Reviews of the week

The freshly released duo recording Feebles, Fables & Ferns by Mick Goodrick and Fred Hersch  gets early acclaim by media in the US, UK and Germany

This is a record about restraint and mutual attention: the result is an atmosphere of concentration rather than spectacle, and that suits both players perfectly. Goodrick’s playing is especially persuasive in this context—subtle, probing, and harmonically expansive, but never cluttered. Hersch meets him with equal poise, shaping the music with a lyric touch and a pianist’s gift for structuring space. They do not trade solos in any conventional sense; instead, they spin lines over, under, and through one another, instinctively vacating space the moment the other steps forward. […] The sound, though recorded outside ECM’s usual studios, fits naturally within the label’s aesthetic. Every micro-interaction is preserved: the briefest pause before a chord change, the ringing decay of a piano string, the metallic breath of guitar strings. It feels less like a polished stage performance and more like a beautifully preserved sketchbook. Goodrick died in November 2022, meaning he did not live to see this music finally reach the public. That makes ‘Feebles, Fables and Ferns’ all the more moving as a document—a testament to his genius as a collaborator and to the kind of musical intelligence that quietly shaped generations of players without ever seeking the headlines. Together with Hersch, he left behind a quiet, arresting masterpiece of jazz dialogue: graceful, understated, and endlessly absorbing. For listeners drawn to the inner skeins of jazz duet playing, or to ECM’s most intimate productions, this is an essential recording.

Jack Kenny, All About Jazz

Unusual to find a new release from ECM that features music recorded not at one of their chosen locations, but archival recordings made at the musician’s own studio and a very welcome album it is too. In the mid to late 1980s, pianist Fred Hersch had his own recording studio. In the summer of 1988 he invited the reticent Mick Goodrick to come and record some duets. Hardly known to be a prolific recording artist, the guitarist agreed and the results are simply a stunning and absorbing set that captures both musicians in excellent form.   Right from the word go, Goodrick and Hersch seem to establish an immediate rapport that despite often being quiet and contemplative generates a fair amount of energy and passion. Kicking off with Goodrick’s composition ‘Feebles, Fables and Ferns’ recorded a decade earlier by the guitarist on his debut (and only) leader album ‚In Pas(s)ing‘ for the label the telepathic understanding is clearly heard. The level of invention is quite astonishing and continues with superb readings of a couple of Steve Swallow compositions in the evergreen ‘Falling Grace’ and ‘Amazing’ which is coupled with Goodrick’s ‘Away 10’ and in the surprise of the album, ‘Five Excursions’ which is, as the title implies, five spontaneously composed episodes that sit together seamlessly as a continuous piece of music making. […] In a world where there is possibly too much music available via streaming and downloads, it is a travesty when music of this quality is left unreleased and unheard. So after sitting in the vaults for 38 years, thank you to Fred Hersch for preserving the music and making it available for us all to enjoy.

Nick Lea, Jazz Views

Es ist Musik ohne Eitelkeit, ohne Überzeugungsdruck. Sie hat den Charme einer ersten Begegnung […] Die Instrumente umgarnen sich, Melodien ranken ineinander, das Zusammenspiel passiert auf einem mitfühlenden Niveau der Gegenseitigkeit. Das Duo selbst wird damit zum Instrument und im Flow mehr als die Summe der Einzelteile.

Ralf Dombrowski, Jazzthing

Weder Gitarrist Goodrick noch Pianist Hersch ging es um vordergründiges Solieren. Hier fanden zwei Seelenverwandte an unterschiedlichen Instrumenten eine gemeinsame Tonsprache. Sie ergänzten sich, reagierten spontan aufeinander, hatten ähnliche Beziehungen und Erfahrungen, was die Tradition betraf und sie beherrschten eine gewisse Coolness – weitab jedes jazzmusikalischen Fundamentalismus. […] Die jetzt veröffentlichten Aufnahmen von 1988 unterstreichen die jeweilige poetische Strahlkraft beider Solisten, die berührend mit ihrer gezügelten Virtuosität korrespondiert. Hier werden Klangräume erschlossen, die ebenso melodische wie leidenschaftliche Anteile beinhalten. Leider war es das einzige musikalische Miteinander von Mick Goodrick und Fred Hersch. Schätzen wir uns einfach glücklich, dass dieses Aufeinander überhaupt mitgeschnitten und jetzt veröffentlicht wurde.

Jörg Konrad, Kultkomplott

The freshly released album Walden by Heiner Goebbels with the Ensemble Modern Orchestra and Bob Rutman is acclaimed by media in Germany and Italy

Goebbels arbeitete für seine Vertonung dieses Werkes, das er dem amerikanischen Maler, Bildhauer, Performer und Musiker Bob Rutman gewidmet hat, nach dem Prinzip einer freien musikalischen Assoziation, was ihm ermöglichte, Klangsplitter und Tontrauben unterschiedlichster Provenienz in seine Kompositionen einzubauen und lautmalerisch zum Ausdruck zu bringen. So stehen in ‘Walden’ traditionelle Floskeln neben modernen Zitaten, elektronische Sequenzen folgen auf akustische Intermezzi, perkussive Rhythmen werden von schneidender Harmonik gekontert, Solostimmen mit Orchesterkolorit unterfüttert und umgekehrt. Goebbels setzt in seiner Komposition einen entscheidenden Impuls der Freiheit um und entwickelt eindringliche wie subversive Hörbilder.

Jörg Konrad, Kultkomplott

In questa pubblicazione ECM si coglie tutta la modernità di un lavoro che, pur nato nel 1998, continua a parlare direttamente al presente. Walden non è un elogio nostalgico della natura, ma una riflessione lucidissima sulla difficoltà contemporanea di ascoltare davvero il mondo. E proprio per questo, oggi, questo paesaggio sonoro pensato trent’anni fa appare più necessario che mai.

Stefano Nardelli, Il Giornale della Musica

More international praise for the debut recording of Joe Lovano’s new Paramount Quartet

Lovano’s Paramount Quartet glows with all the saxophone’s pliable eloquence in a master’s hands, alongside comparably free-spirited guitarist Julian Lage, bassist Asante Santi Debriano and sometime Living Colour drummer Will Calhoun. Lovano is a brilliant bebop player, but also an inspired free-improviser, creatively inhabiting the sound worlds of classic jazz, global music and more texture-based European approaches. He played Charlie Haden’s First Song with Bill Frisell long ago, and here it returns on a lyrical solo guitar intro from Lage and an exquisite sax theme, spinning into long improv over vaporous guitar chords and soft, sleek runs. […] A late-career triumph from a tireless maestro of the saxophone.

John Fordham, The Guardian (Jazz album of the month)

Das ist genau jene Art Album, das ein langfristiges Vergnügen bietet, weil man bei jedem Durchlauf auf neue Details und Aspekte stößt.

Peter Füssl, Zeitschrift für Kultur und Gesellschaft

Il n’a rien perdu de sa superbe, mais s’est trouvé avec Julian Lage, Asante Santi Debriano et Will Calhoun des partenaires particulièrement stimulants. […] Après avoir joui de la souplesse et de la réactivité de cette rhythmique, de la presence de ce guitarist, nul doute que ce ceux qui ne l’ont pas déja repartiront avec le disque en se disant qu’ils n’auraient pas dû attendre pour l’acquérir. La faconde latine de Joseph Salvatore Lovano déborde comme la casserole de lait sur le feu. Dès l’introduction de Julian Lage sur ‘First Song’ (Charlie Haden), puis l’exposé au ténor porté comme sur les eaux un peu clapoteuse d’un étang sous un soleil printanier, on se laisse embarquer. […] Après quoi, on remet le disque au début.

Franck Bergerot, Jazz Magazine

Un album d’une belle puissance et d’une grande sérénité aussi. […] Joe Lovano développe des c magnifiques au ténor comme au soprano, Julian Lage l’accompagne avec une pertinente discrétion et une personnalité marquante, la rythmique est parfaite. A chaque écoute, on découvre une subtilité de plus, une richesse supplémentaire, un double triolet de Lage ou une invocation méditative de Lovano. Et on est heureux.

Jean-Claude Vantroyen, Le Soir

Gitarrenakkorde klingen auf, eine Melodie entsteht, ein Tenorsaxofon träumt sich melancholisch und mit sanft fülligem Klang, begleitet von Schlagzeug, Kontrabass und Gitarre, in den ‘First Song’. Gefühlvoller als Julian Lage (Gitarre), Joe Lovano (Saxofone, Tárogató), Asante Santi Debriano (Bass) und Will Calhoun (Schlagzeug) kann man ein Album kaum eröffnen. […] Das Quartett setzt Tupfer, groovt in einem Mix aus Spontaneität und Plan und bleibt stets traumwandlerisch nah beisammen. Die Musiker kommunizieren so ruhig und selbstverständlich, dass Lovano das Ensemble korrekt als ‘Paramount Quartet’, also als ‘überragendes Quartett’ bezeichnet.

Werner Stiefele, Audio + Stereoplay (‘Jazz-CD of the month’) 

The vinyl re-issue of Bill Connors’ album Of Mist and Melting within the Luminessence series is welcomed by US and German reviewers

Connors is delicate on his touch with a folky charm on pieces like ‘Melting’ and ‘Not Forgetting’ with DeJohnette in sensitive and restrained form throughout, caressing the framework to Connors‘ lithe solo on ‘Unending’. Garbarek adds ethereal atmospheres in almost ambient form as background, with the album creating lush soundscapes. Understated wonders.

George W. Harris, Jazz Weekly

Es wundert mich nicht, dass Bill Connors fast ein halbes Jahrhundert später mit Wehmut auf diese Phase, und nicht zuletzt auf ‘Of Mist And Melting’, zurückblickt, dass jetzt in einer makellosen Pressung in der Vinyl-Serie ‘Luminessence’, neu aufgelegt wurde, mit feinem Gatefold-Cover und klugen ‘liner notes’ von Friedrich Kunzmann. An Connors‘ Seite Jan Garbarek, Jack DeJohnette und Gary Peacock, und zwar in jener Fabulierlust und Konzentration, die in den 1970er Jahren des Münchner Labels stilbildend und Abenteuer zugleich waren. […] dieses unfassbar aufregende Album treibt die Dynamik von ‘aus der Haut fahrend’ und ‘in sich versunken’ dermassen auf die Spitze, dass reines Staunen und Gänsehaut zu den meistgenannten Begleitphänomenen des ‘deep listening’ zählen dürften. Bill Connors gefährlich ruhiges, seltsam kontrolliertes Spiel auf der Akustikgitarre drängt in keinem Augenblick ins Rampenlicht, und doch sind Ekstase, stille Präsenz, Hitze und immense Reibung allgegenwärtig – die Fenster dieser ‘Jazzkammer’ ohnehin sperrangelweit aufgerissen. Das mit dem Nebel und dem Schmelzen ist eben ein verdammt weites Feld.

Michael Engelbrecht, Flowworker

The duo-recording Reaching For The Moon by Elina Duni with Rob Luft is hailed in German, Swiss and Austrian media

Das ist eines der feinsinnigsten Duos, die es im aktuellen weltweiten Jazzgeschehen gibt: die 1981 in Albanien geborene Sängerin Elina Duni und der 1993 in London geborene Gitarrist Rob Luft. Eine besonders stilvolle Schönheit des Aufeinander-Reagierens und Miteinander-Verschmelzens kennzeichnet ihr Zusammenspiel. Organischer geht’s nicht – und auf leise Art ausdrucksstärker auch kaum. […] Elina Duni singt in all den unterschiedlichen Genres mit traumhafter Klarheit und berückend feiner Phrasierung, und Rob Luft schafft dazu ein fast orchestrales Spektrum an zarten Tönen, die er mit E-Gitarre und Effektgeräten sowie in Ausnahmefällen auch mit akustischer Gitarre erzeugt. Ein Highlight ist eine frühe Ballade des 2015 mit nur 59 Jahren verstorbenen italienischen Songpoeten Piano Daniele: ‘Cammina, cammina’, ein bewegendes Lied über Trauer und Sehnsucht, das in neapolitanischer Sprache von einem alten Mann erzählt, der des Nachts in Gedanken an seine verstorbene Frau einsam beim Hafen umhergeht. Und eine Besonderheit im Repertoire ist eine mit Text versehene Fassung von ‘Lonely Woman’, einem berühmten Stück des Free-Jazz-Saxophonisten Ornette Coleman. Mit diesem Spektrum und mit der tiefgründigen Feinheit der Interpretationen ist das eines der bisher herausragenden Alben des Jahres.

Roland Spiegel, ARD Jazz Spotlight

Ihr erstes Duoalbum ‘Reaching for The Moon’ führt Dunis weltoffene Reise weiter: Jazzstandards, Volkslieder vom Balkan, Filmmusik und eigene Stücke verweben sich zu einem poetisch-intimen Ganzen.

Annina Salis, Kulturtipp

Wer den bisherigen Output der albanisch-schweizerischen Vokalistin Elina Duni kennt, der weiß, dass sie über genügend Charisma, Einfallsreichtum und gesangliche Qualitäten verfügt, um solch vordergründig disparat wirkendes Material ganz zu ihrem eigenen zu machen. Noch dazu steht ihr mit dem englischen Gitarristen Rob Luft ein ebenso kreativer wie einfühlsam agierender musikalischer Partner zur Seite, den sie von zahlreichen Duo-, aber auch Quartett-Performances (gemeinsam mit Flügelhornist Matthieu Michel und Pianist/Drummer Fred Thomas) her bestens kennt – man erinnere sich an die grandiosen ECM-Alben ‘Lost Ships’ (2020) und ‘A Time To Remember’ (2023). […] In all diesen Fremdkompositionen wird Elina Dunis stilistische Vielseitigkeit deutlich, ihre Sangeskunst speist sich aus Jazz, Chanson, Folk, Singer-Songwriting und ethnischen Einflüssen. In diesem Spannungsfeld bewegen sich auch die Eigenkompositionen des Duos: ‘Foolish Flame’ würde sich auch im Œuvre Joni Mitchells nicht schlecht machen und wird von Luft auf der akustischen Gitarre gespielt, ‘Magnolia’ klingt nicht nur der Sprache wegen nach französischem Chanson, und ‘Your Arms’ ist wie die beiden anderen Eigenkompositionen ein außergewöhnliches Liebeslied, das Rob Luft – wie auf dem Album mehrfach praktiziert – mit dezent-wirkungsvoller Elektronik veredelt. Exzellentes Songmaterial unterschiedlichster Provenienz also, von zwei einzigartigen Individualisten interpretiert, die ihre musikalische Kreativität und Ausdruckskraft dank jener ganz besonderen Chemie, die zwischen ihnen herrscht, zu potenzieren verstehen. Ein Glücksfall!

Peter Füssl, Zeitschrift für Kultur und Gesellschaft

The vinyl re-issue of Tomasz Stanko’s album Balladyna within the Luminessence series enchants German reviewers

Im Dezember 1975 aufgenommen und 1976 veröffentlicht, beinhaltet ‘Balladyna’, der Titel bezieht sich auf ein Drama des polnischen romantischen Nationaldichters Juliusz Slowacki, sieben Stücke im Geiste der von Stanko bereits etablierten, noch heute attraktiven Dichotomie aus Wehmut respektive Melancholie sowie Zerrissenheit respektive Furor.

Gabriel Aniol, Jazzpodium

Die Aufnahme vom Dezember 1975 im Tonstudio Bauer in Ludwigsburg zählt zu den Juwelen des berühmten Münchner Labels. Mastermind Manfred Eicher hatte zu Stanko, Saxofonist Tomasz Szukalski und Stanko-Intimus und Drummer Edward Vesala den legendären Bassisten Dave Holland geladen. Ein Glücksfall, denn dieser glänzte nicht nur im Song ‘Duet’ mit Stanko, sondern stützte noch dazu das klavierlose Quartett über die sieben Titel hinweg souverän. […] das tadellose Remaster klingt nun ebenso schön wie das Original.

Lothar Brandt, Audio / Stereoplay

Mit ‘Balladyna’ schuf Tomasz Stańko 1975 nicht nur eines der bedeutendsten europäischen Jazzalben seiner Zeit, sondern auch ein Werk, dessen Strahlkraft bis heute ungebrochen ist. Die Aufnahme gilt als Meilenstein des europäischen Jazz der 1970er-Jahre und beeinflusste Generationen improvisierender Musiker – besonders in Polen und Finnland, aber weit darüber hinaus. […] Die Besetzung gehört zu den ungewöhnlichsten Konstellationen der frühen ECM-Geschichte mit ganz eigener Tonsprache: europäisch geprägt, kammermusikalisch in ihrer Transparenz und zugleich tief in der freien Improvisation verwurzelt. […] Aufgenommen im Tonstudio Bauer und produziert von Manfred Eicher, besitzt ‘Balladyna’ auch klanglich eine bemerkenswerte Frische. Fast fünf Jahrzehnte nach seiner Entstehung klingt das Album noch immer erstaunlich modern, lebendig und unmittelbar. Die Aufnahme in die Luminessence-Reihe von ECM ist daher nur konsequent. Die Serie würdigt zentrale Werke der Labelgeschichte und rückt Alben ins Licht, die den europäischen Jazz nachhaltig geprägt haben. ‘Balladyna’ gehört zweifellos in diesen Kreis: ein Schlüsselwerk im Schaffen Tomasz Stańkos und ein Album, dessen künstlerische Kraft bis heute unvermindert spürbar ist.

Sebastian Meissner, Sounds And Books

Questo itinerario crepuscolare nel segno della riflessione si conclude con l’originale ripresa e lirica chiusura di un album che è difficile non amare.

Ivo Franchi, Musica Jazz

Un disco, in sostanza, tratteggiato con raffinata sobrietà, che conferma la maturità di un dialogo – quello tra Duni e Luft – avviato nel 2017 al Montreux Jazz Festival e giunto oggi a una forma essenziale, quasi confidenziale.

Alessandro Rigolli , La Gazzetta di Parma

The new recording of works by Prokofiev, Schnittke and Pärt with the Duo Gazzana is acclaimed in the UK, Switzerland and Italy

It’s the sisters’ mode of playing, not just the more structurally up-front nature of the music, that means Prokofiev’s ‘Five Melodies’ sounds almost as catharsis after his sonata – the melodies are uncontained but the shoulders of the players are also down. This, though, is Prokofiev, and nothing is quite so easily won (or so easily rendered, at least). It’s precisely this sense of something niggling that makes Schnittke’s ‘Gratulationsrondo’ a neat follow-on from Prokofiev’s supposedly uncontained tunefulness and a fine final summation to an album that underlines the benefits of some grit in the oyster. The piece can seem like a straight pastiche of Viennese classicism, displaying all Schnittke’s skill for appropriation. In construction and in the tone of the players, it emerges here as something more – music haunted and perhaps even fatally undermined by its own determination to face up to the aesthetic crisis of the times.

Andrew Mellor, Gramophone

Unter den ‘ästhetischen Vorgaben’ der Sowjet-Diktatoren litten auch Komponisten. Reagierte Dimitri Schostakowitsch mit humoristisch codierten Kompositionen, suchten Sergei Prokofjew, Arvo Pärt und Alfred Schnittke einen Weg zwischen Widerstand und Vision. Die aus Rom stammenden Schwestern Gazzana haben ein Programm mit Werken der drei Künstler zusammengestellt. Pianistin Raffaella und Geigerin Natascia Gazzana gelingen so packende wie luftige Interpretationen.

Frank von Niederhäusern, Kulturtipp

L’indirizzo ‘colto’ e la strumentalità intensa del duo Gazzana trovano linee convincenti nella dolcezza delle Melodie, nel doppio volto della Sonata op. 80 di Prokofiev (dolente nel primo e terzo tempo, angolosa nel secondo e quarto), nella magica riflessione dello ‘Specchio’ al quadrato di Pärt, nella mozartianità quasi paradossale del Gratulationsrondo di Schnittke. Difficile dire quale dei diversi ‚climi‘ sia più nelle loro corde. Il risultato è notevole in tutti.

Carlo Maria Cella, Classic voice

The album Thee They Thy by Judith Berkson with Trevor Dunn and Gerald Cleaver is reviewed in French and Italian magazines

‘Slow’ fait pénétrer en douceur dans son univers assume de la dissonance entre les longues notes tenues à la voix et l’harmonie qui les soutient, communicant une sensation de gêne accrue par le mélange de tension et de fragilité  émanant de l’intonation elle-même. ‘I Notice’ installe lentement – puis fait disparaître – la réitération hypnotique de trois syllabes du titre sur un même intervalle, dans un environnement perturbé enflant graduellement avant de s’évanouir.  On s’amuse enfin beaucoup de la mise en pièces collective de la ligne vocale percussive qui sert de matériau à la pièce ‘Thee They Thy’. À découvrir assurément.

Vincent Cotro, Jazz Magazine

Emana una straniante quanto irresistibile malia l’universo poetico di Judith Berkson. (…) Pur formando sulla carta un gruppo classico, il piano trio jazz di ‚Thee They Thy‘ eccede le convenzioni del format: e questo perché [→ perché] i musicisti coinvolti – in primo luogo la compositrice di Boston, che non dà mai nulla per scontato – si muovono senza alcuna inibizione, intenzionati a scardinare certezze e luoghi comuni. A catturare l’attenzione sono sia il pianismo astratto sia il magnifico timbro da mezzo soprano di Judith, tra Cathy Berberian (per esempio in Torque, dove emergono echi dodecafonici), Chava Alberstein e la tradizione ebraica (si ascolti l’epica V ’shamru, sostenuta dal contrabbasso di Dunn suonato con l’archetto).

Ivo Franchi, Musica Jazz

US and Swiss reactions to the album Mountain Call by Miroslav Vitous

Miroslav Vitous has been recording for ECM for about 50 years, and the music he’s made under Manfred Eicher’s supervision has covered a broad range indeed, from solo bass music to conventional jazz ensembles, to reconsiderations of his work as a founding member of Weather report. This album, his first for the label in a decade, is a work of chamber jazz featuring several different ensembles, but it all comes together as a cohesive work. Eight of the album’s 18 tracks are duets with the late Michel Portal, who died in February of this year, on either clarinet or bass clarinet. Two others, ‘Tribal Dance’ and ‘Epilog’,  are duos  with drummer Jack DeJohnette, who died in October 2025; the three part ‘Evolution Suite’ features  DeJohnette and clarinet player Bob Mintzer, plus samples of the Czech national Symphony Orchestra pushed through software of Vitous’s invention. […] Most of the pieces are very short, and the whole album is just 43 minutes long. This makes it easy to take in a single setting – it’s like plucking chips out of a bag and sliding them into one’s mouth without even thinking about it; before you know it, you’re down to salty shards and wondering how the hell that happened. But unlike eating a bag of chips, which inspires only vague feelings of guilt and self-loathing, ‘Mountain Call’ leaves you feeling happy and ready to dive back in for another go.

Phil Freeman, The Wire

Das jüngste Album des tschechischen Bassisten Miroslav Vitous ist ein Selbstporträt in vielen Partikeln, eine Art Nachlass zu Lebzeiten. […] aufgenommen wurden die Titel zwischen 2003 und 2010 in Vitous’  Universal Syncopations Studio in Prag: konzentrierte, freie,  intime Dialoge des singenden, volltönenden, in gestrichenen Passagen manchmal wie ein Cello klingenden Basses mit den Partnern Michel Portal und Jack DeJohnette, zum Teil suitenartig gebündelt; und eingeschobene, vielfarbige Tableaus mit größeren Gruppen (Bob Mintzer, Esperanza Spalding; Gary Campbell, Gerald Cleaver) und vom Bassisten arrangierte und gesampelte Passagen mit Musikern des Tschechischen Nationalen Symphonieorchesters. Der Kern des Albums sind freilich die Dialoge, zumal die mit den Klarinetten Portals, aber auch ein hinreissender ‘Tribal Dance’ mit dem alten Partner Jack DeJohnette (Drums). […] Auf ‘Mountain Call’ ist er eindringlich und virtuos, aber nie geschwätzig. Den Gipfel setzt er mit Portal in einem unter allen Miniaturen fast epischen finalen Duo: eindringlich wie immer in der Auseinandersetzung, am Ende in ein versöhnliches Unisono mündend: ‘Mountain Call’.

Peter Rüedi, Weltwoche

More international acclaim for the duo recording Memento by Marilyn Crispell and Anders Jormin

The true beauty of ‘Memento’ is in this duo’s discovery of an intimate common language based in spaciousness and languid grace that offers genuine emotion — not merely shared virtuosity — as a bridge to intimate communication that reaches beyond the music itself.

Thom Jurek, All Music

‘Memento’ is a quintessentially ECM album, because of its quietude and also because of its concentrated creativity. Marilyn Crispell’s journey in art began in classical music, passed through a hard-core avant-garde period (she was Anthony Braxton’s pianist for a decade), and, partly because of her affiliation with ECM, has arrived at arcane lyricism. Anders Jormin has played bass with many of the major jazz figures of our time, including Don Cherry, Charles Lloyd, Tomasz Stanko, and Bobo Stenson. Crispell and Jormin have crossed paths before, but Memento is their first duo project. Clearly, they trust and inspire one another. Their capacity for shared expression is revealed in the very first track, ‘For the Children.’ Jormin says that this entirely improvised piece ‘is in memory of innocents caught in the crossfire … from Sudan to Gaza and Ukraine.’ Jormin’s high arco notes are cries within the darkness of Crispell’s solemn, droning piano. […] In the remainder of the album, Crispell and Jormin slowly search and probe together. Even in the notated pieces, fresh melodies happen in the moment. The two array their discoveries in open musical space, as bare, molecular forms. Because this album celebrates sound itself, its immaculate sonic quality is critical. Producer Manfred Eicher and engineer Stefano Amerio are the third and fourth artists of ‘Memento’.

Thomas Conrad, Stereophile

Es drängt sich die Frage auf, wie ein perfekt harmonierendes Zweiergespann eigentlich klingen sollte. Wahrscheinlich genau wie hier. Denn Klavier und Kontrabass erschöpfen sich nicht in egoistischen Monologen, auf die man bestenfalls eine Antithese setzen könnte.  Es geht ums Zuhören, ums Reflektieren, um Gedanken, die weitergesponnen werden, auch um Pausen an der richtigen Stelle. Bestes Beispiel: Crispells ‘The Beach At Newquay’, in der das Piano Sonnenspiegelungen des Meers an der Küste von Cornwall skizziert, zu denen Jormins hochgestimmter Arco-Bass Möwenschreie heraufbeschwört. Jeder Ton zählt.

Reinhard Köchl, Jazz Thing

Ensemble, complices, ils se partagent les compositions et donnent aux morceaux une couleur délicate et sensible, une atmosphère de communion et de confidence entre eux et avec l’auditeur. On est heureux de partager ce moment avec ces musiciens et généreux.

Jean-Claude Vantroyen, Le Soir

Mark Turners quartet recording Patternmaster thrills reviewers in the US and Germany

Memories of Mulligan. No piano policing the harmonies; plus intellectual rigor, emotional restraint and a touch of whimsy makes this a modern chamber jazz gem. Intricate compositions demand focus as Turner and Martine execute gleeful fly-bys in tight and twisty formations.

John McDonough, Downbeat

Die Formation debütierte 2022 beim Label ECM mit dem ‘Return From The Stars’. Das 2019 in New York eingespielte Album ließ den Stern Turners auch hierzulande am Jazz-Himmel aufgehen. Jetzt folgt mit ‘Patternmaster’ ein noch stärkeres, weil noch prägnanteres Album. Turner und Palmer spielen in den durch die Bank von Turner komponierten Stücken reizvoll lange Unisono-Passagen, um zwischendurch feine Solos zu improvisieren. Man fühlt sich an manches aus den frühen 60ern erinnert, nur technisch ein paar Grade besser.

Lothar Brandt, Mint