Reviews of the week

The live album The Old Country by Keith Jarrett with Gary Peacock and Paul Motian is acclaimed in a leading UK newspaper

It was the only time this particular trio line-up ever played together and the pianist and drummer had not performed together for 16 years. Jarrett delivered a lead voice tour de force and the rhythm section an ad hoc masterclass of support.  […]  Seven songs from that gig, released in 1994 under the title ‘At the Deer Head Inn’, are established highlights of Jarrett’s voluminous discography. Now, for the first time, ‘The Old Country’ releases the remaining eight. Jazz standards still mix with songbook evergreens, the trio dovetail brilliantly and the playing is fluid, focused and fresh. Jarrett describes the event as ‘a reunion and a jam session at the same time,’ which exactly fits the music’s warmth, ease and sense of mutual respect. The opener finds Jarrett at his melodically inventive best, the angularity of Monk’s ‘Straight No Chaser’ is captured and Nat Adderley’s ‘The Old Country’ is soulful and bittersweet. There’s a moving cover of ‘How Long Has This Been Going On’ and the ballad is played beautifully. Here’s top-drawer piano-trio jazz that consistently holds sway.

Mike Hobart, Financial Times

Acclaim from Germany, the UK and Italy for Anna Gourari’s recording of works by Hindemith and Schnittke with the OSI Lugano directed by Markus Poschner

Es ist eine Aufnahme, bei der man spürt, dass die Künstlerin, vertrauend auf ihre eigenen Instinkte und ihre großen Fähigkeiten, zu einer schlüssigen Interpretation auch ohne dezidierten Kontakt zu Schnittke gefunden hat. […] Schon beim unbegleiteten Klavierbeginn und dem prägnanten Eingangsmotiv, mit dem Schnittke den Klingelton an seiner Moskauer Wohnung imaginiert, ist man bei Gourari hellwach. […] Gouraris Spiel ist nicht moderat. Es wirkt eher bedrohlich, und dies umso mehr, je formvollendeter sie die Töne anschlägt, je konsequenter sie auf ästhetisches Ebenmaß in den Akkordbrechungen aus ist, die dem bezeichnenden Initial folgen. In diesen romantisierenden Passagen liegt etwas  lauernd an die Kette Gelegtes,  das durch die sonoren Basstöne noch verstärkt wird. Der Gestus des Doppelbödigen, des stählernden Unterbaus bei allem pianistischen Seidenglanz, wird in dieser selbstsicheren Wiedergabe bis zum Schluss nicht verlassen. […] Mit ähnlicher spielerischer Souveränität und enormem Gestaltungswillen, ohne in all den aberwitzigen pianistischen Gemütsbewegungen die stilistische Contenance zu verlieren, meistert sie auch das Variationswerk ‘Die vier Temperamente’ von Hindemith, dessen ‘Mathis’-Sinfonie den unerschütterlich neoklassizistischen Mittelpunkt durch das klangfarbenprächtig agierende Orchester und seinen Dirigenten Markus Poschner bildet.

Wolfgang Sandner, Frankfurter Allgemeine Zeitung

She extracts a dizzying range of colours from Hindemith’s ingeniously constructed score. At one moment she’s playful and meditative, and then suddenly she breaks out into full-frontal percussive aggression. The string section of the Orchestra della Sivzzera Italiana under Markus Poschner responds incisively to Gourari’s volatile playing, thereby enhancing my estimation of an unjustly neglected work that on this evidence deserves a permanent place in the repertoire. In stark contrast, the Schnittke is one of the most frequently performed of all late-20th-century concertos. As with so many of this composer’s works, it takes us on an emotionally charged journey with extreme juxtapositions of gesture. As with the Hindemith, Gourari delivers a charismatic, engaging interpretation. Hindemith’s ‘Mathis der Maler’ Symphony restores a semblance of stability, and Poschner’s unfussy yet carefully nuanced interpretation matches some of the finest available recordings of this work.

Erik Levi, BBC Music Magazine

Un disco denso e brillante, insomma, capace di restituire tutto il trascinante e vitale eclettismo stilistico che due compositori come Hindemith e Schnittke – differenti per origini e generazione di appartenenza ma, per diversi aspetti, decisamente affini – hanno saputo innestare nelle partiture qui proposte, animate dalla coinvolgente affinità espressiva condivisa tra il brillante pianoforte di Anna Gourari e il segno deciso ed efficace impresso da Markus Poschner al coinvolgente impasto sonoro restituito dall’Orchestra della Svizzera italiana.

Alessandro Rigolli, Il Giornale della Musica

The freshly released album Samares by the Colin Vallon Trio is welcomed by media in Switzerland, the US and the UK

Die Musik dieses Trios klingt, als hätte sie schon immer gegeben. Als wäre sie ein Teil der Natur wie Wasserrieseln, Blätterrauschen, Windeswehen. Colin Vallon, der 1980 in Lausanne geborene Pianist, seine Partner Patrice Moret am Bass (*1972 in Aigle) und Julian Sartorius (*1982 in Thun)  sind nicht nur seit den ECM-Alben ‘Le Vent’ (2014) und ‘Danse’ (2017) eine immer dichter zusammengewachsene Band; sie spielen eine Musik, die inzwischen insgesamt von einer organischen Selbst-Verständlichkeit ist, das sie wie gewachsen klingt und nicht wie gemacht. […] Sartorius’ meist rhythmisch freies, offenes, immer subtiles Schlagzeug, Morets diskreter, aber felsenfester Kontrabass und Vallons suggestives, gelegentlich zart präpariertes Piano ergeben einen Klang, der mehr ist als die Summe seiner Stimmen. Ein Naturereignis eben: sehr behutsam, sehr eigenwillig, gleichzeitig atmosphärisch und präzise.

Peter Rüedi, Weltwoche

The Swiss pianist returns with ‘Samares’, his most diverse, enigmatic, and moody record to date. Supported by bassist Patrice Moret and drummer Julian Sartorius, Vallon leans into his melodic side here, but without losing the mystery inherent in his playing and arranging. […] The lushly tuneful ‘Mars’ contrasts with the unsettling stop-start melody of the title track, laying out the yin and yang of Vallon’s vision of lyrical beauty and heady improvisation. Exquisitely produced by ECM head Manfred Eicher, Samares consolidates Vallon’s strengths and adds new wrinkles to his tasteful suit.

Michael Toland, Big Takeover

Since the trio’s last ECM release, ‘Danse’ from 2017, little has changed yet everything has changed. Quite remarkable when you think that the three musicians have been playing together for more than a decade, with Vallon and Moret having worked together for the last twenty years. […] The first thing that is evident when listening to ‘Samares’ is hearing the use of electronics and prepared piano with Vallon continuing on his quest for sound, silence and texture within his music. The devices to modify the pitch of his instrument are very subtle, and at times with the use of use of synth-modulations it can momentarily throw the aural experience in trying to identify the source of the sound one is hearing. Prepared piano is also heard sparingly, with the use of woodblocks to alter the sound of the hammers hitting the strings, to delicate and quiet effect on the lovely ‘Souch’ that offers up such a sense of fragility with the balance of the trio as if on a knife. Any superfluous gesture here would have disturbed the equilibrium of the three musicians and their relationship with the moment of creation. […] The album concludes with one of Vallon’s loveliest melodies on ‘Brin’ which, while a little sombre in nature, ties in neatly with the opening ‘Rancine’ that evokes the same feelings in a freer and looser yet textured manner. This combination of texture, space and melody has produced an album that does not rest on past achievements but looks ahead to keep the music constantly evolving, and does so in a wholly satisfying way that signals the new chapter trio’s development.

Nick Lea, Jazz Views

The new recording of Luwig van Beethoven’s Piano Concertos by Alexander Lonquich and the Münchener Kammerorchester impresses a German reviewer

Alexander Lonquich spielt das mit berührender Innigkeit. Sein Pianissimo ist atemberaubend, seine Melodien sprechen mit Nachdruck und zugleich wunderbar natürlich in der Phrasierung. Auch als Dirigent meistert er, vom Klavierhocker aus, manchmal davon aufspringend, die langen symphonischen Passagen exzellent. Das Münchner Kammerorchester agiert lebendig und durchsichtig als hellwacher Partner. […] Lonquich musiziert nicht thesenschwer, aber in historischer Spielpraxis bestens informiert. Den schlanken und zugleich scharfkantigen Klang der historischen Aufführungspraxis führt er zu einer souveränen Synthese mit der reichen Palette des modernen Steinway-Flügels. Diese Gesamteinspielung unterstreicht seinen Rang als großer Beethoven-Interpret. Beethoven, der umsichtige Revolutionär, ist hier ganz auf der Höhe der Gegenwart.

Bernhard Neuhoff, Bayerischer Rundfunk (‘Album der Woche’)

Acclaim from France for Anja Lechner’s cello solo recording with works by Bach, Hume and Abel

C´est assez rare d´avoir un disque qui peut nous emporter, pour violoncelle seul. La prise de son est très belle, les pièces sont variées, et on trouve, en plus, des chef-d´œuvres du répertoire. C´est une merveilleuse musicienne qu´on découvre ici.

Rodolphe Bruneau-Boulmier, France Musique (‘Disque du jour’)

A German reaction to the album Ashes To Gold by the Avishai Cohen Quartet

Mit einem markanten, ebenso geschmeidigen wie spröden Ton hat der 1978 in Tel Aviv geborene Trompeter Avishai Cohen seine Position im aktuellen Jazz immer mehr konsolidiert. Und mit der Kontinuität seiner Veröffentlichungen und seiner Livepräsenz. Seine Melodik ist beseelt und hebt ab zu durchdachter Intensität. So hat er mit seinem die letzten Jahre über konstanten akustischen Quartett die Geschichte seiner Musik fortgeschrieben. Dabei muss er nicht beflissen Botschaften vor sich hertragen, sondern kann mit der ans Herz gehenden Kraft seiner Klangerzählungen überzeugen ohne Poserei und Imponiergehabe. Avishai Cohens Musik mit Pianist Yonathan Avishai, Bassist Barak Mori und Schlagzeuger Ziv Ravitz strahlt und erzeugt ihren Sog aus fragilen Diskursen. So könnte es weitergehen, und so geht es auch weiter auf dem neuen Album ‘Ashes to Gold’. Nur ist manches anders. […] Wieder kreist diese Band mit ihren ebenso spontanen wie planvollen Interaktionen mit großer Leuchtkraft um Existenzielles. Vielleicht war Cohens Musik noch nie so konzentriert und essenziell. […] so genau hatte der Trompeter noch keine seiner Aufnahmen vorbereitet. Mag sein, dass so die Ausdrucksstärke dieser intensiv emotionalen Musik noch geschärft wurde. Ihre Dringlichkeit setzt die Band in zwei angeschlossenen Stücken fort, deren Herkunft überraschen könnte. Da ist das ‘Adagio assai’ aus Maurice Ravels Klavierkonzert in G-Dur, mit dem sich Cohen während der Corona-Zeit intensiv beschäftigt hatte, weil ihn die Vielfalt der Einflüsse in diesem nur scheinbar einfachen Satz faszinierte. Die so emotionale Musik dieses Albums klingt aus mit einem Song, den Avishai Cohens Teenager-Tochter Amalia schrieb. Eine einnehmende Melodik bildet den idealen Abschluss dieses großartigen Albums.

Ulrich Steinmetzger, Freie Presse

The album A New Day by Giovanni Guidi is reviewed in an Italian daily paper

Le prime note del pianoforte risuonano nel silenzio; più che affermare, suggeriscono il décor di un brano che parte sofferto e introverso per poi farsi più vibrante con l’ingresso del contrabbasso e della batteria, infine più lirico con l’aggiunta del sax tenore. Ma la musica non perde il suo profilo sfuggente, la sua aura di silenzio, il suo procedere senza mai forzare. Inizia così, con una versione del Cantos del ocells catalano, tradizionale natalizio qui trasformato in una sorta di canzone di resistenza alla maniera del Charlie Haden più militante. (…) Le soluzioni timbriche e musicali non sono mai banali; e Guidi eccelle nell’evocare con il suo strumento l’asciuttezza, l’astratta eleganza ma anche la pregnanza dell’amato Paul Bley. Difficile in questo senso immaginare una versione più ‘astratta’ di My Funny Valentine, che viene suonata senza mai esporre il tema, sfiorandolo appena con allusioni criptiche, come a evocare un’assenza. Nel laboratorio di Guidi la musica prende forma lentamente, e con lo stesso passo torna a dissolversi nel silenzio da cui è nata, lasciando nell’ascoltatore una traccia molto persistente.

 Fabrizio Versienti,  La Gazzetta del Mezzogiorno