Reviews of the week

The freshly released album Winter Songs by Steve Swallow is greeted with great acclaim by international media

It seems odd to release an album called ‘Winter Songs’ in the middle of summer. Even more strangely, this is a most unwintry set of originals from the New Jersey electric bassist Steve Swallow. A veteran sideman with Jimmy Giuffre, John Scofield and his wife Carla Bley, Swallow is no stranger to challenging music. But no one will find these short, sweet melodies hard to swallow: they are warmly swinging, atmospheric gems. The tracks are numbered and the digits sometimes reflect the mood. […] On the Killer Joe-like ‘Six’ the horns blow as hot as the New York City steam system on the cover. […] ‘Eight’ is like a Harold Arlen belter turned inside out and topped up with anxiety. Cheek’s saxophone sobs about the gal that got away. ‘Nine’ gives us something winter-worthy but it’s cool rather than cold. Mike Rodriguez’s trumpet curls like cigarette smoke through the silky chords of Steve Cardenas’s guitar and with a pu, it’s all gone.

Chris Pearson, The Times (Five stars)

These seemingly straight ahead cuts, just under the surface, offer a balance of melancholia juxtaposed with an irrepressible love of life and gratitude. ‘One’ is introduced as a sweet singing blues with Cardenas meeting Goldstein while gently swinging the thematic foreground. Rodriguez’s balladic, poignant trumpet solo adds intimacy. On ‘Three,’ Goldstein introduces a painterly theme, then slides in lyric extensions for Cardenas’s exquisite six string embellishment. On ‘Four’ Cheeks and Cardenas reharmonise a single note, though a deceptive motif cuts out just enough room for bluesy melancholy when Rodriguez joins and Goldstein delivers a solo with gilded elegance. ‘Six’ swings hard bop-like as the horn players deliver the theme and solos without drawing attention, as Cardenas sounds a bit like Freddie Green. The rhythm section winds in seamless fours. ‘Seven’ offers intricate, deep balladic interplay between guitarist and pianist; they engage but never get in one another’s way. ‘Nine’ is a near-whispering ballad. Cardenas and Goldstein deliver lyrical dialogue before Rodriguez solos with a deep blue feel. On ‘Winter Songs’ Swallow translates his own grief and gratitude into a subtle yet profound emotional experience by employing the hallmarks of jazz.

Thom Jurek, All Music

Though known for his nimble bass work, Swallow keeps to the background on these songs, letting the horns carry the melodies and the piano provide most of the color. It’s the veteran’s compositions that matters here, his way with a melody and understanding of harmonic structure, rather than his technique. The gentle swing of ‘Four,’ the groovy bop of ‘Six,’ the dreamy harmony of ‘Eight,’ and the smoky romanticism of ‘Two’ sound more like they belong on a Blue Note album circa 1957 than on an ECM album in 2026. But that doesn’t mean Swallow has gone retro on ‘Winter Songs’ – just that there’s comfort in a classic sound, and even the most satisfying environment benefits from a new coat of paint from an experienced hand.

Michael Toland, The Big Takeover

Despite a considerable discography this is remarkably Swallow’s first recording as leader for more than decade, with his previous album being ‘Into The Woodworks’ back in 2013 and thus making this new release even more welcome. For this recording the bassist has surrounded himself with friends with who he has made music in the past and who fully understand his methods. Having penned nine new compositions, simply titled ‘One’ through to ‘Nine’, Swallow and the sextet settle down to create some excellent music together. Swallow’s compositions are lyrical, memorable and compact. Full of detail without superfluous gestures to detract from the inherent beauty of both the music and the playing.   […] Should the frontline try to grab the limelight it must be pointed out that the interplay between the rhythm section doesn’t just lift the music but also repays close attention. Nussbaum is the epitome of good taste, and this frees up Swallow, pianist Gil Goldstein and Steve Cardenas on guitar to create a wonderfully solid interesting harmonic bedrock. The interplay is astonishing and the way Swallow and Cardenas swap lines and rhythmic ideas is staggering given the range and register of the bassist’s five string instrument that often makes forays into the guitar’s register.

Nick Lea, Jazz Views

A very listenable collection of melodic and relaxing instrumental jazz. For all seasons, not just winter.

Ian Sinclair, Morning Star

Steve Swallows warmer und resonanter E-Bass grundiert die Performances subtil und unaufdringlich – nur in einem der neun Stücke räumt er sich ein kleines Soloshowcase ein, mit dem so unverwechselbar schlanken und stimmhaften Ton, den er an seinem halbakustischen Instrument mit der zusätzlichen hohen C-Saite und dem Plektron erzeugt. Ein Detail in einem würdigen Alterswerk, entstanden aus innerer Notwendigkeit – ‘Winter Songs’ ist Trauerarbeit unter Freunden – und auch wenn Steve Swallow mit 85 Jahren nicht mehr auf die Bühne zurückkehren mag, so hat er mit diesem Album zumindest die Tür ins Studio wieder sehr überzeugend aufgestoßen.

Niklas Wandt, Deutschlandfunk Kultur

Man hört hier der Musik alter Freunde zu, die alles, aber auch alles, in ihr Spiel legen, um der Musik – das war wohl ihre gemeinsame Vision – Luft zu geben, Atem, Aura, also etwas, bei dem die üblichen Worte (Analysen, Vorurteile, Lobeshymnen, Schnellschüsse) in eine schöne Leere laufen. Mission erfüllt. So lässt sich auch mit lyrischer Eleganz, mit makellosem Sound, Zauber auf Zauber entfachen, ohne einen einzigen überflüssigen Ton. Wer die drei letzten Alben von Carla, Steve und Andy ganz besonders mag, wird auch hier fündig werden, und, im seltsamen Glanz eines Rückblickes auf gelebtes Leben, von ferne auch mal die Lichter des ‘Hotel Hello’ aufflackern sehen!

Michael Engelbrecht, Flowworker

Es gibt Kunst, und also auch Musik, die schreit mit jeder Faser nach Aufmerksamkeit und spreizt sich in ihrer Originalität, im besten Fall in ihrer Virtuosität, im schlechtesten in ihrer Eitelkeit. Kunst, die sich selbst feiert. Die Musik, die Steve Swallow, der Bassist, genauer: Bassgitarrist unter dem Titel ‚Winter Songs‘ mit einem hochintegrierten, eingestimmten Sextett vorlegt, ist das denkbare Gegenteil davon. Sie klingt nicht gemacht, sondern gewachsen. Die neun Stücke tragen nicht einmal Titel, die zu illustrativen Assoziationen verleiten könnten. […] Das Album ist eine Art Naturereignis. Swallow ist ein melodiöses Genie, und für seine genial sinnfälligen Erfindungen hat er aus dem Kreis seiner jahrzehntelang Vertrauten die idealen Partner und Improvisatoren gewählt, eigenwillig alle, aber auf gleicher Wellenlänge: den eindringlichen und geschmeidigen Tenorsaxofonisten Chris Cheek als die eine Bläserstimme, innig verflochten oder intelligent ins Unisono zurückgenommen mit der glänzenden und herzwarmen Trompete von Mike Rodriguez. Zurückhaltend und präzise, mit vollendetem Sinn für die mise en place Gil Goldstein am Piano, zusammen mit dem Gitarristen Steve Cardenas, dem Drummer Adam Nussbaum und Swallow selbst, verantwortlich für die transparente, harmonisch-melodisch nie pleonastische Verwebung und Verdichtung dieser raumgreifenden, befreienden Musik mit humanem Herzschlag und freiem Atem. Eine Musik, in der man wohnen mag, und die doch, selbst in anrührend balladesken Passagen, nicht ohne vibrierende Spannung bleibt. Dem Hörer offenbart sie jedenfalls bei jeder Begegnung ein changierendes neues Farbenspiel. Alles fliesst. Swallows ‚Winter Songs‘ sind raffiniert und selbst-verständlich zugleich. In der Grundhaltung (wenn auch nicht im stilistischen Detail) ein Jazz, der an die Souveränität, Gelassenheit, Logik und Inspiration der Musik eines Lester Young erinnert.

Peter Rüedi, Weltwoche

UK and Austrian reactions to the duo recording Feebles, Fables & Ferns by Mick Goodrick and Fred Hersch

By pure chance, it was during the summer of 1988 when the pair were both active in Boston where they managed to meet at Hersch’s New York studio, and ‘Feebles, Fables & Ferns’ was born into existence. What is clear from the offset is the innate understanding both players have of each other and their musical language. It’s a fine example of two musicians who are clearly on one another’s level, and Goodrick’s opening title track more than proves the point. First heard on the guitarist’s album ‘In Pas(s)ing’, the tone is bright and light-hearted, and both players weave in and out of each other’s lines beautifully. It’s an incredible reminder of Hersch’s sublime elegance in his approach to playing, and feels like a total breath of fresh air. […] ‘Feebles, Fables & Ferns’ is a snapshot in time, capturing a unique crossing of paths of two fantastic jazz musicians and improvisers. Lovers of either artist are sure to want to add this particular release to their collection, but I’d urge even those unfamiliar to take a listen – it’s worth it just to listen to two masters conjure a rare kind of sparkling magic that can only emerge when two musicians listen as deeply as they play.

Maddy Allison, Presto (‘Recording of the Week’)

Den Auftakt macht die flott swingende und zuweilen durchaus zupackende Goodrick-Komposition ‘Feebles, Fables and Ferns’, in der sich Piano und Gitarre die Melodieführung teilen, sich kunstvoll verzahnen, aneinanderschmiegen, wechselseitig begleiten und kommentieren. Das gleiche Treatment erfährt der aus der Feder von Hersch stammende und von ihm schon in unterschiedlichen Konstellationen aufgenommene, eine enorme Lebensfreude ausstrahlende ‘Heartsong’ – ein höchst intensives Vergnügen, in dem sich die Akteure die musikalischen Impulse wie Ping-Pong-Bälle zuspielen. […] Aus dem gängigen Live-Repertoire des Gitarristen stammen der von den 1930ern bis in die 1950er von unzähligen Musikern interpretierte Song ‘Out of Nowhere’ von Johnny Green/Edward Heyman, sowie ‘Soul Eyes’, das der Pianist Mal Waldron 1957 – vom jungen John Coltrane inspiriert – geschrieben hatte. Beides respektvolle Rückgriffe auf die Jazz-Historie, mit denen Standards aus der Sicht zweier großartiger Improvisatoren Ende der 1980er Jahre frisch in Szene gesetzt wurden. Weit experimentierfreudiger – geräuschhaft, impressionistisch, zupackend, frei mäandernd – geht es in den ‘Five Excursions’ zur Sache, fünf vom Pianisten zu einem gut neun Minuten langen Stück zusammengefassten, höchst unterschiedlichen, freien Improvisationen. Fred Hersch hat Mick Goodrick mit diesem Album ein wundervolles Denkmal gesetzt – und sich selber gleich mit dazu.

Peter Füssl, Zeitschrift für Kultur und Gesellschaft

The album Walden by Heiner Goebbels with the Ensemble Modern Orchestra and Bob Rutman is recommend on a nationwide German radio station

Es ist der radikalste Gegenentwurf zu den politischen Verhältnissen heute in den USA: ‘Walden’ von Heny David Thoreaux, das autobiografische Buch über das Leben in den Wäldern, über den Verzicht, die Bescheidenheit – und die Einsicht in die Grundbedingungen menschlicher Existenz. 1998 hat der Komponist Heiner Goebbels die literarische Vorlage in ein abendfüllendes Werk umgesetzt […] Virtuos changiert Goebbels zwischen musikalischen Welten, verknüpft avanciert Experimentelles mit handfestem Groove, mit Jazz- und Pop-Versatzstücken. Wörtliche Zitate gibt es nicht, aber eine Art geistige Anverwandlung der jeweiligen Sphären. Natürlich war ‘Walden’ immer schon eine Utopie, ein Gegenentwurf, im 19. Jahrhundert bei Henry David Thoreaux, 1998 bei Heiner Goebbels. Aber solche Utopien braucht es. Und deshalb ist es gut, dass diese wunderbare, diese hinreißend musizierte Aufnahme mit dem Ensemble Modern Orchestra endlich auch allgemein erhältlich ist.

Rainer Pöllmann, Deutschlandfunk Kultur

More international praise the debut recording of Joe Lovano’s new Paramount Quartet

‘Paramount Quartet’ on ECM—featuring guitarist Julian Lage, bassist Asante Santi Debriano and drummer Will Calhoun—finds common ground with the ECM intimacy and patient delivery of sound. […] Hints of Americana emerge, along with a subtle feeling of experiencing the sacred, especially on Wayne Shorter’s ‘Congregation,’ and Lovano’s ‘The Call’ and ‘Fanfare For Unity.’  Of the seven tunes presented here, five are Lovano originals—and he sounds like an artist who is supremely comfortable in his own skin with his writing and playing; it might be a ‘I am in the groove with nothing left to prove’ thing. As excellent as Lovano’s work on Blue Note records was, his output on ECM is a step forward. ‘Paramount Quartet’ says so, succinctly. Calhoun summons the spirit of Motian; Debriano supplies a warm, fluid pulse; Lage—a Blue Notes Records artist in his own right—slices space deftly, with a gentle hand. And Lovano is everything we have come to expect, with a beautiful touch and unerring grace for elusive melodies and intimate interaction with his bandmates.

Dan McClenaghan, All About Jazz

Mit Gitarrist Julian Lage konnte Lovano genau jene musikalische Persönlichkeit für die Gruppe gewinnen, die den entscheidenden Unterschied macht. Lage kann sein Allrounder-Talent auf die verschiedensten Konstellationen zuschneiden, ohne sich zu verzetteln. Hier glänzt er zum einen mit geschmackvollem, eher traditionsständigem Balladen-Spiel in Charlie Hadens wunderbarem ‘First Song’ und Wayne Shorters ‘Lady Day’. In frei floatenden Stücken dosiert er souverän seinen Einsatz, setzt effektive Akzente und zeigt auch mal kantiges Profil. Das lässig groovende, bluesgefärbte Finale ‘Congregation’ trägt er ganz wesentlich mit findiger, gefühlvoller Sophistication. […] ‘I feel like at this moment I’m on the rise’ gab er aktuell zu Protokoll. Jedenfalls ist er hier in bestechender Verfassung.

Arne Schumacher, Jazzthetik

Lovano doesn’t need to please anyone else at this point in his career. However, he doesn’t shy away from reining in his creative experimentations. There is a good balance of sonic exploration and laid-back playing on ‘Paramount Quartet’. Tracks like ‘First Song’ (by Charlie Haden) display a quiet intensity and a slower tempo. The compositions are lovely in the way they allow Lage or Lovano to come to the forefront and recede back again. […] Lovano shows his devotion to the form and leads his new quartet superbly.

Konstantin N. Rega, Spectrum Culture

Trotz eines pensionsreifen Alters von 73 und eines prallen Jazz-Lebenswerks bleibt der Blick von Joe Lovano nach vorne gerichtet. Die neue Kombo des US-Saxofonisten trägt zu Recht den vollmundigen Namen Paramount (also ‘herausragendes’) Quartet. Die vier Herren, darunter Schlagzeuger Will Calhoun (Living Colour), verstehen sich nicht nur auf steinerweichende Balladen im Rahmen der Jazz-Konvention. Ihre Domäne ist ein freigeistiges, expressives Spiel, das sich doch nie ganz vom Boden der Tonalität löst. Reizvoll anzuhören ist das etwa in Lovanos ‘Fanfare for Unity’: Ein forscher, funky Beat treibt das Klanggeschehen voran, zugleich bleibt die Musik harmonisch vage, bietet Lovanos Zickzack-Linien weite Räume. Ein luftiger Sound, an dem nicht zuletzt der sensible Gitarrist Julian Lage (auch für Charles Lloyd tätig) Anteil hat.

Christoph Irrgeher, Der Standard

A German reaction to the vinyl re-issue of Bill Connors’album Of Mist and Melting within the Luminessence series

Im Talent Studio in Oslo traf der Gitarrist auf den norwegischen Saxophonisten Jan Garbarek, den Bassisten Gary Peacock und den Schlagzeuger Jack DeJohnette. Garbarek, der damals noch stärker unter dem Einfluss von George Russell stand, war auf dem Höhepunkt seiner Karriere angelangt, einer Verbindung von expressiver Melodiosität und traditioneller Melancholie. Peacock und DeJohnette legten zu jener Zeit die Basis für ein rhythmisch ganzheitliches Spiel, das dann später im Trio mit Keith Jarrett zur Vollendung reifte. Es sind treibende, dynamische Aufbrüche, die die Vier entwickeln. Subtil wie temperamentvoll, melodisch wie auch abstrakt in die Umsetzung. Hier ist, trotz aller Transparenz und offener Räume, ein dichter rhythmischer Teppich geknüpft, über bzw. auf dem Garbarek als auch Connors brillieren. Sie nutzen ein breites Ausdrucksspektrum, von lichtdurchfluteten Schneisen bis hin zu dissonanten Illustrationen. Die Connors-Kompositionen leuchten wie Schätze aus einer versunkenen Welt. Musikalische Kulturlandschaften, die im zeitlosen Raum zu schweben scheinen. Und trotz manch expressiver Teilstrecken, ist es die Reduktion, die Betonung des Wesentlichen, die auf diesem Album beeindruckt. […] ‘Of Mist And Melting’ – ein bis heute unwiderstehlicher Klassiker, nicht nur im Katalog von ECM.

Jörg Konrad, Kultkomplott

The duo-recording Reaching For The Moon by Elina Duni with Rob Luft is reviewed in Austrian and French magazines

Die elf Songs auf ‘Reaching For The Moon’ spiegeln alles wieder, was in ihren Möglichkeiten steht. Duni vermag in neun Sprachen zu singen. Auf der CD hören wir sie auf Englisch, Französisch und Albanisch. Die Lieder entnimmt sie gerne dem Folk ihrer Heimat, Luft verbindet ihn sehr sensibel mit jazzigen Gitarrenkünsten. […] Übliche Balkansounds gibt’s nicht. Die Songs sind ruhig, beseelt, poetisch und gehen einem zu Herzen, wenn Elina z.B. über einen streunenden alten Mann im Hafen oder eine einsame Frau singt. Ein Album mit reinen Gefühlen und einem genialen Rob Luft.

Ernst Weiss, Concerto

La voix d’Elina Duni pourrait presque se confondre avec la sonorité d’un instrument à vent tandis que sa façon d’ornementer les mélodies et de prononcer les mots leur confère tout leur sens et leur puissance narrative. Cet album est aussi l’ocassion de découvrir un grand styliste de la guitare, qui s’illustre comme à son habitude comme un superbe metteur  en son, dont la palette d’effets atmosphérique complète à merveille une technique renversante qu’il sait faire totalement disparaître derrière les chansons. […] Nul doute qu’avec une telle complicité, les étoiles seront bientôt à leur portée.

Yazid Kouloughli, Jazz Magazine

The vinyl re-issue of Tomasz Stanko’s album Balladyna within the luminescence series enchants a French reviewer

Superbement réédité en LP avec sa pochetteoriginale dans la série Luminessence, ce premier album du trompettiste polonaise Tomasz Stanko sur le label ECM est un chef d’œuvre essential du jazz européen des années 1970. […] D’emblée, avec ‘First Song’, on sait qu’ on commence une exploration sonore inédite où la dynamique propulsive de Holland et Vesala offer aux souffleurs un espace de liberté infinite. Accentué par l’absence de piano, l’intense lyrisme de Stanko se dévoile en pleine lumière et transcende une structure libre et ouverte. […] Mais c’est avant tout la faculté des musiciens à interagir qui marque les esprits, chacun menant sa propre ligne mélodiques et rhythmique pourf mieux les entremêler.

Jean-Pierre Vidal, Jazz Magazine

The album Thee They Thy by Judith Berkson with Trevor Dunn and Gerald Cleaver impresses an Austrian reviewer

Jazzgesang mit Hoch- und Tiefgang, dazu freitonale Pianoklänge – dies ist verkörpert in der US-Amerikanerin Judith Berkson. Schon die Eröffnungsnummer lässt erahnen, dass eine Reise in tiefgründige, intime Strukturen bevorsteht. Wenn dann auch noch so kongeniale Partner wie Trevor Dunn am Kontrabass, mit dem sie zum ersten Mal zusammenspielt, und Gerald Cleaver am Schlagzeug zur Seite stehen, kann es sein, dass mit Reduktion und Elementen des Minimalismus Konzeptkunst in Perfektion dargestellt wird. […] Gerald Cleaver gibt ein subtiles, auf die geamte Dynamik der Aufnahme abgestimmtes Solo in ‘Cleav’, und Trevor Dunn spielt auf ‘Amerika’ ein besonders ergreifendes Bass-Solo. Ich habe jedenfalls schon lange  keine bessere, in der Avantgarde bzw. der experimentellen Musik angesiedelte Trioaufnahme mehr gehört.

Arnold Loimer, Concerto

German music papers recommend the album Mountain Call by Miroslav Vitous

Tatsächlich ist es die erste posthume Würdigung der im Februar mit neunzig Jahren verstorbenen französischen Klarinettenlegende Michel Portal, der hier im sensiblen Dialog mit dem Tieftöner in überwältigender Zartheit sagenhaft filigrane Klanggespinste kredenzt. Wie musikantisch Vitous seinen Bass ausreizt, zeigt auch der hochagile Austausch mit dem famosen Drummer Jack DeJohnette seligen Gedenkens. Interessanterweise fügen sich in diese kostbaren Kleinodien zwei großformatige Suiten, in denen eine wechselnde Triobesetzung mit Holzbläsern, Schlagzeug und Bass von Mitgliedern des Tschechischen Nationalen Symphonieorchesters in wirkmächtiger Klangpracht bemerkenswert delikat überglänzt wird. Auch dank Esperanza Spaldings poetischer Stimme in der fünfteiligen ‘Rhapsody’ ergibt sich so ein faszinierend stimmiger Kontrast zu den intimen Zwiegesprächen mit Michel Portal, der nicht zuletzt wegen Miroslav Vitous’ grandiosem ‘Mountain Call’ unvergessen bleiben wird.

Sven Thielmann, Fono Forum

Einst war der Kontrabass im Jazz vor allem das harmonisch und auch rhythmisch stützende Korsett. Jetzt sind sowohl das Instrument als auch dessen Protagonisten vom Hinter- in den Vordergrund gerückt, nämlich als exponierte Solisten und profilierte Komponisten. Zu den Pionieren dieser Equipage gehört Miroslav Vitouš aus Tschechien, dessen ‘Mountain Call’ durch seinen expressiven Bass con arco sich im Duo mit Michel Portal an der Bassklarinette in Call & Response reflektiert. Diese Programm-Coda verklammert das lyrische Intro ‘New Energy’ in gleicher Besetzung. Dazwischen ein melodischer ‘Tribal Dance’ mit Schlagzeuger Jack DeJohnette, die mystische ‘Epilog’-Aura mit selbst wie Aquarelle arrangierten Orchester-Kolorits, deren Intensität bei der ‘Rhapsody’ mit dem Gesang von Esperanza Spalding und lyrischen Combo-Improvisationen noch gesteigert wird

Hans-Dieter Grünefeld, Neue MusikZeitung

Mark Turners quartet recording Patternmaster thrills reviewers in US media

As its namesake suggests, this is a heady affair marked by spiky lines that zoom across rhythmic beds like electricity running through a schematic diagram. Far more captivating than catchy.

John Murph, Downbeat

Mark Turner has never been a saxophonist of easy declarations. His tenor rarely shouts for attention; instead, it moves through the music like a thought searching for its most exact shape. On ‘Patternmaster’, the follow-up to ‘Return From The Stars’ (2022), that familiar restraint remains, but the quartet sounds more road-tested, more physically alert. This is still Turner’s cool, high-wire music, but the wire now trembles with a little more heat. The album title helps frame the music. ‘Patternmaster’ takes its name from Octavia Butler’s science fiction, and Turner has also connected the title track to Wayne Shorter, another musician who made pattern, mystery and intuition feel like parts of the same language. The title also fits Turner’s own practice. He is not a ‘pattern master’ because he repeats motifs neatly. He is one because he understands how a pattern can bend, hide, mutate and still hold a group together.

With Jason Palmer on trumpet, Joe Martin on bass and Jonathan Pinson on drums, Turner has an ideal chordless quartet. Without piano or guitar, harmony is not delivered in blocks; it is suggested by motion. Palmer is crucial. His trumpet has a bright edge and a disciplined fire; he can shadow Turner in tight lines, then step out with enough force to remind listeners that this is not merely cerebral music. Martin gives the band its subterranean logic, often suggesting direction without locking the music down. Pinson, meanwhile, plays like someone testing the floorboards while everyone is still dancing on them. […] ‘Patternmaster’ is not an album that flatters the casual ear immediately. It asks for attention, but it repays that attention with shape, tension and quiet surprise. Turner’s tone and compositional mind remain the album’s center of gravity, but ‘Patternmaster’ works because Jason Palmer, Joe Martin and Jonathan Pinson keep that center in motion, challenging, redirecting and sharpening the music from within.

Sue Yang, All About Jazz