Reviews of the week

The freshly released album Dream Archives by Craig Taborn, Tomeka Reid and Ches Smith thrills US and UK reviewers

We are floating on bodies of sound. They move freely, obscuring borderlines between categories that once loomed like separate land masses: jazz and chamber music; acoustic and electric ensembles; songs and improvised forms. This sensation – purposeful but unbound floating – is not new. Yet for musicians and listeners, the freedom and context it suggests have grown increasingly commonplace, more welcome and fruitful than ever. ‘Dream Archives’, from pianist Craig Taborn’s trio, gives good examples. Mr. Taborn plays spare, rounded notes to begin its opening track, ‘Coordinates for the Absent’. The contours and dimensions of a more definite shape are sketched by lovely bowed tones from Tomeka Reid’s cello, glowing figures from Ches Smith’s vibraphone and electronically produced sounds: hazy halos that whisper of harmony, echoey, percussive clicks; wavering signals like distant radio transmissions. Especially when Mr. Taborn’s chords spill into watery tremolos, all this coheres. In less than six minutes, his group crafts no specific musical form but rather a well-defined drama. […] In solo performances, Mr. Taborn sometimes dissolves his music into glorious and otherworldly overtones without losing its momentum. With this trio, he deepens his investment in finely tuned blends of acoustic and electronic sounds.

Larry Blumenfeld, The Wall Street Journal

Craig Taborn, as represented on ‘Dream Archives’, may be one of our most consistently inventive and versatile American musicians. His art is omnivorous. Born in 1970, forms like jazz fusion, electronic music, avant-garde improvisation, and a deep schooling in theory (bebop and beyond) are coded into him from the start. He doesn’t really sew these things together in his art; he creates music that emerges from these forms as an organic whole… His music […] has rarely been more elevated and refined, and, if your mind is open to it, more exciting.

Will Layman, Pop Matters

Taborn, a brilliant pianist, delivers here a set of compositions that, sans accompaniment, would feel somewhere between the imagistic work of Chopin, the bold and invigorating works of Stravinsky before breaking into beautiful solos over some truly and delightfully bizarre chord choices. It’s the rhythm section of Tomeka Reid and Ches Smith that are the most resolutely jazz element of the material here, cooking and swinging even when the piano becomes more an architectural scaffolding than the robust fiery dance of jazz. […] The album is just six long compositions over a 50-minute span, certainly appealing to the idea of orchestral composition approached by jazz players. Let’s look at some of the titles: ‘Coordinates for the Absent,’ ‘Feeding Maps to the Fire,’ ‘Dream Archive.’ There is a strong element of the literary to these framings of the pieces; there’s certainly a greater sense of deliberateness to these titles than, say, naming something ‘September’ or ‘Wind’ or something simple like that; my supposed connection to Reed’s novel comes largely from this literary heft to the work. This matches well the programmatic feel of these pieces, which use both structured and improvisational sections to paint stories with moving pieces and transformations over time, eschewing heads and solos for something you could just as easily imagine being group improvised as you could fully scored out. ‘Dream Archive’ gives us a brilliant start to the world of jazz in 2026 and a commanding bar for future combos and composers to beat. It is as invigorating intellectual as it is moving and organic.

Langdon Hickman, Treblezine

Once again it appears that Manfred Eicher is just the right producer able to capture Taborn’s ever evolving music at just the right moment in time. From the duo with fellow pianist Vijay Iyer and the greatly contrasting solo album ‘Shadow Plays’ and ‘Avenging Angel’ to ‘Chants’ in the classic piano trio format with Thomas Morgan and Gerald Cleaver, Taborn has always searched for new things to say and contexts in which to say them. With ‘Dream Archives’ Taborn has once again assembled a trio, but this time with a less conventional line up of broadly speaking, piano, cello and percussion. With subtle use of electronic the tonal palette is widened, although it is the acoustic instruments of the trio that give the depth and substance to the music. If Taborn’s role in any of the music he finds himself performing is never straight forward and prescribed and this is also the case for his colleagues on this aural journey. Cellist Tomeka Reid makes her ECM debut and takes on a demanding role that requires pizzicato and arco playing in equal measures. Reid rises to the challenge with her bowed cello lines on the exquisite ‘Enchant’ deeply moving and her propulsive plucked bass lines on Geri Allen’s ‘When Kabuya Dances’ match the intensity of Taborn’s lithe piano figures and drummer Ches Smith in a fine rendition that swings to a different beat. If tackling a Geri Allen composition seems an unlikely choice of material among four original pieces by Taborn, the pianist takes a inquisitive and exploratory look at Paul Motian’s ‘Mumbo Jumbo’ in which the interplay between the three musicians is brought sharply into focus in a dialogue that is truly absorbing. […] It has become something of a cliche to say that this is an album that reveals more with each hearing, but that is exactly the case here. Melodies that seem buried on first hearing seem to come more to the fore as you become more acquainted with the music. An album that is set to continue to throw up surprises for some considerable time to come.

Nick Lea, Jazz Views

The brand new album While I Was Away by the Julia Hülsmann Octet is welcomed by media in the US, UK and Germany

For such an unusual lineup, the bandleader gathers an eclectic batch of songs for them to perform. Hülsmann sets poems by Emily Dickinson (‘Sleep’), e.e. cummings (‘TicToc’), and Margaret Atwood (‘You Come Back’) to music, covers Ani Difranco (‘Up, Up, Up, Up, Up’) and Brazilian songwriter Zélía Fonseca (‘Coisário De Imagens’), and collaborates with her vocalists on their own pieces. The result is a set of classically-inclined art pop, with memorable melodies, a whimsical attitude, and chamber music atmosphere, though the leader’s solos are always pure jazz. ‘While I Was Away’ is an unexpected and delightful turn from an artist who’s always consistent in quality.

Michael Toland, The Big Take Over

In a significant departure from her previous ECM outings, pianist/composer Julia Hülsmann returns for her latest release with a ‘song-based’ Octet, featuring vocals and strings. A fascinating album, it certainly can’t be pigeon-holed into any specific genre, with it leaning more towards avant-garde pop than it does jazz. There are elements of chamber jazz, neo-classical, folk and art-pop influences throughout, making for a very interesting mix of styles. […] The string writing adds chamber-like elegance, the ensemble playing is consistently high-level, and Hülsmann’s compositional voice remains unshakable.

Mike Gates, UK Vibe

Das neue Album von Julia Hülsmann beginnt mit einem pulsierend-rauschendem Beat, darüber die Violine, die den Start in diese neue Klangwelt herausjauchzt. Man kann nicht anders, als dieser Musik zu folgen. Sie hat Sog, vor allem, wenn die angolanische Sängerin Aline Frazão in diesen fesselnden Reigen einstimmt. Auf dem Album ‘While I Was Away’ sind frische Eigenkompositionen von Julia Hülsmann, einige Fremdkompositionen, die Hülsmann geprägt haben. Oder Kompositionen der Pianistin, die einen Text bekommen haben, wie ‘Sleep’ mit Emily Dickinsons Gedicht ‘Sleep Is Supposed To Be’. Zu den spielfreudigen Instrumentalist:innen gesellen sich drei ausgesprochene Sänger-Charaktere, Michael Schiefel, Aline Frazão und Live Maria Roggen. Ihre Energie gibt den Songs Würze, Zerbrechlichkeit und große Ausdruckskraft. Trotz der Ensemblestärke geht die Freiheit für Improvisationen nicht verloren, sie sind luftig mit Essenz und enden dennoch nicht im experimentellen Chaos.

Julia Spyker, Westdeutscher Rundfunk

Ihre Affinität zur menschlichen Stimme und Gesang hat sich früh gezeigt, wie Kollaborationen mit Rebbeka Bakken, Anna Lauvergnac, Roger Cicero und Theo Bleckmann belegen. Und doch entfaltet sich mit dem Julia Hülsmann Octet nochmals eine ganz neue Facette der inzwischen 57-jährigen Pianistin und Komponistin. Erstens generiert sie in der Instrumentierung mit Eva Kruse (b) und Eva Klesse (dr) sowie mit Héloïse Lefebvre (viol) und Susanne Paul (vc) Schnittmengen aus den Strukturen des klassischen Piano-Trios und des Jazz-Klavier-Trios. Zudem hat sie mit der Norwegerin Live Maria Roggen, der Angolanerin Aline Frazão und dem Deutschen Michael Schiefel drei so unterschiedliche wie außergewöhnliche Stimmen versammelt. […] Nicht nur bei Roggens ‘Felicia’s Song’ liegt hier eine Ahnung von Carla Bleys Geniestreich-Debüt ‘Escalator Over The Hill’ in der Luft. Hülsmanns pianistische Lyrik ist dann oftmals nur noch das berühmte Sahnehäubchen obendrauf.

Harry Schmidt, Jazzthetik

Die drei Sänger und Sängerinnen prägen das Album mit klar unterscheidbaren, sich jedoch ergänzenden Persönlichkeiten. Live Maria Roggen bringt auf Stücken wie ‘Felicia’s Song’ und ‘Moonfish Dance’ eine nordische Erzähldichte ein, die von den elegant verwobenen Linien von Violine und Cello getragen wird. Besonders reizvoll ist der Brückenschlag zwischen Hülsmanns früherem Quartettsound und der neuen Oktettästhetik in ‘Walkside’. Michael Schiefel wiederum verleiht dem Album mit seiner intensiven, musiktheatralischen Präsenz eine zusätzliche dramatische Dimension – etwa in ‘You Come Back’ oder seiner eigenen Ballade ‘Iskele’, die in einer nächtlichen, traumhaften Atmosphäre endet. […] Selbst bei der Neuinterpretation von Ani DiFrancos ‘Up Up…’ bleibt die Musik stets im Fluss, indem Improvisationen zunächst behutsam aus der Songform herauswachsen und sich dann allmählich wieder in sie zurückziehen. Insgesamt überzeugt das Album durch sein fein austariertes Zusammenspiel, seine nachdenkliche Grundhaltung und die reife Selbstverständlichkeit, mit der Julia Hülsmann ihr stetig wachsendes Œuvre um eine weitere, sehr überzeugende Facette bereichert.

Sebastian Meißner, Sounds and Books

The freshly released bass solo album Convergence by Björn Meyer is reviewed in the UK and Germany

Björn Meyer has long been a bassist who has consistently challenged ideas of what his instrument can do, whether anchoring Nik Bärtsch’s Ronin or colouring the subtle worlds of Anouar Brahem. ‘Convergence’, his second solo album for ECM, sees him continuing the path laid out on ‘Provenance’ (2017), refining his approach to solo bass guitar while expanding the palette of sounds and techniques at his disposal. As ever with Meyer, the focus is on texture, space and atmosphere rather than conventional narrative drive. Recorded live in the studio and shaped with effects, delays and reverbs in real time, the music feels carefully placed within its acoustic environment. There’s no doubting the seriousness of intent, nor the depth of thought behind the project. There are moments where his bass sings, hums, clatters and resonates, often suggesting far more than its physical size would imply.

Mike Gates, UK Vibe

Die Bassgitarre dient ihm nicht nur als rhythmisches Fundament, sondern als vollwertiges klanggestaltendes Instrument, das komplexe Texturen, feine Nuancierungen und überraschende Klangfarben hervorbringt. Bemerkenswert ist dabei Meyers ausgeprägtes Gespür für Raum und Resonanz: Jeder Ton scheint bewusst im akustischen Umfeld platziert, jeder Nachhall Teil der musikalischen Aussage. Die Aufnahmen in den traditionsreichen Bavaria Musikstudios in München – einem Ort mit starker Verbindung zur Filmmusik – verleihen dem Album eine fast cineastische Aura, die innere Bilder evoziert und den Hörer in einen kontemplativen Klangraum zieht. Im Vergleich zum Vorgänger tritt Meyer auf ‘Convergence’ noch deutlicher als Melodiker hervor. Viele Stücke wie zum Beispiel das fluide ‘Magnetique’, das lavalampige ‘Gravity’ oder das schwelgerische ‘On Hope’ – besitzen eine gesangliche, beinahe liedhafte Qualität, die dem Album emotionale Tiefe und einen leisen Zug von Melancholie verleiht. Technische Raffinesse wird hier nie zum Selbstzweck, sondern ist stets in den Dienst einer klaren musikalischen Dramaturgie gestellt. Das Resultat ist ein Werk, das in sich geschlossen wirkt und weit über den Status einer virtuosen Demonstration hinausgeht. Meyers Bass ‘singt’ tatsächlich – und zwar mit einer Ausdruckskraft, die man sonst eher höheren Instrumenten zuschreibt. Zentral für den Charakter des Albums ist die Art seiner Entstehung: ‘Convergence’ wurde vollständig live im Studio realisiert. Effekte wie Delays, Hallräume und elektronische Modulationen sind nicht nachträglich hinzugefügt, sondern integraler Bestandteil des Spiels, im Moment geformt und gesteuert. Das Repertoire ist über Jahre gewachsen, gespeist aus intensiver Solokonzertpraxis, aus neuen Ideen, zufälligen Entdeckungen und stetiger klanglicher Forschung. Diese langfristige Entwicklung verleiht dem Album eine spürbare Reife und Kohärenz – als bündelten sich die Erfahrungen der letzten Jahre zu einem gemeinsamen Brennpunkt.

Sebastian Meißner, Sounds and Books

An Austrian reaction to the new album Off Stillness by Thomas Strønen’s Group Time Is A Blind Guide

Das akustische Band-Projekt Time Is A Blind Guide des vielbeschäftigten norwegischen Drummers, Perkussionisten und Komponisten Thomas Strønen liefert nun – nach dem selbstbetitelten Debütalbum (2015) und ‘Lucus’ (2018) – zum dritten Mal ein akkurates Gegenmittel zur leicht konsumierbaren, plakativen akustischen Dauerberieselungs-Welt, die nur den Zweck erfüllt, die für viele nicht mehr aushaltbare Stille zu vermeiden. ‘Off Stillness’ erfordert einen ruhigen Ort, reichlich zur Verfügung stehende Zeit und ein hohes Maß an Konzentration, um in den vollen Genuss der sensiblen Interaktionen, der klanglichen Feinheiten und des reizvoll miteinander verzahnten Gefüges aus Komposition und Improvisation zu kommen. Es lohnt sich! […] Mit der jungen japanischen Pianistin Ayumi Tanaka, die nach dem ersten Album Kit Downes ersetzte und mit der er mittlerweile auch das Trio-Album ‘Bayou’ mit Marthe Lea (2021) aufgenommen hat, verbindet ihn ein blindes Einverständnis. Manchmal bilden sie eine Art Counterpart zu den drei Streichern Håkon Aase an der Violine, Leo Svensson Sander am Cello (er ersetzt Lucy Railton) und Ole Morten Vågan am Kontrabass, meistens gehen sie aber zu fünft auf musikalische Entdeckungsreise. Etwa gleich beim Opener ‘Memories of Paul’ – eine doppelte Hommage an Bley und Motian – entwickeln sich im Dialog von Piano und Schlagzeug eigentümliche Spannungsbögen, die von den Streichern mit kleinen Glanzlichtern umrahmt werden. […] Dieses auf unaufdringliche Weise mit einer Unmenge an Details gespickte Album mag anfangs vielleicht nicht für jede:n so leicht zugänglich sein, aber mit jedem Hördurchgang erschließen sich neue reizvolle Aspekte – ein potentielles Langzeitvergnügen für all jene, die musikalisch Herauforderndem gerne auf den Grund gehen wollen.

Peter Füssl, Zeitschrift für Kultur und Gesellschaft

A German music monthly on the album Sun Triptych with works by Dobrinka Tabakova

In Dobrinka Tabakovas Musik, die auf diesem Profilalbum – dem zweiten bei ECM – versammelt ist, spiegeln sich viele Einflüsse: Da hört man in der ‘Suite in Jazz Style’ für Viola und Klavier einen unwiderstehlich ‘jazzigen’ Walking Bass, in ‘Sun Tryptich’ für Violine, Violocello und Streicher Anklänge an die Minimal Music, Volksmusikalisches mit Einsatz einer Drehleier in ‘Spanning a Yarn’ oder auch Anleihen bei der Alten Musik in ‘Organum Light’ für Streichorchester. Über allem steht das Bekenntnis der in London lebenden Bulgarin zu Tonalität und einpägsamem Melos – Parameter, die in den Orchesterwerken teils in eine an Ambient Music erinnernden Stilistik verpackt sind. […] Tabakova schart mit Maxim Rysanov, Kristina Blaumane und Roman Mints Interpreten um sich, die teils schon auf ihrem ersten ECM-Album zu hören waren. Dass sie ihrer Musik zugetan sind und ihr den Liebesdienst erweisen, den sie verdient, ist in jedem Takt spürbar.

Andreas Friesenhagen, Fono Forum

The re-issue of Gary Peacock and Ralph Towner’s duo recording Oracle within the Luminessence series

There are certain ECM recordings that feel less like albums and more like quiet conversations preserved in amber. ‘Oracle’, the 1993 duo session between double bassist Gary Peacock and guitarist Ralph Towner, is one such work. Now reissued for the first time on vinyl as part of ECM’s beautifully curated Luminessence series, it returns not merely as a historical artefact, but as a living, breathing reminder of a rare musical empathy. In light of Ralph Towner’s recent passing, this reissue also takes on the weight of a fond farewell – an opportunity for us all to reflect on a life devoted to sound, space and deeply considered beauty. […] What made Ralph Towner such a singular artist was his refusal to be contained by genre. Born in Washington State in 1940, trained in classical piano and composition, he absorbed jazz, folk, world music and European classical traditions into a language that was unmistakably his own. Through Oregon, his solo recordings, and countless ECM collaborations, Towner expanded the role of the guitar, treating it as an orchestral instrument capable of both intimacy and vastness. His music valued subtlety as much as exploration, reflection as much as motion. Listening back to ‘Oracle’ now, that ethos feels especially poignant. There is wisdom here, but also vulnerability; an acceptance of impermanence woven gently into the music’s fabric. Peacock and Towner don’t seek resolution so much as understanding. Each piece feels like a question posed softly, then left hanging. The Luminessence reissue does this music full justice. Pressed on vinyl for the first time, housed in a tip-on gatefold sleeve with session photography, it invites the kind of unhurried listening this album demands. In an era of instant access and fleeting attention, ‘Oracle’ asks us to slow down, to lean in, and to listen deeply. With Gary Peacock also now gone, ‘Oracle’ stands as a testament to two artists who believed in dialogue over display, meaning over momentum. As a tribute to Ralph Towner, it feels entirely fitting: thoughtful, quietly radiant, and endlessly resonant. A masterpiece, then and now, from two master musicians whose music will forever be cherished.

Mike Gates, UK Vibe

The vinyl-reissue of Zakir Hussain’s Making Music within the Luminessence series impresses a German reviewer

Hier ist der Name Programm: Die Sessions des inidischen Tablameisters und Percussionisten Hussain samt Flötisten von ebendort mit dem der Musik des Subkontinents ohnehin zugetanen Gitarristen John McLaughlin und Jan Garbarek, der einmal mehr am Tenor- wie Sopransaxofon brilliert, 1986 in den Osloer Rainbow Studios waren Sternstunden. Die vier musizieren in einer Geschlossenheit, als ob sie nie etwas anderes getan hätten. Eingängige Melodik mit wunderschönen lyrischen Momenten gesellt sich bruchlos zu treibender Rhythmik.

Matthias Böde, Stereo