Reviews of the week

Renowned Swiss media recommend the debut recording of Joe Lovano’s new Paramount Quartet

Joe Lovano gehört seit Jahrzehnten zu den herausragenden Saxofonisten. Der Blick des 73-jähringen ist aber immer noch nach vorne gerichtet. Mit dem Paramount Quartet mit Julian Lage (Gitarre), Santi Debriano (Bass) und Schlagzeuger Will Calhoun hat er eine Band gefunden, die wie keine andere den freien Geist der Interaktion lebt.

Stefan Künzli, NZZ am Sonntag

Tatsächlich ist ‘Paramount Quartet’ ein Nonplusultra an feingewirkter, sehr vielfältiger, gleichzeitig sehr kompakter und sehr offener Combo-Kunst – vom ersten Titel, Charlie Hadens schönem ‘First Song’, bis zum letzten, Lovanos ‘Congregation’, einem bluesgetränkten Abschied. Getragen von den raffiniert subtilen Drums von Calhoun und dem kongenialen Bass von Debriano, erlauben Lovanos Stücke (alles Originale, ausser dem genannten ‘First Song’ und Wayne Shorters bewegender Billie-Holiday-Hommage ‘Lady Day’) viel melodische Eng- und Parallelführung, aber auch viel solistische Entfaltung. Vor allem auch viel atmende Raum-Kunst. Am deutlichsten macht dies der Titel ‘The Call’, in dem jeder Klang eine Art Echo des andern ist und das Ganze eine luftperspektivisch fein gestufte musikalische Landschaft.

Peter Rüedi, Weltwoche

The album A Sun That Never Sets by Ralph Alessi thrills US and German reviewers

In his move from quartet to quintet and the fortification of an already quirky, deconstructionist harmonic sound, New York–based trumpeter Ralph Alessi brings his fellow brass-blasting bro, esteemed trombonist of the New York Philharmonic Joseph Alessi, into his customary avant-garded fold. […] Joseph brings a stateliness (and a surprising sizzle) to every bouncing ball, every bell tone that he blares and shares with his brother on songs such as the atonally buggy ‘Duck Face,’ the marching polyphonic ‘Of Trees (Variations on a Theme by TB),’ and the resonant ‘Relaxed Misery.’ After checking deeply into the smart, hot sounds of Alessi brotherly love, stick around for the tender, trembling tones of ‘Sweet Spot,’ with Smith moodily manipulating the vibraphone, and Ralph’s handsomely angled battle royale with Mitchell throughout ‘Transitional Imagery.’

A.D. Amorosi, Jazz Times

Es bleibt dem Zuhörer gar nichts anderes übrig, als sich vorbehaltlosem Staunen hinzugeben, so rasch und unaufhaltsam changieren die Formen und Farben in dieser hochgradig erfinderischen Aufführung. Nach mehrmaligem Hören wird man dann ein wenig schlauer aus dem Eigensinn von Alessi und seiner Band und begreift immerhin, dass die versammelten Fachkräfte ihr Gemeinschaftswerk möglichst strikt auf Klischeevermeidung ausrichten. Keine tradierten Liedformen, keine herkömmlichen Akkordschemata, noch nicht mal mehr ein paar Blue Notes als Marker für das Jazzterritorium. Unter eigener Flagge hat sich Ralph Alessi nahezu unabhängig von tradierten Gepflogenheiten gemacht. Mit Synkopen aber, also mit diesen bewusst arhythmisch gesetzten Stolpersteinen, flirtet seine Musik hingebungsvoll. Und es kommt nicht von ungefähr, dass Synkope als medizintechnischer Terminus Bewusstseinsverlust bedeutet. […] Ches Smith ist hier, wie schon in den Bands von Tim Berne oder Craig Taborn, auch deshalb ein hochinteressanter Unruheherd, weil er ständig zwischen Schlagzeug und Vibraphon wechselt. Jeder im Quintett übernimmt mal die Hauptrolle, und alle vermögen sie auf ihre Weise überzeugend auszufüllen: Mitchell mit bewundernswertem Beharrungsvermögen gern leicht neben der Spur, Hébert mit eigenmächtigem großen Ton und Joseph Alessi mit seinen wohlgesetzten, kurvenreichen Posaunenbeiträgen. Auf Telepathie im Zusammenspiel verstehen sich diese Alleskönner noch dazu – und Ralph Alessi ist obendrein ein strahlender Instrumentalist […] Alessi strebt nach Glanz ohne Gloria, nach einem kitschfreien musikalischen Schönheitsideal. Und betreibt dennoch keine Kunst um der Kunst willen, dafür steckt zuviel Abenteuerlust in seiner kreativen Ambition.

Andreas Schäfler, Junge Welt

Mit Matt Mitchell am Klavier, John Hébert am Kontrabass und Ches Smith an Schlagzeug und Vibrafon verfügt Alessi über eine Besetzung, die seine musikalische Sprache bis ins Detail versteht. Die Musiker folgen den komplexen rhythmischen und harmonischen Strukturen nicht nur mit beeindruckender Präzision, sondern erweitern sie durch ihre eigenen Ideen. So entsteht ein Ensembleklang, in dem jede Stimme gleichermaßen Verantwortung übernimmt. Besonders faszinierend ist die Offenheit der Arrangements. Die Kompositionen besitzen eine klare architektonische Form, ohne den improvisatorischen Freiraum einzuschränken. Immer wieder lösen sich die musikalischen Linien voneinander, kreuzen sich erneut und entwickeln dabei eine Dynamik, die den Hörer ständig in Bewegung hält. Dabei beeindruckt vor allem die außergewöhnliche Klangkultur des Albums. Ralph Alessis Trompete entfaltet einen klaren, warmen und transparenten Ton, der selbst in den dichtesten Ensemblepassagen seine Ausdruckskraft bewahrt. Matt Mitchell bewegt sich mit großer Eleganz zwischen harmonischer Verankerung und freier Gestaltung, während Hébert und Smith ein rhythmisches Fundament schaffen, das zugleich flexibel und äußerst präzise bleibt. […] Mit A Sun That Never Sets legt Ralph Alessi eine Aufnahme vor, die höchste kompositorische Kunst mit lebendiger Improvisation verbindet. Das Quintett nutzt die Offenheit der Arrangements, um jede Komposition neu zu beleuchten, und schafft so ein Album, das von der ersten bis zur letzten Minute durch seine Kreativität, klangliche Eleganz und außergewöhnliche musikalische Intelligenz fesselt.

Jacek Brun, Jazz Fun

The re-issue of Mick Goodrick’s album In Pas(s)ing within the Luminessence vinyl series is reviewed on a US website

Let us start with the recording itself. For this album the quality of the recording is as important as the playing. It was made at Talent Studio in Oslo by Jan Erik Kongshaug—and is typically in the style of ECM Records: spacious, detailed, each instrument given room to breathe without being isolated from its neighbor. But here it genuinely enhances the music’s atmosphere. The recording never feels artificially distant; instead, it amplifies the sense that the quartet is improvising inside a large, emotional landscape. […] Released in 1979, this is an album that has gathered a reputation over the years.  Subtle and understated, ‘In Pas(s)ing’ is that rare album that rewards not just listening but the quality of attention you bring to it. Goodrick always put a special emphasis on accompaniment. His guitar tone here is beautiful and almost un-guitarish. He plays with a logic that is all his own.  His phrases emerge deftly and then disappear before we have apprehended them. […] In Pas(s)ing consists almost entirely of Goodrick originals, save for the collectively improvised title piece. The compositions are modest in the best sense. They present unassuming, thoroughly considered themes that function less as showcases than as invitations. […] Ultimately, ‘In Pas(s)ing’ is less about individual virtuosity than collective intelligence. Goodrick contributes the harmonic philosophy and emotional restraint; Surman supplies the elemental force and dramatic urgency; Gómez provides melodic elasticity and lyrical grounding; DeJohnette shapes the music’s internal weather.

Jack Kenny, All About Jazz

US and UK media on the album Winter Songs by Steve Swallow

On ‘Winter Songs’, bassist Steve Swallow stirs feelings of late-night New York in a small club where the musicians are playing for their own souls and sanity as much as for an audience. It’s thoughtful music of truth, beauty and community brought forth by a stellar cohort of close friends. Chris Cheek beautifully lays it down the saxophone. Mike Rodriguez lopes in his clear, soulful tone on trumpet. Adam Nussbaum comes in as fluid and tasteful as ever on drums. Gil Goldstein adds just the right panache on piano. Steve Cardenas lays back to dramatic effect on guitar. And Swallow, for his part, holds it down perfectly on bass. This is a thoughtful ensemble cast, not a cutting contest of individual stars, and it’s a record this writer will be playing over and over again when the moon and the mood are just right. […] These are ‘Winter Songs’ for any season.

Frank Alkyer, Downbeat (Editor’s Pick)

In a little under 45 minutes, the album generates a sense of calm, with undemanding compositions by Swallow being worked through with care and affection by what is essentially a chamber-jazz ensemble. The music is intricate and thoughtful, very much a sum of its parts, with no-one rushing to steal a solo or engage in a competitive exchange of ideas. The album whispers into being with Gil Goldstein and Steve Cardenas picking out a melody on piano and guitar, before Mike Rodriguez lays down some atmospheric, slightly melancholy lines on trumpet to open up the track. Swallow works away with subtlety in the background, content to let his fellow musicians take the lead. This is one of those albums that grows on the listener over repeated listens. Beautifully crafted, its strength lies in the understated connection between the players, and the emotional power that can be generated when it sounds like you are not really trying at all.

John Adcock, Jazz Journal

‘Winter Songs’ is a cohesive musical statement featuring Steve Swallow’s intelligent post-bop compositions performed by these great musicians to produce a stunningly beautiful album. I have listened to this over and over again and I never tire of it.

Don Berryman, Jazz Police

The new recording of works by Prokofiev, Pärt and Schnittke with the Duo Gazzana is recommended in a German music magazine

Die italienischen Schwestern Natascia und Raffaella Gazzana haben als Duo in den letzten Jahren mehrmals mit klug zusammengestellten Programmen – meist aus der Musik des 20. Jahrhunderts – auf sich aufmerksam gemacht. Auch ihre neueste Veröffentlichung mit Werken aus dem – weit gefasst – sowjetischen Kulturkreis weiß für sich einzunehmen. Und in allen Werken trifft das Duo den angemessenen Ton. […] Prokofjews Sonate, eine seiner leidenschaftlichsten Kompositionen, interpretieren die beiden konsequent kämpferisch: Hier gibt es nur wenige Aufhellungen; die Kompromisslosigkeit der Aussage trifft sich mit größtmöglicher Deutlichkeit der Artikulation […] . In den Fünf Melodien kommt dann der unschlagbare Melodiker zum Zuge, und die Darbietung dieser Stücke durch das Duo Gazzana vermag durch ihre leidenschaftliche, schmucklose Schönheit tief zu berühren. […] Schnittkes ‘Gratulationsrondo’, ein vorwiegend gut gelauntes Stück im ‘klassischen Stil’, vermag zwar auch das Duo Gazzana nicht zu einem Meisterwerk zu erheben, es sorgt aber zumindest für einen ausgewogenen Ausklang dieser empfehlenswerten CD.

Thomas Schulz, Fono Forum

The vinyl-reissue of Arvo Pärt’s Alina fascinates a German reviewer

Es gibt LPs, die selbst bei ganz schlichten Melodien eine unglaubliche Ausstrahlung haben. ‘Alina’ von Arvo Pärt ist eine solche! Man wird regelrecht hineingezogen in diese meditative Musik – eine unsichtbare Kraft geht von den beiden Kompositionen ‘Spiegel im Spiegel’ und ‘Für Alina’ aus, die hier in Variationen zu hören sind. […] Würde man eine kurze Sequenz daraus anhören (wie es heutzutage bei den maximal 30-sekündigen Beispielen online üblich ist), würde sich dieser Zauber nicht entfalten. Man könnte es mit dem Betrachten einer Meeresbrandung oder dem Sinnieren am Lagerfeuer vergleichen – es sind Momente der inneren Einkehr, und die Schallplatte ‘Alina’ fungiert als der Soundtrack dafür.

Manfred Krug, Vinyl Fan

The duo album Reaching for the Moon by Elina Duni and Rob Luft enchants reviewers in the UK and Germany

Together they explore songs from many different countries and cultures, and it’s great to find that the CD booklet includes translations of the lyrics. Luft is a master of his instrument and also of the electronics he uses, and there are many magical moments when he duets with the singer rather than just accompanying. Above all,  he makes electric  guitar sounds that are beautiful and human, while Duni seems to be able to deliver and engage emotions whatever the language.

Andrew Everard, Hi Fi News

Eingerahmt von Irving Berlins Titelsong und dem finalen, ungemein sensibel intonierten ‘Lonely Woman’ von Ornette Coleman schwebt ihre delikate Stimme über meist sphärischen, nur sparsam akzentuierten Gitarrengrundierungen durch zarte Klanggespinste aus aller Welt – vielsprachig kredenzt mit feinem Gespür für die melodische Schönheit unterschiedlicher Traditionen, wofür ihr auf Farsi gesungenes ‘Leili Lullaby’ der persischen Sängerin Mahsa Vadat nur ein stupendes Beispiel ist. Ob der atmosphärisch luftigen (no pun intended), gleichwohl intensven Dialoge von Elina Duni und Rob Luft ist man schwer bewegt – ein traumhaft schönes Album für stille Stunden.

Sven Thielmann, Fono Forum