Reviews of the week

The brand new album Patternmaster by the Mark Turner Quartet is welcomed by US, UK and German media

This is one of the best bands currently working for ECM, and a band that has a strong direction and concept. The bounce of the title track is infectious. ‘Trece Ocho’ has a delight ful swagger. Pinson’s drums and cymbals are recorded to perfection, just listen to ‘The Happiest Man on Earth’. Bassist Joe Martin and drummer Jonathan Pinson are a playful pairing, and trumpeter Jason Palmer and Turner weave in-between, over, and under, Martin and Pinson’s intertwined lines. […] But it is Turner’s compositions and the various moods they set, that are the real stars here. When a band is given such strong material with such strong a concept, it is hard to go wrong. And there isn’t a wrong turn on this whole recording.

Mark Griffith, Modern Drummer

With such tight and intricate themes and arrangements the term chamber jazz immediately springs to mind, but the music has much more to offer. There is such an empathy within the quartet that Turner and trumpeter Jason Palmer can weave ever more complex improvised lines knowing that they are supported every step of the way by bassist Joe Martin and Jonathan Pinson on drums. The continuity in the approach of the music written for the quartet is apparent when listening to ‘The Happiest Man on Earth’ sharing as it does rhythmic motifs and rhythmic devices that were part of the fabric of ‘Lincoln Heights’ from the earlier album. It is this idea of the saxophionist that if something works then stick with it. In lesser hands such an approach can lead to a sameness in the music, but Turner uses such methods not to recreate but to create and is able to borrow elements and ideas from his own compositions and redefining them within new pieces. These new pieces offer up new surprises in ‘Lehman’s Lair’ that a memorable melody, rhythmic drive and a fascinating arrangement for saxophone and trumpet and the exceptional ‘Trece Ocho’ introduced by Joe Martin and beautifully developed by Turner and Palmer over the bass pattern and drums laid down for them. […]  Turner’s tenure with ECM has resulted in some of his finest music, and this new release continues the forward momentum and search that is his trademark, and certainly does not disappoint.

Nick Lea, Jazz Views

Seit geraumer Zeit bevorzugt Mark Turner Formationen ohne Klavier. Denn das Fehlen eines Harmonieinstruments gibt ihm mehr Raum für seine schwebende Chromatik, seine lyrischen Kapriolen, seine ganz unreißerische Abenteuerlust am Saxofon. Er sagt, der Verzicht auf Klavierakkorde bedeute einen ‘betörenden, erhöhten Sinn von Freiheit, Verantwortung und Nacktheit.’ Auch das neue Album ‘Patternmaster’ kommt ohne Harmonieinstrument aus. Turners Band ist erneut ein Quartett mit zwei Bläsern, Bass und Schlagzeug – dasselbe Personal wie auf dem Vorgänger ‘Return from the Stars’ von 2022. Auch Turners Bläserpartner, der wunderbare Trompeter Jason Palmer, liebt auf seinem Instrument das unaggressive, abstrakte Mäandern, die harmonische Offenheit, das Luftige und Verspielte. […] Entsprechend interessant und komplex klingen die Kompositionen auf dem neuen Album. Die Themenköpfe bestehen aus gegensätzlichen Passagen und dauern häufig drei Minuten oder länger. Da wechseln die Rhythmen und Tempi, auf Legato-Teile folgen Stakkato-Teile, auf einen Walzer eine freie Time. Es gibt ausholende, abstrakte Motive oder lange, schnelle Linien. Es gibt pulsierende oder minimalistische Abschnitte. Es gibt imitierende oder gegenläufige Stimmen.

Hans-Jürgen Schaal, Jazzthetik

Um es klar zu stellen, ‘Patternmaster’ ist alles andere als Retro-Musik! Doch so elegant, wie der US-amerikanische Jazz-Saxophonist die Themen aus der Hochzeit der Jazzmusik in seine Kompositionen einfließen liess und dabei trotzdem seine ganz eigene künstlerische Sprache ausgefeilt hat, das ist schon genial – und zeitlos zugleich. Wie wunderbar ist es anzuhören, wenn Saxofon und Trompete im Gleichklang eine Melodie ausformen, während Martin und Pinson sich rhythmisch mit den Bläsern verflechten. Und wie sie aus einem entspannten Groove in spannende Improvisationen übergehen, dabei die Tonart wechseln – das hat schon eine Klasse, wie man sie eben von den ganz großen Namen der Jazzmusik kennt. Beeindruckend ist dabei, dass das sowohl Anklänge an Cool wie an feurigen Bebop zu vernehmen sind und das Ganze doch in absolut zeitgenössischem Gewand integriert ist.

Manfred Krug, Vinyl Fan

The album Dream Archives by Craig Taborn, Tomeka Reid and Ches Smith is recommended in a German hi fi magazine

In spektakulären Improvisationen, in denen sich Post Bop, Avantgarde Jazz und Neue Musik, aber auch subtile elektronische Elemente verbinden, steckt wie in dem Thema ‘Feeding Maps To The Fire’ ein faszinierendes Formbewusstsein. Sein hochkarätig besetztes Trio mit der Cellistin Tomeka Reid und dem Drummer/Vibrafonisten Ches Smith, beide Leader eigener Bands, vollendet wie in einem Thema der Pianistin Geri Allen, ‘When Kabuya Dances’ Taborns Konzeption mit originllen melodischen Entsprechungen. Ein Meisterwerk!

Gerd Filtgen, Stereo

A German reviewer on the duo recording Topos by Sokratis Sinopoulos and Yann Keerim

Balkan-Folklore ist ein musikalisches Sediment, das Béla Bartók sammelte und in eigenen Zyklen bewahrte. Aus diesem Fundus haben Sokratis Sinopoulos und Yann Keerim in Erweiterung ihres griechischen ‘Topos’ (Heimat) die ‘Rumänischen Volkstänze’ gewählt und in Duo-Arrangements für Lyra (antikes Saiteninstrument) und Klavier rekomponiert. Wobei die nicht-temperierte Lyra-Stimmung, sowohl con arco als auch pizzicato, in einen pikanten Kontrast zum Klavier kommt. Oft in kontemplativem Modus, dominieren weiche Rhythmen zu delikat phrasierten Melismen, pianistische Jazz-Extempores inklusive. Diese sensiblen Bartók-Adaptionen sind exzellent gelungen.

Hans-Dieter Grünefeld, Neue MusikZeitung

The piano solo recording Skrifum by Jon Balke is recommended in a US magazine

This supremely relaxing and contemplative album sees long-term ECM stalwart Balke performing a set of solo piano improvisations – well, almost, as he also brings into play the Spektrafon, co-developed by the pianist and Norwegian Academy of Music technology professor Anders Tveit. This enables the pianist to work in real time to create and manipulate ambient sound within his piano improvisations, meaning the sometimes slightly unworldly sound is nevertheless much more organic than some other combinations of acoustic end electronic instrumentation. Rather than having two components at work here, the sound simply extends harmonies and overtones to shade the tone of the piano, sometimes ringing like a bell resonating sympathetically, at other times providing  a mysterious ambience that’s highly effective, near-hypnotic and curiously fascinating.

Andrew Everard, HiFi News (‘Album choice’)

The bass solo recording Convergence by Björn Meyer thrills Italian reviewers

‘Convergence’ sembra collocarsi in quel punto fragile in cui la musica smette di voler dimostrare qualcosa e accetta, con una forma di malinconica lucidità, il proprio statuto e il conseguente limite di pensiero. È un album che guarda anche all’indietro non solo per citazioni, ma soprattutto per memoria. Sembra lavorare sul ricordo di un tempo in cui l’ascolto era un atto lento, quasi sacro. Meyer interroga la propria voce consapevole di come essa faccia parte di un linguaggio più antico, la cui origine si perde nella notte dei tempi o in quegli spazi lontani, da lui evocati e dai quali forse tutti noi proveniamo. Ne nasce un’opera che richiede una forma di attenzione rara, oggi purtroppo quasi inattuale. Ma per me, ad ogni modo, rappresenta la prima bella sorpresa del 2026.

Riccardo Talamazzi, Off Topic Magazine

‘Convergence’ è una meditazione sul suono come spazio, sul basso elettrico come architettura, sul silenzio come materia viva, sulla poesia come canto. […] Un album intenso e sottile, che si muove in un ambito in cui i riflessi di libere improvvisazioni si decantano dentro sound ora appeso a chissà quali fili ora elegante e dandy, ora inquieto come un soriano costretto ad attraversare un’autostrada ora malinconico e mite. Una scrittura intelligente e ricca di input, che si sviluppa in contesti di diverso peso, sempre arditi melodicamente e armonicamente, nei quali il bassista trova, grazie alla purezza del gesto e alla verità del timbro (mai alla sola documentazione della propria abilità strumentale), la possibilità di costruire mondi con pochissimi elementi. Mondi umani e poetici.

Raffaello Carabini, Spettakolo

A US reaction to the album Off Stillness by Thomas Strønen’s group Time Is A Blind Guide

Opening with the pulsating lyricism of ‘memories of Paul’ (as in Bley and Motian), TIABG’s 41-minute, seven-track third album is mixed and mastered with crystalline clarity that turns listening into contemplative strolls through shimmering woods, consistent with such Strønen titles as ‘Season’, ‘Fall’ and ‘In Awe of Stillness’. Fixed meters yield to explorations of space, silence, and carefully juxtaposed timbres. Tanaka and Aase feature prominently in melodic exposition, but the finely balanced harmonies and dissonances, the sharp rhythmic interplay on ‘Cubism’, and the percussive improvisation on ‘Dismissed’ owe to the entire quintet’s self-awareness.

DR, The Absolute Sound

Austrian reactions to the album While I Was Away by the Julia Hülsmann Octet

Nach vielbeachteten Quartettaufnahmen für ECM – zuletzt ‚Under The Surface‘ (2025) – schlägt die aus Bonn stammende und in Berlin lebende Pianistin und Komponistin Julia Hülsmann mit ‚While I Was Away‘ für sich ein neues Kapitel auf: Für die Aufnahme gründete sie ein prominent und international besetztes Oktett, für das sie die Besetzung eines Jazzklaviertrios (Piano, Bass, Schlagzeug) mit der eines klassisch-romantischen Klaviertrios (Piano, Violine, Cello) kombiniert. Dazu kommen mit dem Deutschen Michael Schiefel, der aus Luanda, Angola, stammenden Aline Frazão und der Norwegerin Live Maria Roggen drei distinkte Gesangsstimmen. Das Repertoire ist ein ebenso vielfältiges: Neben Eigenkompositionen, in denen Julia Hülsmann Texte u. a. von E. E. Cummings und Emily Dickinson vertont, stehen Stücke der brasilianischen Sänger-Gitarristin Zélia Fonseca und der US-amerikanischen Pop-Ikone Ani DiFranco auf dem Programm. Auch Live Maria Roggen und Michael Schiefel steuern Kompositionen bei. Ein starkes, eigenwilliges musikalisches Statement von Julia Hülsmann!

Andreas Felber, Österreichischer Rundfunk

Selbst für viele ihrer eingeschworenen Fans dürfte Julia Hülsmann mit ihrem insgesamt fünfzehnten (bzw. zehnten bei ECM erscheinenden) Album Neuland betreten, denn dieses exzellente Oktett ist zwar schon seit rund einem Jahrzehnt immer wieder zu besonderen Anlässen live zu hören gewesen, nun aber erstmals via Musikkonserve auch einem breiteren Publikum zugänglich. So ist es wenig verwunderlich, dass die acht Musiker:innen bereits beim Debütalbum bestens aufeinander eingespielt sind und mit einem makellosen Gruppenklang brillieren. Die Vorliebe der Pianistin und Komponistin für eingängige Melodien, moderne Lyrik und starke Songs ist legendär und hat schon großartige Produktionen hervorgebracht […] Die besonderen Vorzüge der in Berlin lebenden und an der Universität der Künste unterrichtenden Pianistin und Komponistin kommen nun eindrucksvoll auch im Großformat zur Geltung. Hülsmann ist das alle Fäden ziehende Bindeglied in der Kombination eines klassischen Kammermusik-Trios (Héloïse Lefebvre, Violine; Susanne Paul, Cello) mit einem Jazz-Trio (Eva Kruse, Kontrabass; Eva Klesse, Drums) und drei Vokalist:innen, die alle ihre unterschiedlichen ethnischen und musikalischen Wurzeln zur Wirkung bringen können. […] In einzelnen Stücken bündeln die Vokalist:innen ihre Stimmen, etwa in Hülsmanns stilgerecht wie von einem Uhrwerk angetriebener Vertonung des E. E. Cummings-Gedichts ‘TicToc’, das mit eindringlichen Spoken-Word-Passagen verblüfft. Die Pianistin ist auch bekannt für ihre spannenden Cover-Versionen von Pop/Rock-Songs, etwa von David Bowie, Feist, Radiohead, Seal, Sting, Nick Drake oder Randy Newman. Für das Octet hat sie nun mit ‘Up, Up, Up, Up, Up, Up’ einen typischen Song der aus Buffalo stammenden, in der gesellschaftskritischen (Anti-)Folk- und Indie-Rock-Szene bekannt gewordenen Singer-Songwriterin Ani DiFranco arrangiert – mit Michael Schiefel als die Dringlichkeit des Textes ausdrucksstark vermittelnden Lead-Sänger. Auch dieser Song aus dem Jahr 1999 fügt sich perfekt in dieses ungemein bunte und vielschichtige, von unterschiedlichsten Einflüssen geprägte musikalische Konglomerat ein, das dennoch absolut stimmig und wie aus einem Guss wirkt.

Peter Füssl, Zeitschrift für Kultur und Gesellschaft

A German music magazine on the re-issue of Gary Peacock and Ralph Towner’s duo recording Oracle within the Luminessence series

Im Kontrast zu Peacocks Spiel kommt der glasklare Sound von Towners klassischer bzw. zwölfsaitiger Gitarre, der eher an Klassik und American Folk als am Jazz geschult ist, umso besser zur Geltung. Das Album von 1994 klingt auch drei Jahrzehnte nach seiner Erstveröffentlichung noch so frisch, neu, spontan und überraschend, als wäre es der Quell, aus dem alle Musik entstanden ist und zu dem sie unweigerlich wieder zurückfließt.

Wolf Kampmann, Eclipsed

The album Cellular Songs by Meredith Monk is reviewed in German music paper

‘Cellular Songs’ ist ein interdisziplinäres Projekt, ein Bühnenstück, wie Fotos im Booklet zeigen, das gleichwohl auch als Musik allein funktioniert. Monk will es als Gegengift gegen die dystopischen Zustände in den heutigen USA verstanden wissen: nicht in Form von Protest, sondern als Einkehr, Besinnung, auf werte wie Kooperation und Freundlichkeit. Wie eine Zelle bereits alles enthält, was ein Lebewesen ausmacht, aber nur zusammen mit allen anderen einen Körper bildet, so sieht die Musikerin den Menschen als Teil der Gesellschaft. Ihre ‘Cellular Songs’ sind solche Zellen, Teile eines größeren ganzen, reduziert auf die musikalischen Grundbausteine Ton, Klang, Stimme, Rhythmus, die Monk zu einer Art von Klangskulpturen aufschichtet, die eher im Raum zu stehen als sich in der Zeit zu entwickeln scheinen. […] Das Hineinhören in die stehenden Klänge oder repetierten Tonfolgen eröffnet Assoziationsräume: ‘Cell Trio I’ erinnert an die polyphone Musik der zentralafrikanischen Aaka, ‘Branching’ an Gesänge der nordamerikanischen Ersteinwohner. All dies können nur Hinweise sein auf etwas, das sich der Beschreibung entzieht, etwas Unaussprechliches, wie Monk selbst schreibt, auf das nur angespielt werden, das nur flüchtig erfasst werden kann.

Dietrich Heißenbüttel, Neue Zeitschrift für Musik (Five stars)