz-tinged fretwork. From joyous dance rhythms to becalming meditative soundscapes, the quartet’s interplay is never less than inspired.

Charles Waring, Record Collector