11.10.2024 | Reviews of the week
The freshly released album Ashes To Gold by the Avishai Cohen Quartet is welcomed by US and French media
Trumpeter and composer Avishai Cohen continues his winning streak with Ashes to Gold. The Israeli musician’s thirteenth album – and sixth for ECM – was written, rehearsed, and recorded in the wake of Hamas’ attack on Israel on Oct. 7, 2023, something that deeply affected the work. A multi-part suite, ‘Ashes to Gold’ feels more painterly than previous Cohen albums. Relying less on improvisation than on focused group interplay, the band – Cohen on trumpet, flugelhorn, and flute, Yonathan Avishai on piano, Barak Mori on bass, Ziv Ravitz on drums – pours a rollercoaster of emotions into the suite: rage, terror, disappointment, melancholy, a deep desire for peace. Unfolding with the careful precision of a classical symphony, ‘Ashes to Gold’ swoons with the delicate beauty Cohen brings to most of his work, but also throbs with the conflicting feelings brought on by war. Quietly stunning in that distinctive Cohen manner, it may well be the leader’s masterpiece.
Michael Toland, The Big Takeover
The failed Iran missile strike against Israel is the breaking news as this review is being written. In a weird way it only amplifies the importance of this recording from Tel Aviv trumpeter Avishai Cohen and his quartet. ‘Ashes to Gold’ was recorded by Cohen and his colleagues shortly after the Israeli-Gaza war began. This is a vital document that deeply reflects the tension of what is taking place in the Middle East […] Cohen convenes his trusted collaborators pianist Yonathan Avishai, bassist Barak Mori and drummer Ziv Ravitz in a way he hadn’t previously. Past albums were recorded with an improvisational flair as Cohen didn’t hand the music to his bandmates until they entered the studio. Here, he was clearly after a through composed, concentrated effort, scrutinizing every note and detail. This music, written in the compressed time of just one week, evolved through performances to form what you hear. […] With the stunning suite complete, Cohen takes pause by turning to one of his favorite classical pieces, the haunting Adagio assai from Maurice Ravel’s G Major piano concerto. The piece has an endearing but melancholy melody that sustains the mood of the suite, and bears some similarity to his writing style as it morphs though calm and heated passages. To conclude this masterful work, Cohen takes a simpler route, recording ‘The Seventh,’ with its basic but indelible melody composed by his teenaged daughter Amalia. Drummer Ravitz and bassist Mori establish a steady groove, over which Avishai and Cohen embellish the melody in a searching way, knowing that hope is vital but elusive. By almost any measure, ‘Ashes to Gold’ is one of 2024’s most important musical statements.
Jim Hynes, Making A Scene
‘Ashes To Gold’ exprime avec une distance jamais froide (ECM et la Buissonne dans leur version la plus captivante) une intimité musicale qui interpelle.
Pierre Tenne, Jazz News
Za Górami by Alice Zawadzki, Fred Thomas and Misha Mullov-Abbado enchants a leading US jazz magazine
For over half a century, ECM has been steadfast in certain non-negotiables: pristine qualities of sound and space, a migration of the American jazz tradition into other cultures, fostering higher-level compositional processes with a serious probing of the depths of improvisational discovery. This latest album epitomizes what ECM founder Manfred Eicher has sought to portray. Fred Thomas, whose first ECM effort was a collection of Bach transcriptions, applies those sensibilities in his delicate work on piano and Vielle, which he bows in ‘Los Bibilikos’ behind Alice Zawadzki’s violin (which she plucks like an oud here) and her distinctive yet versatile singing, reflecting here the Sephardic culture of Spain and Portugal. […] ‘Za Górami’, the title track, is announced boldly in Polish by Zawadzki, her voice charged with urgency while Mullov-Abbado and Thomas (whose partially prepared piano sounds like tuned gongs) drive a descending repeated figure, dissipating into languid contemplation as Zawadzki warms to passionate pleading, resolving in poetic conclusion. Perhaps this track best sums up the intimate beauty and expansive mystery of this exquisite trio.
Gary Fukushima, Downbeat
UK, German and Italian reviewers hail the album Seeing by the Tord Gustavsen
This a wonderfully concentrated recording from Gustavsen. As such there is little in the way of extended solos with the focus on the compositions and the interplay between the trio. It is this intense concentration and focus in these ten pieces performed that highlights a new phase in the pianist’s music […] The material is very carefully selected with five original compositions and a solo piano interlude interspersed among a traditional Norwegian hymn, a 19th century English chorale and two Bach cantatas. […] Repeated listening to ‘Seeing’ has revealed just how suited the Bach cantatas and Lowell Mason’s ‘Nearer My God to Thee’ are to Gustavsen’s less is more approach. Johann Sebastian Bach’s ‘Christ lag in Todesbanden’ is almost teased out of the piano by Gustavsen and bassist Raknes’s arco playing a delight, while the trio take an altogether tougher approach to the composer’s ‘Auf meinen lieben Gott’. The beauty and fragility of the playing of ‘Nearer My God to Me’ is allowed to build to a crescendo before dropping back to quiet reverie is so powerfully intense that the pianist’s aforementioned ‘Seattle Song’ provides welcome relief to close this excellent recording.
Nick Lea, Jazz Views
Sans doute que le refus du virtuose et du débordement induit une autre magnificence, face à laquelle les incontrôlés passent leur chemin mais qui trouve son public, jusqu’á faire avec d’autres école.
Pierre Tenne, Jazz News
Die Glaubhaftigkeit, mit welcher der faszinierende Panist in transzendenter Form eine Symbiose von Folkore, klassischer Musik und gegenwärtigem Jazz kreiert, wird in jedem Stück dieses faszinierenden Albums bestätigt. In ‘The Old Church’ verbinden sich dafür hymnische Passagen mit beispielsweise Blues und Gospel. Das kunstvolle Zusammenwirken des Trios erfüllt die von Gustavsen angestrebte ‘Effizienz der Form’ absolut.
Gerd Filtgen, Stereo
Gustavsen mostra di possedere una mano assai felice pure come autore: ‘The Old Church’ e ‘Seeing’ sono ballads ammalianti, ideali per apprezzare la coesione del gruppo, che suona davvero in the groove. Il tocco pianistico delicato e personale, i rimandi al gospel e il senso profondo di spiritualità che la sua musica trasmette fanno di lui un valore sicuro del jazz di oggi. Non solo di quello scandinavo ma di quello europeo in generale.
Ivo Franchi, Musica Jazz
French, German, Austrian and Italian media on the new album Unfolding by Louis Sclavis and Benjamin Moussay
Vanité délicieuse et beauté calme qui sont peut-être le secret de cette musique sinon en manque de mystères – et par ce danger du manque elle parvient à dire quelque chose de plus qu’un ‘prière de ne pas déranger le beau’. Tout n’est pas qu’esthétique, alors ‘Unfolding’ trouve dans ses plis maintenus plis des élans qui nous touchent.
Pierre Tenne, Jazz News
Es sind sehr intime, von Vertrauen und Vertrautheit geprägte Zwiegespräche geworden […] Ein feinsinniger Gedankenaustausch, präzise und unprätentiös auf 40 Minuten verdichtet, im Farbauftrag eher impressionistisch-pastell als expressiv-grell.
Reinhold Unger, Münchner Merkur
Schon das erste Stück: als hätte Johannes Brahms eine Melodie für einen Film Noir geschrieben, dunkel, geheimnisvoll und doch ganz aus der Tiefe des menschlichen Herzens. Die Bassklarinette von Louis Sclavis singt schwer und verführerisch, Benjamin Moussay stimmt am Klavier kongenial mit ein, so dass sich die Werke in ihren romantischen Motiven und immer wieder zögernden Momenten entfalten wie etwas Kostbares – eine Kamelienblüte. ‘Unfolding’ nennt Sclavis das neue Duo-Album mit gemeinsamen, meist melancholischen Kompositionen. Es ist eines seiner schönsten geworden.
Wolf Ebersberger, Nürnberger Nachrichten
Moussay und Sclavis haben mit großem Gespür eine Reihe kammermusikalischer Kleinode geschrieben, die sich mindestens so sehr an impressionistischen Stimmungsbildern, an Spätromantischem, an Debussy, Messiaen, Satie und Co, wie am zeitgenössischen Jazz orientieren. Sie ermöglichen spannende Klangerkundungen, farbenreiche Soundmalereien, spannungsgeladene, oftmals eng verschlungene Duo-Improvisationen – unter Aufhebung der gewohnten Solist-Begleiter-Funktion – und bieten natürlich auch Raum für solistische Glanzlichter. Louis Sclavis‘ ‘A Garden in Ispahan’ ist eine wundervolle Liebeserklärung an die prachtvolle ehemalige Hauptstadt Persiens mit ihren für ihre Architektur berühmten Palästen, Boulevards und Moscheen. Ein Garten voller lebhafter Klarinettentöne und in Nachdenklichkeit getauchter, perlender Klavierläufe. In ähnlichen Emotionen, wenn auch etwas experimenteller, schwelgt ‘L’étendue’, während man das in diesem Stückgefüge unerwartete, erfrischend unkonventionelle ‘Somebody Leaves’ als Hommage an die frühen Exponenten des Free Jazz verstehen kann – Jazz-Avantgardistisches in einer gefälligen Dosis, das dem exzellenten Album einen zusätzlichen Stil-Aspekt hinzufügt.
Peter Füssl, Zeitschrift für Kultur und Gesellschaft
Un jazz da camera essenziale, rarefatto, di squisita fattura. E questo grazie alla profonda complicità dei protagonisti, ben rodata dal feeling che li accomuna e anche dalle esibizioni live. (…)
Ivo Franchi, Musica Jazz
A German reaction to the vinyl re-issue of the debut album by Azimuth within the Luminessence series
Klar: ‘The Tunnel’ ist das bekannteste, weil es die Fähigkeit diese Trios, zeitgenössischen Jazz mit kammermusikalischer Haltung zu verschmelzen, perfekt repräsentiert. Die Atmosphäre, die dieses Stück bis heute verströmt, vor allem wegen des arpeggierten Synthesizers, der im Hintergrund schwebt, ist schlichtweg hypnotisierend. in den 1970er jähren war viel Musik ihrer Zeit voraus. Diese hier aber wirkt noch heute wie ein Blick in die Zukunft. Aber auch die anderen Stücke verdienen Beachtung. Der Titelsong zum Beispiel, der eine ebenso starke Sogwirkung entfaltet und genauso futuristisch und fremdartig klingt wie ‘The Tunnel’. Oder ‘Siren’s Song’, das verdichtet auf knapp vier Minuten ganz federleicht mehr musikalische Ebenen öffnet und miteinander verschmelzt als man für möglich halten würde. Diese Musik fließt, schwebt, flirrt und flimmert, entsteht permanent, verweigert die finale Form, sie spricht in fremder Sprache, aber direkt zu dir, sie zieht vorbei und hinterlässt dich verändert. Azimuth machten noch bis ins Jahr 2000 gemeinsam Musik. Auch die Folgealben sind fantastisch. Dieses hier aber ist die Sternstunde, die Blaupause, die Unerreichte. Und das Geheimnis, was hier genau geschehen ist, bleibt auch knapp ein halbes Jahrhundert später ungelöst. Die Lumissence-Serie ist schon jetzt ein Segen. Weil sie so vielen tollen Werken die bestmögliche Audio-Qualität verleiht und in Sounds und Aufbereitung keine Wünsche offen lässt. ‘Azimuth’ ist dafür das perfekte Beispiel. Was für ein Album, was für ein Glück!
Sebastian Meißner, Sounds And Books
The vinyl re-issue of Arvo Pärt’s Tabula Rasa is recommended by a German Hi-fi magazine
Das Album brachte nicht nur einen ganz neuen Ton in das Œuvre der Münchner, sondern wurde zudem ein voller Erfolg. Nicht zuletzt aufgrund des hypnotischen ‘Cantus In Memoriam Benjamin Britten’, sondern auch durch die herausragenden Leistungen von Gidon Kremer an der Violine und Keith Jarrett am Piano. Jetzt wieder auf Vinyl zu haben und so reizvoll wie damals.
Matthias Böde, Stereo