UK and German reviewers on the new album Tractus with music by Arvo Pärt
An original and intriguing collection of works, this, with beautiful recorded sound, as always, and outstanding performances of passion and precision guided by the presiding genius of Tõnu Kaljuste.
Ivan Moody, Gramophone
Es ist eine geistreiche, eine sprechende Musik. Eine, die deswegen so unmittelbar wirkt, weil sie Sprache nicht nur begleitet, sondern sie gewissermaßen inhaliert hat. […] Sie lebt die Worte, bringt sie zum Leben, auch wenn man sie gar nicht hört, wenn sie nur als Inspiration dienten wie ein altes, kirchenslawisches Gebet für ‘These Words’. Darin scheinen Streicher-Schraffuren aus dem Nichts auf, etwas pulst, klingelt, Klangflächen heben zu singen an, reden, erzählen von Bedrohungen, Verfehlungen der Menschen und rufen den Schutzengel an. In einer guten Stunde entsteht so etwas, das man selten so dringend brauchte wie heute, ein Vademecum für die lärmende Gegenwart. […] Aber seine Musik missioniert nie, tritt einem nie zu nahe, umarmt einen aus einer sanften Distanz. Pärt lädt ein. Und er macht einen hoffen und gelassen. Braucht man gerade.
Elmar Krekeler, Die Welt
Early international reactions to the new album Compassion by Vijay Iyer with Linda May Han Oh and Tyshawn Sorey
The pianist’s group improvises with entrancing dynamism. This second offering from Mr Iyer’s trio invests yet further in the qualities that make the ensemble singular, not least a shared fascination with nuances of rhythmic expression on a communal sense of flow. It revels in dynamics that are calibrated with great care and […] achieve startling force.
Larry Blumenfeld, The Wall Street Journal
Le deuxième album de cette nouvelle formule en trio de Vijay Iyer, après ’Uneasy’ est une œuvre foisonnante et magistrale. […] nous sommes saisis par l’aspect tout aussi viscéral qu’intellectuel de cette musique […] L’une des clés de la musique d’Iyer reside dans son univers rythmique singulier, ou l’ambiguïté peut surgir de l’accentation et du phrase autant que de la métrique en ellemême.
Vincent Cotro, Jazz Magazine (Choc)
Its songs embrace pain, joy, pleasure, and suffering, yet are articulated with openness and equanimity. According to Iyer’s liner notes, the players developed their music on-stage. […] The reading of Stevie Wonder’s ‘Overjoyed’ was inspired by Chick Corea’s performance during his final livestream. It was developed on the loaned piano Corea used for it. During the album’s final third, the musicians deliver one of the most creative, locked-in improvisations on the record. The stillness in ‘Prelude: Orison’ softly, spaciously quotes from ‘Nature Boy’ before deliberately illuminating vulnerable resonance in each note, emerging into each deliberately placed chord voicing which is then underscored by Oh’s poignant solo. […] ‘Compassion’ is a hefty companion to ‘Uneasy’. Musically, it’s deeper and wider. Their mature group invention is heightened by their playing together live. They bring a fresh, intensely interactive, seemingly time-elasticizing approach to the jazz piano trio that is at once bracingly kinetic, intimate, and lyrical.
Thom Jurek, All Music
Vijay Iyer seems to reinvent the piano trio with every new LP and ‘Compassion’ […] is no exception. As well as a rumbling, waltz-time reworking of Stevie Wonder’s ‘Overjoyed’, there are hard-grooving pieces, heavy-duty avant garde freakouts and ruminative meditations that are closer to fin de siècle romanticism than jazz.
John Lewis, The Guardian
Vijay Iyer’s ‘Compassion’ should ratify his position alongside Brad Mehldau and Fred Hersch in the pantheon of contemporary jazz pianists/composers. […] Once again in the company of bassist Linda May Han Oh and drummer Tyshawn Sorey, the visionary musician leads an ensemble that formulates an exquisite redefinition of jazz’s well-established instrumental concept of the piano trio. […] Having released twenty albums (and eight for ECM) at this point, across a remarkably diverse span of style, Iyer may be returning to his forte with the patiently-rendered interpretation of this title song. An original that resides quite comfortably next to the rollicking likes of Stevie Wonder’s ‘Overjoyed,’ (a tribute to the late Chick Corea who also covered it), its elegance and empathy render it of a piece with the medley of the John Stubblefield / Geri Allen compositions ‘Free Spirits’ / ‘Drummer’s Song.’ […] Iyer’s deft note placement frames the equally precise playing of Oh. A tacit reminder that nowhere here do she or her comrades merely mark time, the gentle but firm notes she draws from her instrument resonate through the clarity of engineer Ryan Streber’s recording and the co-production by Iyer and label founder Manfred Eicher. The pair’s simpatico, like that of the aforementioned technical participant, is an accurate reflection of that shared by the musicians who so effortlessly bond during ‘Compassion.’
Doug Collette, All About Jazz
Although ‘Compassion’ is only their second album together, the three musicians have connections that stretch back many years, in Iyer and Sorey’s case for two decades or more. You can hear the group cohesion, energy and understanding. Over a dozen diverse tracks, nine written by Iyer – there is also a spirited interpretation of the Stevie Wonder earworm ‘Overjoyed’ – the music ranges across a complex Venn diagram of blues, classical, soul, funk and free improv, with a deep knowledge and respect for jazz (there, I said it) at its intersecting centre. It is heady and visceral stuff, a state-of-the-art trio working at the very highest level.
Philip Watson, The Irish Times
Belgian reactions to the new album Songs Of Fate by Gidon Kremer with the Kremerata Baltica and Vida Miknevičiūtė
Un voyage intime,chargé d’èmotions, qui nous plonge au cœur d’une musique introspective, qu’on vit pleinement. Emouvant et percutant.
Gaëlle Moury, Le Soir
Formidable disque […] Des œuvres de l’intimité, de la pudeur, de l’indicible, superbement racontées par Kremer, son orchestra et sessolistes.
Nicolas Blanmont, La Libre Belgique
French and UK reactions to the new duo album Touch of Time by Arve Henriksen and Harmen Fraanje
Mission accomplice avec ce délicat ’Touch Of Time’ superbement enregistré, et mis en lumière par le trompettiste norvégien Arve Henriksen, associé au pianiste néerlandais Harmen Fraanje […] Tout s’énonce ici dans la nuance. […] Douceur mélodique, lyrisme et textures d’une pureté rare sont les atouts majeurs de ce travelling sonore qui évoque les paysages bruts du grand nord. Combinant écriture et improvisation maîtrisée, le duo imagine des formes aux contors délicats. Par la grâce d’une connivance detout instant, ils offrent un moment intemporel et délectable.
Jean-Pierre Vidal, Jazz Magazine
The music presented on ‘Touch of Time’ is quietly mesmerizing. Delicate melodies passed back and fore between the duo, the solos appearing organically out of the dialogues. These solo statements often service to prompt a further conversation, and even though these are whisperered, we are privileged to be able to eavesdrop. Using what may be perceived as a narrow framework, the duo conjures up a myriad of moods and emotions from the opening ‘Melancholia’ and the retrained joy apparent in ‘The Beauty of Sundays’. The electronics are used sparingly and tastefully, never detracting from the acoustic instruments and melodies but gently create or enhance the texture and direction of the music, as heard on ‘Redream’ and ‘Mirror Image’. The combination of Fraanje’s lyrical and sensitive approach at the keyboard and Henriksen’s pure toned trumpet is a delight and signals a highly fruitful partnership. Henriksen’s distinctive trumpet playing is now becoming one of the most readily identifiable sounds in contemporary music, and his quiet yet brassy open trumpet has a tone that is capable of a purity and beauty seldom heard on the instrument. Coupled with his control of the instrument, at times sounding more like the traditional Japanese shakuhachi than a brass instrument the timbral range is extraordinary. With Fraanje’s economical touch at the piano there is a wonderful balance between shared melodic duties and accompaniment. […] This is a beautiful album that quietly weaves its magic over ten compositions that have much to say and do so in hushed tones. An album for those reflective moments when time stands still.
Nick Lea, Jazz Views
The new album The Blue Land by the Matthieu Bordenave Quartet is acclaimed by French and Austrian media
A travers une série de themes originaux mettant en valeur ses talents de compositeur, le saxophoniste, modifiant les dynamiques et les couleurs de la musique sans en dénaturer l’esthétique, déploie son phrase tour à tour sinueux et anguleux, explore les raffinements d’une musique aux formes ouvertes, cérébrale et sensuelle, et confirme tous les espoirs que l’on avait placés en lui.
Stéphane Ollivier, Jazz Magazine
Es ist der unglaublich reizvolle Kontrast zwischen meditativer Ruhe und überbordender Expressivität, zwischen liebevoller Umarmung und gewagter Dissonanz, zwischen Bewegungen in geordneten Mustern und freier Entfaltung, der einen – mit jedem weiteren Anhören in noch stärkerem Maße – gefangen nimmt. Der schon seit langem in München lebende südfranzösische Saxophonist Matthieu Bordenave hat für dieses eindrucksvolle musikalische Wechselspiel im Pianisten Florian Weber und im Schweizer Kontrabassisten Patrice Moret – alle drei bewegen sich souverän im Spannungsfeld zwischen Jazz, Klassik und zeitgenössischer Kammermusik – die idealen Partner gefunden […] Gleich der Opener ‘La Porte Entrouverte’ – die halboffene Tür mag für diese Musik stehen, die sich permanent in einer Art durchlässigen Schwebezustands zwischen reizvollen Gegenpolen bewegt – zeigt unmissverständlich, dass man hier keine ausgetretenen musikalischen Trampelpfade gehen wird. Im gut zweiminütigen Piano-Intro malt Weber mit verträumt suchenden, sich immer wieder dramatisch aufbäumenden Läufen an einem impressionistischen Klangbild und sorgt damit für einen ungemein stimmungsvollen Auftakt, der in einen ausdrucksstarken Trialog mit dem sehnsuchtsvoll schmachtenden Sopransax und dem dezent-wirkungsvollen Bass übergeht. Schließlich bringt sich auch Maddren mit höchst sensibler Besenarbeit ins musikalische Geschehen ein, und die vier Stimmen verschränken sich auf reizvolle Weise. Der darauf folgende Titeltrack entwirft eine mit schrägen, teils geräuschhaften Einwürfen gespickte Klanglandschaft, in der sich spontane Eingebungen zu kommunikativen Einheiten verdichten. […] ‘Three Peaks’ schließlich ist aus den Erinnerungen an eine Wanderung in der ruhigen Bergwelt der Pyrenäen gespeist – ein wundervoller Abschluss für ein exzellentes Album.
Peter Füssl, Kultur
A German daily paper on the piano solo album Call On The Old Wise by Nitai Hershkovits
Obwohl von der Musik auf seinem aktuellen Album nur wenig im herkömmlichen Sinne komponiert und das Meiste improvisiert ist, tritt er nicht wie ein Jazzmusiker auf. Seine Improvisationen perlen nicht assoziativ dahin, grooven kaum, steuern nicht auf dynamisch-rhythmische Zuspitzungen los. Sie entwickeln sich aus formalen, harmonischen oder melodischen Keimzellen, aus mehrdeutigen musikalische Gedanken, die er in aller Knappheit weiter denkt. Präludien, Themen, Durchführungen gibt es nicht. Nichts wirkt rhetorisch, nichts ufert aus. Widersprüche werden formuliert, aber nur kurz. Sie verhalten sich enorm produktiv, ohne die Form zu verletzen.
Hans-Jürgen Linke, Frankfurter Rundschau
