Reviews of the week

US, German and Italian media on the live album The Old Country by Keith Jarrett with Gary Peacock and Paul Motian

The eight well-known songs receive subtle and inventive treatments similar to what one heard with the Standards Trio. Peacock (who has occasional solos) and Motian worked together many times through the years and they form a tight foundation for Jarrett’s thoughtful solos.

Scott Yanow, Downbeat

Pianist Jarrett is well known for his achingly beautiful improvisations and radiant lyricism. But the yang to his yin is an ability to swing aggressively and unrelentingly, as he does  throughout this galvanizing  document from a 1992 gig at the Dear Head Inn. […] this interactive trio outing alternately pulls heartstrings and quickens pulses as they navigate the Great American Songbook. […] A wondrous night.

Bill Milkowski, The Absolute Sound

A hugely enjoyable release.

Michael Tucker, Jazz Journal

Es geht um Kommunikation, Einfühlen, Zuhören, Vorausahnen, die Fähigkeit zur Improvisation und die Kenntnis der Songs. Obwohl Jarrett und der Kontrabassist Gary Peacock noch nie mit dem Schlagzeuger Paul Motian im Trio aufgetreten waren, verstehen sie sich bei den acht Standards blind. 73 Minuten höchste Triokunst bei Balladen und mittleren Tempi machen diesen Mitschnitt zu einem Hör-Erlebnis.

Werner Stiefele, Audio-Stereoplay

Jeder Takt ist im Timing perfekt, jedes Stück ein kleines Meisterwerk. Die Aufnahme strahlt eine hinreißende Frische aus, die absolut hörenswert ist.

Georg Waßmuth, Südwestrundfunk

Anche autore di musica contemporanea ed esecutore pignolo di brani classici, Jarrett è un aristocratico della tastiera, il cui tocco raffinatissimo unisce un flusso ritmico-melodico senza fine a eleganti ballad, situazioni ruvide al limite del free a momenti quasi solenni, giochi in punta d’invenzione a malinconie profonde. […] ‘Everything I Love’, il classico di Cole Porter, diventa un vortice swing dall’andamento mirabile, ‘Straight No Chaser’ di Thelonious Monk è una rivisitazione dell’improvvisazione bebop fatta di fraseggi succinti dal groove intenso, mentre Keith si accompagna anche con la voce, ‘All Of You’, ancora di Porter, ci mostra le solide radici evansiane di Jarrett, la title-trackdel trombettista Nat Adderley diventa un blues volatile e la conclusiva ‘How Long Has This Been Going On’ parte interiore e pensosa per crescere come un’onda emotiva e appassionata.

Raffaello Carabini, Spettakolo

A German daily on Ashes To Gold by the Avishai Cohen Quartet

Es ist eine fünfteilige Suite voller starker emotionaler Kontraste geworden. Die erste Partie ist geradezu ein Stück Programmusik geworden. Sie führt vor, wie der Krieg in und über die Musik hereingebrochen ist. Friedlich, fast bukolisch klingt das einleitende Duo mit Klavier und Flöte. Bass und Schlagwerk gesellen sich unaufdringlich fast höflich dazu, Avishai Cohen übernimmt an der Trompete die Melodie. Und plötzlich  ist es vorbei mit der wohlgeordneten Musiklandschaft, jeglicher Schönklang löst sich auf, dumpfe Schläge, signalhafte Trompetenstöße, sirenenhaft langgezogene Schreie. ‘Ashes To Gold’ ist eine düstere Musik, aber immer wieder bricht sich etwas gegen die Düsternis Bahn. Das sind Momente der Hoffnung, auch Waffen können schweigen. Das Quartett spielt mit großer Hingabe, Genauigkeit und Intensität, kostet die harschen Brüche, die krassen Artikulationen, die expressiv schreckerfüllten Abgründe, die sorgsam gesetzten lyrischen Passagen aus. Eine geradezu klassisch artikulierte Jazzquartett-Version des  zweiten Satzes, ‘Adagio assai’, aus Maurice Ravels Klavierkonzert in G-Dur erweitert den Resonanz- und Bedeutungsraum  des Albums. [….] Bei Avishai Cohen erscheint die Jazzqartett-Version, die über der Schönheit der Musik die Düsternis nicht verdrängt, als entwaffnender Kontrast. Er wird noch übertroffen von der freundlichen Melodiosität des letzten Stückes, “The Seventh’, das Cohens Tochter Amalia geschrieben hat.

Hans-Jürgen Linke, Frankfurter Rundschau

A German reviewer is enchanted by the vinyl-reissue of Marilyn Crispell’s album Amaryllis within the Luminessence-series

Mit einer Mischung aus bekannten Kompositionen aus der Feder aller drei Mitglieder – darunter Crispells ‘Rounds’, Peacocks ‘Requiem’ und ‘December Wings’ oder Motians ‘Conception Vessel’ – sowie einigen frei improvisierten Stücken entfaltet das Album eine bemerkenswert meditative, teils hypnotische Stimmung, die bei aller Ernsthaftigkeit des Vortrages immer auch unbeschwert und beflügelnd klingt. […] Dabei vertraut es im Zusammenspiel vollkommen seiner gemeinsamen Sprache und der Bereitschaft einander zuzuhören. Zu hören ist das auch an den mutigen offenen Stellen, die das Trio nicht ins Leere laufen lässt, weil sie die losen Fäden zu jeder Sekunde mühelos wieder aufnehmen können. So kann auch die Ruhe in die Musik eingebaut werden. Motian ist schon immer bekannt dafür gewesen, sein Schlagzeug für akzentuierende Tupfer einzusetzen. Und auch Peacock nutzt seinen Bass auf ‘Amaryllis’ immer wieder auch als Melodieinstrument, was die Statik und den Ausdruck des Trios regelmäßig verändert. Marilyn Crispell wählt und spielt darüber ihre Noten mit Bedacht und emotionaler Dichte. Die Melodien passieren ihr dabei scheinbar. Diese Musik strahlt die Frische und Unbekümmertheit von Premieren und Einmaligkeit. Etwas, das nur frei gespielte Musik so vermitteln kann. […] Die Intensität dieser Musik ist unerreicht. Wer hören will, wie Empathie, Gedankenaustausch und der hundertprozentige Verlass auf Gefühl in der Musik klingen, sollte hier zugreifen. Der fantastische Sound dieser Veröffentlichung tut dabei sein Übriges. Weltklasse!

Sebastian Meißner, Sounds and Books

Taking Turns by Jakob Bro with Lee Konitz, Bill Frisell, Jason Moran, Thomas Morgan and Andrew Cyrille is acclaimed by reviewers in the US, France and Austria

Abounding in smooth, expressive gestures, ‘Taking Turns’ is another fundamental touchstone for Bro’s radiating atmospheric style, marking an important phase in his career. It grows more enchanting with every listen, offering both warmth and introspection in equal measure.

Filipe Freitas, Jazz Trail

Une des figures de proue du jazz nordique. […] Ce disque déroule un jazz lumineux et épuré, mélodique, jouant sur le mode d’une fausse nonchalance avec une improvisation controlee.

Philippe Blanchet, Rolling Stone (French Edition)

Vor zehn Jahren begab sich der dänische Gitarrist Jakob Bro ins Studio; mit einem Ensemble, dem unter anderen Instrumentalkollege Bill Frisell und Cool-Jazz-Ikone Lee Konitz angehörten. Erst jetzt erschienen, enthält das Album sieben Kompositionen Bros: duftige, luftige, sich allenfalls zu Midtempo und Mezzoforte aufschwingende Piecen wie Mobiles, deren Teile einander umkreisen.

Klaus Nüchtern, Falter

Arild Andersen’s first solo-recording Landloper is welcomed by reviewers in the US and the UK

Andersen recorded Landloper live in the intimate setting of Oslo’s Victoria Nasjonal Jazzscene, where he transformed his solo performance into something more expansive through his use of effects pedals and an Echoplex loop machine. Although performing alone, he creates rich sonic landscapes by spontaneously layering his bass lines, using loops created live during the performance to build complex harmonies and rhythmic patterns. […] The album concludes with an artfully-constructed medley, opening with Coleman’s ‘Lonely Woman’ from ‘The Shape of Jazz to Come’ (Atlantic, 1959). Andersen’s fluid warm interpretation draws listeners into the composition before he transitions seamlessly to Haden’s ‘Song for Che.’ Throughout the album, this true bass master demonstrates his superb ability to articulate rhythms and harmonic hues in an intimate soundscape, making this an immersive pleasure.

Neil Duggan, All About Jazz

The level of the wide-ranging yet integrated programme, where Andersen consistently gets to the essence of things, and the surpassing quality of his singing sound and intonation, rhythmic flurries and melodic phrasing are such as to invite an immediate replay of the recital.

Michael Tucker, Jazz Journal

The album Samares by the Colin Vallon Trio is reviewed in a French music monthly

Le sixième album du Colin Vallon Trio est en effet gréé de voiles électroniques, d’ailes qui font passer de l’ombre à la lumière, pourvu que la musique aille au couchant, au rêve, à la pénétrante mélancolie. Et ‘Samares’ nous y emporte.

Guy Darol, Jazz Magazine

A UK reaction to the album Relations by Thomas Strønen

Conceived over a four year period, Norwegian drummer/percussionist Thomas Strønen’s “Relations” is an unusual and rather unorthodox album. Bringing together kindred spirits from scattered compass points and traditions, the album is both a thoughtful collection of duos and solos and an improviser’s response to circumstances. At the core of things is Strønen’s percussion playing, heard alone and joined by Craig Taborn or Jorge Rossy on piano, Chris Potter on saxophones, and the voice and kantele of Sinikka Langeland. The contributors, in some cases, took opposite approaches to the work. Sinikka Langeland, coming from the aural traditions of Nordic folk music, committed the percussion pieces to memory before adding her kantele and her singing. Craig Taborn, on the other hand, as a dedicated real time improviser and spontaneous composer, decided not to listen to the drum music at all before recording, and dived in from the first second, responding in the moment. Listening through the entire album, it is intriguing to hear how each of the musicians apply a different philosophy when contributing […]  An interesting album, ‘Relations’ draws the listener in with its different styles and unique sound. Strønen’s performance throughout is sublime, offering up a full spectrum of percussive beats and textures for the listener to enjoy.

Mike Gates, UK Vibe

The re-issue of Annette Peacock’s Acrobat’s Heart fascinates German reviewers

Die Musik für Gesang, Klavier und Streichquartett sprengt übliche Song-Schemata, doch die introvertierten, ätherischen Klänge ziehen einen unweigerlich in ihren Bann. Das tief berührende Klangerlebnis vermittelt eine überragende Aufnahme.

Lothar Brandt, Audio-Stereoplay

‘Acrobat’s Heart’ besteht aus 15 Songs für Klavier, Stimme und Streichquartett. Und es ist wieder eine dieser zeitlosen Aufnahmen geworden, die damals wie aus dem Nichts erschien und zugleich eine völlig andere Seite ihrer musikalischen Persönlichkeit offenbarte. Ein Hauch Jazz, eine Prise Singer-Songwritin, ein exakt ausgearbeitetes Streichquartett im Klassikformat. Und all dies brachte Annette Peacock auf ‘Acrobat’s Heart’ in Bezug zueinander – in sparsamen Dosen versteht sich. Und auch hier taucht wieder der Begriff der ‘Freiheit’ auf. Nicht ‘Freiheit’ in direktem Bezug zur Musik, sondern im Zusammenhang mit dem Anspruch, verschiedene Dinge wie selbstverständlich miteinander zu verschmelzen. Dabei spinnt sie ihre Hörer in ein lyrisches Kokon von pulsierenden Emotionen und aufrichtigen Gedanken. Mit ihrer hellen und zugleich betörend sirenenhaften Stimme interpretiert sie …dämmrige Gefühlslagen, untermalt diese mit reduzierten Klaviermotiven und nuanciert gefärbten Streichpassagen. Das alles klingt selbst nach knapp einem Vierteljahrhundert noch zeitlos modern, berührt tief und verströmt einen solitairen Glanz.

Jörg Konrad, Kultkomplott

The new recording of Ludwig van Beethoven’s Piano Concertos by Alexander Lonquich with the Münchener Kammerorchester is reviewed in a German daily paper

Alexander Lonquich, der Trierer Pianist, auf allen großen Bühnen der Welt zuhause, hat für seine rundum überzeugende neue Version das Münchner Kammerorchester gewinnen können und dirigiert dieses vom Flügel aus mit größter Eleganz und einnehmendem Feinsinn. Es sieht sich, so legt das Klangbild nahe, auch weniger als Solist, sondern als Teil des großen Ganzen – eingebunden in eine Lesart, die Beethovens Entwicklung vom anfangs mild-virtuosen Mozart-Freund zum mutig entfesselten Freigeist betont.

Wolf Ebersberger, Nürnberger Nachrichten