Reviews of the week

The freshly released trio album Windflower by Ayumi Tanaka, Thomas Morgan and Thomas Strønen is welcomed by media in the US and Germany

‘Windflower’ finds three experienced improvisers creating music of patience and restraint. Although eight of its nine pieces are freely improvised, the distinction between composition and improvisation is deliberately blurred. […] Tanaka’s background in classical composition continues to influence her musical language. Elements of a Japanese approach: economy, balance and an appreciation of silence, merge with the spaciousness often associated with Nordic jazz. Throughout the recording, the trio shapes its music by listening and responding, weaving abstract ideas alongside the more melodic and changing their shared energy to produce expressive, freely improvised chamber jazz. The ‘Windflower’ of the album’s title is often regarded as a symbol of beauty across various cultures. That transient beauty is encapsulated in Tanaka’s luminous piano, which suggests ideas, rather than driving them home, as Morgan’s bass weaves over a framework built by Strønen’s percussive patterns. […] Alongside Morgan’s sympathetic elasticity and Strønen’s ability to imply an underlying structure, Tanaka’s crystalline phrasing remains at the center of the music. She senses the right time to hold back or weigh certain notes heavier than others, and the intuitive, searching interplay makes this a made-in-the-moment pleasure.

Neil Duggan, All About Jazz

The point, however, is not how long this trio has been hanging out together (since 2024), but how well they work together (very well indeed). Though known as one of the foremost experts at playing everywhere but on the beat, Strønen hews closer to a steady groove than usual, with Morgan adding subtle accompaniment. This foundation – light but steady – gives Tanaka plenty of room to move. She’s not a firebreather – rippin’ solos aren’t her bag. Instead she composes expansive melodies enhanced by lush chording and uncommon arpeggios, straddling a line (much as Strønen does with his band Time is a Blind Guide) between classical romanticism and jazz discordance. […] As might be guessed merely from the album’s title, the music on ‘Windflower’ is for listening rooms, rather than nightclubs. Indeed, a church sanctuary might make the perfect venue, with that room’s natural acoustics being as much of a natural partner to these sounds as the players are with each other. And, yes, that’s meant as a high compliment.

Michael Toland, The Big Takeover

Fantastisch ist das anzuhören, wie sich die drei Musiker in ihrem Zusammenspiel immer mehr steigern und dramaturgisch verdichten. Passend heißt der Titel auch ‘driftwood’. Treibholz das in die Quere kommt, wie in einem anfänglich scheinbar ruhig dahin gleitenden Wasserspiel. Neun Kompositionen haben Ayumi Tanaka, Thomas Morgan und Thomas Stroenen zusammengestellt. Das titelgebende, fragile Stück ‘Windflower’, anders auch als Windröschen oder Anemone bekannt, symbolisiert in mehreren Kulturen die Vergänglichkeit der Schönheit und die Notwendigkeit, den Augenblick zu erfassen und zu bewahren. […] jazzige Balladenkunst vom Feinsten.

Ulrich Möller Arnsberg, Bayerischer Rundfunk

The album A Sun That Never Sets by Ralph Alessi is recommended by media in the US, UK and Germany

With ‘A Sun that Never Sets’, New York-based trumpeter and composer Ralph Alessi puts forward a transporting record of originals. Throughout, Alessi strikes several masterful balances, particularly notable for adventurous improvisational music, which can often be overthought and overcomplicated. ‘A Sun that Never Sets’ is understated and upbeat; commanding and tender; composed and spontaneous. This new record lives where many ECM releases do: at the intersection of modernist classical music and avant-garde jazz. Alessi cites saxophonist Ornette Coleman and classical composer Igor Stravinsky as two of his greatest inspirations. The influence of both idols can be heard in Alessi’s masterful approach to composition on ‘A Sun That Never Sets’. His songs repeat and build on syncopated and harmonically unexpected themes, while also weaving playful improvisations, often shared with his brother, trombonist Joseph Alessi, and the rest of the in-sync band. […] Finally, ‘Behind Clouds’ resounds like a meditation, ending the riveting 11-song record in a luxurious deep breath.

Alexa Peters, Downbeat

Some albums you fall in love with – or indeed hate – from the opening notes. This is one that needs a few listens to think about. The compositions are eventful but not immediately lovable. But they grow on you, and you come to admire the result. […] It’s an intelligently conceived and varied programme, with all compositions by Ralph Alessi. ‘A Sun That Never Sets’ is trenchant, ‘Nothing Is Dead’ is plangent, with Joseph Alessi adding otherworldly moans to the background.

Andy Hamilton, Jazz Journal

Oggi il trombettista si presenta con il fratello Joseph, trombonista classico della New York Philharmonic, in aggiunta ai suoi tre partner più recenti, il pianista Matthew Mitchell (da oltre un decennio al suo fianco), il contrabbassista John Hébert e il batterista e vibrafonista Ches Smith. Le 11 nuove composizioni, registrate nel febbraio 2025, offrono il meglio dello stile alessiano con una pienezza espressiva consolidata, sicura e piena. Due dichiarazioni illuminano l’ascolto del cd. ‘In questa band’, dice Ralph, ‘ognuno è così forte, e non c’è quasi mai bisogno di dire nulla, il che è proprio quello che preferisco.’ Ovvero è quasi immediato e palpabile il rapporto tra i musicisti, le interazioni tra loro scoccano come scintille nella notte, la fiducia reciproca brilla immediata in ogni frangente. Il jazz attualissimo del musicista nato nella zona di San Francisco, ma da sempre attivo a New York, sgorga come un incrocio di emozioni tra i cinque, che mostrano il comune desiderio di riempire vuoti, certi che la forza comunicativa sta nella chiarezza, nella precisione e nella profondità. […] Così Alessi riesce qui a unire la sua esperienza di artista 63enne rodato a mille esperienze (e che ne considera suoi maggiori riferimenti Ornette Coleman e Igor Stravinsky) con la ricerca, l’esuberanza e la fantasia di chi è ‘al primo tentativo’. E il risultato è più che luminoso.

Raffaello Carabini, Spettakolo

La scrittura di Ralph Alessi appartiene a quella particolare area del jazz contemporaneo in cui l’elaborazione del linguaggio non passa necessariamente per l’abbandono dei materiali acquisiti dalla tradizione, quanto per una loro radicale riorganizzazione. ‘A Sun That Never Sets’, quinto album del trombettista e compositore per ECM, offre una testimonianza particolarmente eloquente di tale orientamento. L’organico rimane quello, apparentemente consueto, del quintetto jazzistico, con tromba, trombone, pianoforte, contrabbasso e batteria, mentre il lessico di riferimento conserva elementi riconducibili al post-bop e alla scrittura cameristica. Alessi riesce tuttavia a sottrarre questi materiali alla prevedibilità attraverso una concezione compositiva nella quale ritmo, intervalli, registri e disposizione delle parti concorrono alla costruzione di un universo sonoro immediatamente riconoscibile.

Francesco Cataldo Verrina, Doppio Jazz

The re-issue of Mick Goodrick’s album In Pas(s)ing within the Luminessence vinyl series excites German reviewers

Goodricks Stil an der Gitarre ist alles andere als aufdringlich. Er benötigt weder Effekthascherei noch virtuoses Tempo. Stattdessen zeichnet sich sein Spiel durch Raffinesse und Zurückhaltung aus, geprägt von subtilen Schönheiten und einer achtsamen Kommunikation mit seinen Mitspielern. Besonders hervorzuheben ist das Zusammenspiel mit John Surman (Sopran- und Baritonsaxofon, Bassklarinette), das traumhafte Verbindungen schafft. Auch Eddie Gómez am Kontrabass und Jack DeJohnette am Schlagzeug erweisen sich hier einmal mehr als Meister ihres Faches. Obwohl es keiner detaillierten Analyse der einzelnen Titel bedarf – die fünf Stücke sind durchweg von gleichbleibender Genialität geprägt – möchte ich dennoch ‘Pedalpusher’ als besonderen Anspieltipp empfehlen. Hier wird exemplarisch deutlich, wie Goodricks Spielweise eine fast telepathische Verbundenheit mit seinen Partnern erzeugt. ‘In Pas(s)ing’ ist in jeder Hinsicht atemberaubend schön, verwurzelt in den Traditionen des Jazz und gleichzeitig zeitlos im Kontext moderner Musik.

Manfred Krug, Vinyl-Fan.de

Schon die ersten Takte von ‘Feebles, Fables And Ferns’ machen deutlich, dass Goodrick kein Solist im herkömmlichen Sinn ist. Seine Gitarre sucht nicht das Rampenlicht, sie öffnet Räume. Mit ihrem warmen, singenden Ton setzt sie Impulse, lässt John Surmans sonores Baritonsaxofon atmen und schafft gemeinsam mit Eddie Gomez und Jack DeJohnette eine Musik von beinahe schwereloser Balance. Produzent Manfred Eicher fing diese Novembertage 1978 im Osloer Talent Studio mit jener kristallinen Klarheit ein, die den besten ECM-Aufnahmen ihre zeitlose Aura verleiht. Hier wird nicht musiziert, um Virtuosität auszustellen – hier entsteht ein Gespräch, in dem jede Stimme zuhört, bevor sie antwortet. […] Es sind Kompositionen, die weniger erzählen als andeuten – Musik, die ihre Geheimnisse nicht preisgibt, sondern sie mit jedem Hören neu formuliert. Über allem schwebt das beeindruckende Zusammenspiel dieses Quartetts. Eddie Gomez erhebt seinen Bass weit über die Rolle des Begleitinstruments hinaus, seine melodischen Linien besitzen eine fast gesangliche Qualität. Jack DeJohnette wiederum demonstriert einmal mehr, weshalb er zu den großen Schlagzeugern des modernen Jazz zählt: Seine Präsenz ist nie dominant, aber jederzeit spürbar, voller kontrollierter Energie und subtiler Dynamik. Und John Surman liefert eine Sternstunde ab – auf Bariton, Sopran und Bassklarinette entfaltet er melancholische, bisweilen raue Klanglandschaften, die Goodricks zurückhaltende Ästhetik perfekt ergänzen. Dass der Bandleader sich immer wieder bewusst hinter seine Mitspieler zurücknimmt, ist keine Bescheidenheitsgeste, sondern Ausdruck eines musikalischen Selbstverständnisses, das den gemeinsamen Klang über das individuelle Ego stellt. […] Das Vinyl-Re-Release ist deshalb weit mehr als eine liebevolle Archivpflege. Es ist die verdiente Rückkehr eines Albums, das zu den kostbarsten, poetischsten und unterschätztesten ECM-Veröffentlichungen der siebziger Jahre gehört – ein Meisterwerk des feinen Tons, das seine ganze Größe erst im aufmerksamen Zuhören offenbart.

Sebastian Meißner, Sounds and Books

Diese Musik hält allen hohen Ansprüchen auch knapp 50 Jahre nach ihrer Entstehung locker stand. Somit ein zeitloses Zeugnis taufrischer Musik, obwohl sich seitdem die gesellschaftlichen Spielregeln um uns herum enorm gewandelt haben. […] Goodrick, der drei Jahre zuvor neben Pat Metheny zweiter Gitarrist in Gary Burtons Band war, hat sich für seine Debüt-Einspielung gemeinsam mit Manfred Eicher für ein Quartett entschieden, zu dem der Engländer John Surman (Soprano Saxophone, Baritone Saxophone, Bass Clarinet), der Puerto Ricaner Eddie Gomez und der Amerikaner Jack DeJohnette (Schlagzeug) gehören. Alle vier kennen sich von zuvor realisierten unterschiedlichen Projekten und finden in diese Aufnahme auf beinahe traumwandlerische Art zueinander. Sie bringen die Musik zum Pulsieren, lassen sie atmen und nehmen ihr doch niemals die Spannungsbögen. Die Vier lassen flüchtige Motive entstehen, setzen auf die integrative Kraft des Jazz und präsentieren so ein Jazzerleben der besonderen Art. […] Es sind lebendige, warme Geschichten, die das Quartett musikalisch erzählt, mit folkloristischen Anspielungen, modernen Strukturen, unerwarteten Wendungen und nach melodischen Prinzipien. Diese strukturierte Freiheit lebt zudem von einer farbigen, auffrischenden Poesie.

Jörg Konrad, Kultkomplott

The album Winter Songs by Steve Swallow excites a US reviewer

The band on ‘Winter Songs’ consists of top-notch players a generation younger who have all played with Swallow or Bley or both: Cardenas on guitar; Mike Rodriguez, trumpet; Chris Cheek, tenor sax; Gil Goldstein, piano; and Adam Nussbaum, drums. Since the ‘70s, Swallow has played an electric bass handmade by Harvey Citron, a master luthist in Woodstock, near Swallow’s home. It’s a five-string model, the extra string being a high C rather than a low B, as is usually the case. This allows him a lightness in the bass clef, or lets him glide alongside the melody when he wants. Sometimes (though not on this album), he plucks or strums the melody, or some variation in a solo, as if he were playing a guitar. […] The sound, recorded by Tyler McDiarmid on vintage gear at Sear Sound Studio C, is superb. […] The sound is instantly compelling. The music, at first intriguing and pleasant, grows on you. It’s an album to last through many winters.

Fred Kaplan, Tracking Angle

The re-issue of the album Balladyna by Tomasz Stánko within the Luminessence vinyl series thrills a US reviewer

The Polish trumpeter, who passed away at age 76 in July, 2018 made his ECM debut with this muscular, free-form quartet album anchored by bassist Dave Holland, who Manfred Eicher brought to the session, and drummer Edward Vesala. Stanko and saxophonist Tomasz Szukalski run the voodoo down bathed in echoey sheen on top of the hypnotically precise rhythm duo. […] You could spend all of your listening time paying attention to Vesala’s busy, staccato kit, which on the epic title tune is spread across the soundstage and while that’s normally not how I like to consume recorded drums, here it’s fine and I can confidently say that having had the original pressing for many decades of not exactly easy, but very rewarding listening. Vesala’s arsenal includes strings of rustling bells and Chinese opera gongs. Side one ends with an under 3 minute Holland/Stanko improv that’s a never ending wonder.

Michael Fremer, Tracking Angle

The album Feebles, Fables & Ferns by Mick Goodrick and Fred Hersch is recommended by media in the US, Austria and Italy

A meeting of melodic minds takes place on this pasteled collection of ideas from guitarist Mick Goodrich and piano man Fred Hersch. The moods are rich and conversational, with ideas so sophisticatedly subtle that you might miss the nuanced subtitles of the sounds. There’s a deft cleverness throughout, with joyful interplay on the rich parlored ‘Heartsong’ while the two get crystalline on the elliptical read of ‘Out of Nowhere’. The shadows are rich and long on ‘Soul Eyes’ while Hersch brings in dewdrops to ‘Falling Grace’ and Goodrich is tender as he prances around on the title piece.

George W. Harris, Jazz Weekly

Die beiden erweisen sich jedenfalls als hellwache Partner, die frei improvisierte Abstraktion (‘Five Excursions’) ebenso beherrschen wie jubilierende Emphase (‘Heartsong’). Eine stupende Fülle von Einfällen wird eloquent entfesselt, ohne dass Virtuosität dabei zum Selbstzweck verkommen würde.

Klaus Nüchtern, Falter

New York, August 1988. Zufällig hatten der Pianist Fred Hersch und der Gitarrist Mick Goodrick (1945 – 2022) erstmals ein paar Gigs gespielt, beide unterrichteten am Berklee College in Boston. Und da die Chemie zwischen ihnen stimmte und Hersch in New York City bereits sein eigenes Aufnahmestudio besaß, lud er Goodrick ein, doch einen Nachmittag gemeinsam zu improvisieren und dabei das Band mitlaufen zu lassen. Einfach so. Zwei Stunden spielten sie damals in von außen kaum nachvollziehbarem Einverständnis. Aus diesem Material hat Hersch gut 40 Minuten extrahiert. […] Dass dieser magische Augustnachmittag von 1988 in New York nun für alle Interessierten nacherlebbar wird, wäre – so ist sich Fred Hersch in einem ECM-Podcast sicher – vollkommen in Goodricks Sinne. Denn er selbst mochte diese Aufnahme sehr. Und als er 2022 an den Folgen von Covid 19 und seiner Parkinson Erkrankung starb, wurde allgemein bedauert, dass es zu wenige Aufnahmen von ihm gibt. Diese eine improvisierte, mit diesem traumwandlerisch sicheren Zusammenspiel voll Phantasie, Poesie, hoher Komplexität und Intensität, macht das ein Stück weit wett.

Miriam Jessa, Österreichischer Rundfunk

‘Feebles, Fables and Ferns’ è un disco che sarà ricordato, come ha affermato lo stesso pianista (‘il momento clou per me è stato il livello di esecuzione d’insieme’), per l’interplay tra i due, per la maturità di due maestri, che hanno capito che la poesia vera sta nella profondità dei passaggi e dei colloqui, e per la sua atmosfera, che crea uno spazio di ascolto diverso. Il flusso emotivo non ha perso nulla della sua godibilità in quasi vent’anni, grazie anche alla qualità dei brani.

Raffaello Carabini, Spettakolo