Reviews of the week

The album Dream Archives by Craig Taborn, Tomeka Reid and Ches Smith is hailed by US, UK and Italian media

Taborn’s writing is always superb, full of rhythmic potential and timbral color. But it’s how easily and completely Reid and Smith connect with Taborn’s music that makes this shine. Not to mention the magical take on Geri Allen’s ‘When Kabuya Dances’.

J.D. Considine, Downbeat

Having appeared in a variety of contexts over the years, from solo to orchestra and all points in between, pianist Craig Taborn, cellist Reid and drummer Smith are prime candidates to produce music that challenges the notion of what a trio might sound like. While there are only three players involved, the immense sonic range as well as the expressive and emotional depth of the music alternately suggests the solemn intimacy of a chamber ensemble as well as the crisp, hard-edged drive of a percussion troupe. […] Reprises of Paul Motian’s ‘Mumbo Jumbo’ and Geri Allen’s ‘When Kabuya Dances’ are very tastefully done as the trio stamps its own distinctive character on such already distinctive material. The blend of slivery piano chords, wry cello pizzicato and sparse but impactful drum fills is captivating at times, and well enhanced by the most eerie electronics, which are like an ambiguous animal orchestra. Exactly what the listener is hearing is not clear. The mystery is irresistible.

Kevin Le Gendre, Jazzwise

Taborn alterna armonie apertissime, scorci impressionistici, brevi riff carichi di energia. Reid apre qua e là struggenti parentesi melodiche, ma più spesso aggredisce le corde e fa sbocciare sinistri presagi, provvedendo nel frattempo a pizzicare le note basse. Dal canto suo la batteria di Smith non si preoccupa di tenere tutto assieme, ma partecipa attivamente alla creazione di fantasie indefinite. Ne nasce un disco complesso ma stimolante, dai profili labili e cangianti, in cui l’approccio generale privilegia l’astrazione e la capacità di creare situazioni musicali sempre nuove.

Pietro Cozzi, Mescalina

A US reaction to the album Off Stillness by Thomas Strønen’s group Time Is A Blind Guide

Since making its debut a decade ago, the personnel for Thomas Strønen’s quintet Time Is A Blind Guide has often changed, but the ensemble has never altered its unique instrumentation, a trio of stringed instruments in a dance with piano and the leader’s drums. The timbre affords a striking mix of folk, contemporary music and ruminative post-bop, but in the leader’s agile hands the music always feels of a piece, a hybrid approach that foments a delicate tension without a whiff of postmodern coyness. The brooding opening ballad ‘Memories of Paul’ evokes the introspective rumble of two Pauls, drummer Motian and pianist Bley, a kind of levitating meditation opening with the quietly chattering strings of  cellist Leo Svensson Sander and violinist Håkon Aase whispering over skeins of elegiac piano and weightless yet frictive drumming. […] The closing track is a two-part construction, with the gentle, contemplative probing of the first half giving way to something more turbulent and forceful, all of it emitting a lovely lyricism.

Peter Margasak, Downbeat

In einem mühelos Ideen leitenden Fluidum bewegen sich Ayumi Tanaka (Klavier), Ole M. Vågan (Bass), Håkon Aase (Violine), Leo S. Sander (Cello) als Time Is A Blind Guide. Diese vom norwegischen Schlagzeuger und Komponisten Thomas Strønen geleitete Konstellation widmet sich delikaten Klängen, von ‘Memories Of Paul’ (Motian & Bley) paradigmatisch inspiriert. Frei assoziativ formen sich Klavier-Schnipsel und Melodiefragmente der Violine, die kein Accessoire, sondern integrales Kolorit sind, zu dynamisch subtilen Figurationen. Elegant swingende Rhythmen und temporäre Unisono-Passagen von Bass und Violine geben den ‘Season’-Sounds spontane Kraft. […] Poesie und Expression sind in diesem Quintett bestens balanciert.

Hans-Dieter Grünefeld, Neue MusikZeitung

Italian and Austrian reactions to the album While I Was Away by the Julia Hülsmann Octet

Il pianismo è asciutto, mai compiaciuto, eppure capace di una dolcezza che arriva senza bisogno di alzare la voce. Le melodie si muovono come linee sottili che si intrecciano e si sciolgono, mentre il quartetto che accompagna Hülsmann mantiene un equilibrio quasi telepatico. Non c’è nulla di superfluo, la musica procede per sottrazione, lasciando emergere un senso di vulnerabilità controllata.

Raffaello Carabini, Spettakolo

Jazz, Pop, Kammermusik und Poesie zu amalgamieren, kann ganz schön schiefgehen. Julia Hülsmann umschifft die Untiefen des Geschmäcklerischen und Prätentiösen souverän. Ihr Klaviertrio erweitert sie hier um Violine, Cello und drei Vokalistinnen (aus Deutschland, Angola und Norwegen); Gedichte von Emily Dickinson und E.E. Cummings werden ebenso gecovert wie ein Song der US-Anti-Folk-Chanteuse Ani DiFranco – und das mit Verve, Leichtigkeit und Eleganz.

Klaus Nüchtern, Falter

A German magazine on the re-issue of Gary Peacock and Ralph Towner’s duo recording Oracle within the Luminessence series

Peacock am akustischen Bass und Towner an der klassischen wie zwölfsaitigen Gitarre – beide Meister auf ihren Instrumenten sowie dank vielfältigen Zusammenspiels  aufeinander eingestellt – liefern inspirierte Duette zwischen  Komposition und Improvisation, doch stets am musikalischen roten Faden orientiert.

Matthias Böde, Stereo

The vinyl-re-issue of the album Madar by Jan Garbarek and Anouar Brahem within the Luminessence series is reviewed in an Austrian magazine

Jan Garbarek, Anouar Brahem und Shaukat Hussain treffen sich 1992 im Rainbow Studio in Oslo nicht als Repräsentanten von Traditionen, sondern als Musiker mit offenem Ohr für einander. Brahem steuert den Großteil des Materials bei. Garbarek setzt mit zwei norwegischen Volkslied-Bearbeitungen markante Akzente, allen voran das lange, faszinierend kreisende ‘Sull Lull’. Nicht alle drei sind ständig gemeinsam zu hören, Duo- und Solo-Passagen durchziehen das Album und geben der Musik Raum zum Atmen. Garbareks Sopran bleibt unverkennbar, mit seinem rauen, klagenden Ton, gewinnt im Zusammenspiel mit Brahems Oud jedoch eine zusätzliche, fast schwebende Farbe. Hussains Tabla-Arbeit sorgt dabei weniger für rhythmische Erdung als für stetige Bewegung, besonders in den längeren Stücken, die sich hypnotisch entfalten. Der Titeltrack ‘Madar’ wirkt dagegen zurückgenommen und konzentriert, bevor Brahem mit dem kurzen ‘Epilogue’ einen stillen, beinahe zeitlosen Schlusspunkt setzt.

Martin Seidel, Concerto