UK and Italian media welcome the freshly released album Thee They Thy by Judith Berkson with Trevor Dunn and Gerald Cleaver
A strangely compelling and often beautiful album from pianist and vocalist Berkson. It has been nearly 16 years since her ECM debut ‘Oylam’, a solo recording on which Berkson was featured on a variety of keyboards including Hammond, Wurlitzer and Fender Rhodes and voice. Feeling that the possibility of a trio album would bring out new facets of both her playing and songwriting, Judith Berkson sought out those who she felt might be the ‘right people’ to bring her concept to fruition. In bassist Trevor Dunn and drummer Gerald Cleaver she does indeed seem to have found the right people, and the trio knit together in a remarkable manner giving the often quirky and ambiguous nature of the compositions. […] but it is how the trio interact with each other and the original pieces by Berkson where the real meat and drink of the album are found. Berkson is a fearless composer and improviser who is not afraid to incorporate jazz, minimalism, avant garde, cantorial composition and through composed pieces that all have her own idiosyncratic style embedded within. […] Berkson sees the trio as a natural extension of her earlier solo recording for ECM and listening to both once again it is difficult to dispute this statement. As with ‘Oylam’, this is music that lives and breathes with you, and for the patient listener will reveal more and continue to delight with each new hearing.
Nick Lea, Jazz Views
It’s an intriguing, often compelling listen – one that resists easy categorisation, drawing equally from jazz, song tradition, and the avant-garde. At times, it even evokes the more exploratory singer-songwriters of the 1970s, yet Berkson’s voice remains distinctly her own. Following the conceptual groundwork laid by her earlier album ‘Oylam’, Berkson expands her idiosyncratic approach into a trio setting with Trevor Dunn on double bass and Gerald Cleaver on drums. The result is a fluid, shape-shifting programme where composed material, improvisation, and vocal experimentation coexist in uneasy but fascinating balance. […] Improvisation plays a central role throughout. ‘Torque’ hints at serial techniques while remaining intuitive rather than academic, and the title track feels like a playful deconstruction of jazz vocalising, blurring the line between homage and parody. There’s a postmodern sensibility at work here – ideas are referenced, displaced, and reassembled – but never with cold detachment. Instead, there’s a palpable sense of risk, even vulnerability. […] Perhaps the most striking departure comes with ‘V’shamru’, where Berkson draws on her experience as a cantor. The piece carries a raw emotional weight, her voice soaring over the trio’s sensitive accompaniment, and stands out as one of the album’s most immediate and affecting tracks.
Mike Gates, UK Vibe
From ‘Torque’s avant-garde shifts to ‘Thee They Thy’s spiky staccato and jerky vamps and ‘Amerika’s pensive Satie-like introspection, Berkson’s creations are highly unconventional, distinguished by her pliant, resonant voice and inimitable command of tone.
Andy Cowan, Mojo
Il resto del cd sfida ogni classificazione, oscillando tra minimalismo vocale, canto devozionale, sperimentazione microtonale, parodia dello scat e intenzione radicale. Così ciò che colpisce davvero è la coerenza emotiva del progetto, che, nonostante la complessità, mantiene una tensione interna che non si spezza mai e un senso di bellezza che non si lascia afferrare. È come seguire un sottilissimo filo di Arianna attraverso il labirinto del suono/rumore quotidiano: non sai dove ti porterà, ma senti che non si interromperà.
Raffaello Carabini, Spettakolo
A German reaction to the album Mountain Call by Miroslav Vitous
Vitous ist kein klassischer Jazz-Bassist, sondern vor allem ein unbekümmerter und ungemein freigeistiger Improvisator, der sich ganz selbstverständlich durch verschiedene Stile und Konstellationen bewegt. Einen bestechenden Beweis für diese Beschreibung liefert das hier vorliegende Album. ‚Mountain Call‘ – das erste ECM-Album als Bandleader seit mehr als zehn Jahren – ist eine Sammlung von Aufnahmen aus den Jahren 2003 bis 2010 und beinhaltet insgesamt 18 Stücke, die unterschiedlicher kaum sein könnten. Mal im Duett mit Klarinettist Michel Portal oder alleine mit Schlagzeuger Jack DeJohnette, dann im Trio mit beiden samt Streicherensemble des Czech National Symphony Orchestra (die er hier dirigiert) und Gastsängerin Esperanza Spalding: Vitous nutzt in diesen Stücken höchst unterschiedliche Zugänge zu und Perspektiven auf Musik, um seine Mitteilungen zu adressieren. In den Stücken mit Portal zeigt er sich von seiner spielsensiblen und spitzfindigen Seite. Er zupft, schlägt und dehnt die Saiten und erzeugt so Resonanz-, Nähr- und doppelte Böden für die Klarinette. Miroslav Vitous reagiert in wenigen Bruchteilen von Sekunden auf das Gehörte, spaziert synchron zu ihm und schweift hin und wieder elegant von ihm ab, nur um am Ende wieder im Gleichschritt zu tanzen. Im zweieinhalbminütigen ‚Tribal Dance‘ an der Seite von DeJohnette spielt Vitous dann ganz anders. Hier ist er kraftvoller Sparringspartner, der fintenreich und harmonieunbedürftig sein Gegenüber vor sich hertreibt. Die große Besonderheit dieser Veröffentlichung aber ist die dreiteilige Mini-Suite ‚Evolution‘ mit dem Orchester. Miroslav Vitous glänzt hier vor allem als Komponist und Arrangeur. Die mächtig dramatischen Orchesterpassagen bilden einen beeindruckenden Rahmen für Vitous und seine engsten Wegbegleiter Portal und DeJohnette, die beide erst kürzlich verstorben sind. Und so ist ‚Mountain Call‘ nicht nur eine begeisternde Sammlung von vielfältigen Stücken, sondern auch ein letzter Gruß des Bassisten an seine Freunde. Und wenn Esperanza Spalding und Saxofonist Gary Campbell in ‚Rhapsody: In You‘ sich auf den Trioteppich legen, wird es einem warm ums Herz. Eine wunderschöne Platte!
Sebastian Meißner, Sounds And Books
The album Dream Archives by Craig Taborn, Tomeka Reid and Ches Smith impresses reviewers in the UK and Italy
Pianist Craig Taborn’s latest outing is another fine trio set, this time with drummer Ches Smith – they have previous ECM history together, notably in a trio with Mat Maneri on 2016’s The Bell – and cellist Tomeka Reid, here making her ECM debut. It opens ominously as Taborn tiptoes through the theme of ‘Coordinates For The Absent’ against Reid’s eerie cello and some percussive bleeps from Smith as if nobody can quite remember the melody, but then picks up pace when they are ‘Feeding Maps To The Fire’ in true improv fashion. Taborn is always precise in his notes, stating enough to make his mark but never profligate in performance, while Reid and Smith add the necessary sonic decoration and embellishment. […] Taborn doesn’t deliver easy listening, and in places this is demanding music, but it is always rewarding, and always fascinating. Like I said, another fine trio set.
Simon Adams, Jazz Journal
Coniuga mente e cuore ‘Dream Archives’, l’ultimo disco del pianista e tastierista Craig Taborn realizzato in trio con il violoncello di Tomeka Reid e le eclettiche percussioni di Ches Smith. Ognuno dei sei brani (fra i quali due omaggi, uno a Geri Allen, uno a Paul Motian) in cui si articola segue regole proprie, ma nell’insieme compone davvero un ‘archivio di sogni’ (sonori) affascinante, alieno ma al tempo stesso cantabile e trasparente. Taborn sa essere un virtuoso ma qui privilegia un solismo essenziale, finalizzato al discorso di gruppo, tanto che sono i colori strumentali a prevalere; e dunque Smith ha un ruolo essenziale, fra pelli e metalli, compresi anche vibrafono e glockenspiel.
Claudio Sessa, Il Corriere della sera
The new duo recording Memento by Marilyn Crispell and Anders Jormin is discussed by media in Austria and Germany
Heute lauscht Marilyn Crispell der Stille nach oder lässt sich lieber einen Arm abhacken, ehe sie geschwätzig wird. Auf ‘Memento’ entfaltet sie ein stockendes Zwiegespräch mit Bassist Anders Jormin, dessen sakral anmutende Musik sie bereits auf ‘In Winds, in Light’ (2004) begleitete. Man meint, einer verzauberten Blockhütte einen Besuch abzustatten. Innen knarzen die Dielenbretter, draußen schreit vereinzelt eine Möwe. Der behutsam gestrichene Bass erinnert daran, dass man Opas Schaukelstuhl auch wieder einmal zum Service bringen könnte. Das abschließende ‘Dragonfly’ enthält eine herzzerreißende Hommage an Crispells langjährigen Musizierpartner Gary Peacock. Harmonie und Versonnenheit prägen den Free Jazz einer, pardon, alten Meisterin.
Ronald Pohl, Der Standard
Die eingefrorene Zeit, sie wird in den folkloristischen, tastenden Improvisationen hörbar. Elementar dabei Jormins Kontrabass, der zuweilen wie eine Hardangerfiddel klingt. In ‘Beach at Newquay’ scheinen gar Möwen zu kreischen – Jormin gelingt es verblüffend gut, mit dem Bogen Vogelgeschrei zu imitieren. Ein Bassist, der auch führt, eine Pianistin, deren Weisheit zwischen den Tönen hörbar wird – und eine Album voller Geheimnisse, das lange nachwirkt.
Jan Paersch, Kultur News
The duo-recording con slancio by Heinz Holliger and Marie-Lise Schüpbach enchants a Swiss reviewer
Der Oboist, Komponist und Dirigent Heinz Holliger wird im Mai 87. Umso erstaunter hört man zu, wenn er mit Marie-Lise Schüpbach Werke von sich, Jürg Wittenbach (1935-2021), Schweizer Weggefährten und Toshio Hosokawa (1955) für Englischhorn und Oboe spielt. Es gilt, den Klangwegen sorgsam nachzuhorchen. Dann aber wird man bald schmunzeln, bald lachen, schließlich bewundernd staunen.
Christian Berzins, Aargauer Zeitung
The album Patternmaster by the Mark Turner Quartet keeps garnering rave-reviews in the US as well as in Europe
A tight yet flexible boundary between improvisation and control is one of the central features of this amazing, sophisticated, and engaging album from Mark Turner’s quartet. Every one of Turner’s six compositions on ‘Patternmaster’ walks that line between tightly composed chamber jazz and high-wire soloing and back with jaw-dropping ease. It’s a document of a composer, bandleader and ensemble in peak form. […] Drop the needle anywhere and you’re likely to hear hair-raising unison playing of intricate tunes and patterns, especially by Turner and Palmer, but also occasionally bringing in the bass and even drums, as in the final section of the episodic second track ‘Trece Ocho.’ The alchemy between Turner and Palmer is on display throughout, but nowhere more so than the title track, a driving progressive arrangement with an amazing bass line from Pinson. […] What a great quartet and a great album. Highly recommended.
Gary Whitehouse, A Greenman Review
Pianolose Quartette mit Saxofon und Trompete, akustischem Bass und Schlagzeug lassen harmonisch eine lange Leine und erinnern oft an die Bands von Ornette Coleman in den späten 50er-Jahren. Mark Turner spielt Tenorsaxofon, nicht das Alto wie einst Coleman. Aber sein Umfang ist riesig. Und diese Band spielt Kompositionen, die die Stücke länger tragen als jene der Vorväter. Wie immer bei ECM hört man den Raum plastisch, wie ein Privatkonzert. Und man hängt den telepathisch eingespielten Musikern an den Lippen. Jazz Supreme: wenn sich Freiheit und Disziplin nicht mehr unterscheiden.
Tobi Müller, Rolling Stone (German Edition)
Dass sich kühle Eleganz und hohe Intensität, tiefes harmonisches Verständnis und größtmögliche Freiheit beim improvisierten Ausformulieren kompositorischer Ideen nicht ausschließen, demonstriert das Quartett von Tenorsaxofonist Mark Turner. Geradezu telepathisch ist das Verständnis zwischen Turner und Trompeter Jason Palmer: Sie spielen Themen unisono, entfernen sich voneinander, ohne sich aus den Augen – oder besser: den Ohren – zu verlieren, kommentieren und überlagern die Ideen des anderen. Bassist Joe Martin und Schlagzeuger Jonathan Pinson bedienen derweil ein stufenlos regulierbares Dynamikgetriebe. Im transparenten Klangbild scheinen jazztypische Topoi wie Swing oder Balladen-Feeling durch. Aber die Kunst von Turners Quartett besteht darin, alles jenseits ausgetretener Klischees in eine sehr persönliche, zeitlose Musik zu verwandeln. Luzider, glühender Kammerjazz.
Reinhold Unger, Münchner Merkur
The album Pur Ti Miro by Wu Wei, Martin Stegner and Janne Saksala is recommended in a German music magazine
Es gehört zu den glückseligen Momenten des Lebens, wenn man ein Musikstück, ein Instrument oder eine noch nie dagewesene Kombination von Instrumenten zum allerersten Mal hört. […] Die Sheng, die auf der vorliegenden CD vorgestellt wird, ist ein traditionelles Instrument aus China, eines der ältesten Blasinstrumente der Welt. Sie gehört zur Familie der Mundorgeln, die wiederum zu den Durchschlagzungeninstrumenten gehört, und besteht aus Pfeifen, die zumeist aus Bambus gefertigt sind. Diese stehen in einer gewöhnlich aus Metall gefertigten Windkammer. Die traditionelle Stimmung ist diatonisch. Modernere Sheng-Instrumente verfügen auch über Metallpfeifen und können chromatisch gestimmt sein. Es ist nicht zuletzt dem 1970 geborenen Wu Wei zu danken, dass die Sheng ihren Weg in die westliche (Musik-)Welt gefunden hat. Sein eigenes Instrument ist eine individuelle Weiterentwicklung der klassischen Sheng mit einer Klappenmechanik, die es ihm erlaubt, fast das gesamte westliche Tonsystem zu spielen. […] Gut, dass wir über diese CD diese Ur-Klangvariante des Akkordeons mit ihrem riesigen Schatz an Klangvariationen nun in unsere Hörerfahrung mit aufnehmen können – eine Klanglichkeit, die zeigt, dass die Musik alter wie neuer Zeiten und die handwerkliche Instrumentenherstellung noch lange nicht an ihren Grenzen angelangt sind!
Ralf-Thomas Lindner, Journal für die Orgel
Further UK and German reactions to the album While I Was Away by the Julia Hülsmann Octet
Whereas in the past, Hülsmann’s music has often been austere and refined, this new set is a riot of difference, combining Brazilian dance, free improvisation, musical-like storytelling, and elements of chamber music. ‘Coisário De Imagens’ is sung in Portuguese by Angolan singer Aline Frazão while Norwegian singer Live Maria Roggen spins intriguing narratives to both ‘Felicia’s Song’ and ‘Moonfish Dance’. Intense vocals are answered by instrumental responses that are equally vocal in effect, notably Héloïse Lefebvre’s keening violin on ‘Up, Up …’ followed by the leader’s strong piano solo. […] What surprises throughout this set is indeed the sound of surprise, of drama and passion and excitement. While she was away, Hülsmann must have worked hard. For the results here are superb.
Simon Adams, Jazz Journal
Das reichlich weiblich besetzte Julia Hülsmann Octet schlägt auf ‘While I Was Away’ mit Violine und Cello den Bogen vom klassischen Klavier-Format zum Jazz-Trio, natürlich mit der Bandleaderin am zurückhaltend-kraftvollen Flügel. Was ob der herausragenden Streicherpracht der Geigerin Héloïse Lefebvre schon überrascht, gewinnt durch die Eleganz, mit der Julia Hülsmann an ihre Wurzeln als einfühlsame Song-Gestalterin erinnert. Bringen doch Aline Frazão aus Angola, die Norwegerin Live Maria Roggen und der Berliner Michael Schiefel ganz unterschiediche Stimmen ins abwechslungsreiche Geschehen. Die eine zart-rauchig, die andere glasklar und der einzige Mann des Oktetts unverkennbar, was die meist elegisch inszenierten Klangbilder famos überglänzt und zu einem außergewöhnlichen Erlebnis macht.
Sven Thielmann, Fono Forum
