Reviews of the week

The freshly released album Lullaby by Mathias Eick is welcomed by UK and German media

For his latest release, ‘Lullaby’, Eick draws on the quartet formation in a programme that includes some of his most exploratory and improvisatory qualities to date, with a cast of ECM familiars: Kristjan Randalu and Ole Morten Vågan on piano and bass, and new arrival Hans Hulbækmo on drums. There’s a strong sense of abandon within these melodic songs, as the musicians flow smoothly between tuneful harmonies, collectively building momentum from one one tune to the next. […] Although the pastoral, often folk-tinged, cinematic landscapes that defined the trumpeter’s previous records do somewhat subside here, they are still at the heart of Eick’s playing style. It is in fact the lyrical, fluid playing of pianist Kristjan Randalu that really lifts this album into a different realm. The tight-knit quartet interplay, with the trumpeter’s deeply melancholic approach, remains intact, but this session feels more vibrant and open to some highly immersive band interaction. Hulbækmo’s deep drum grooves are omnipresent, sometimes quite dominant, providing a fresh feel to the trumpeter’s compositions.

Mike Gates, UK Vibe

Mathias Eick has been a constant presence on new releases for ECM for almost twenty years with an impressive discography as both leader and sideman. From working with Iro Haarla, Manu Katché and Jacob Young to recent on recordings by Benjamin Lackner and Sinikka Langeland. In all these associations Eick has been praised for his increasingly individual voice on the trumpet, and it is this aspect of his playing that continues to evolve at even greater rate in his own recordings. As well as his open trumpet voice, on this new album we also get to hear how Eick is also developing as a composer, and the resultant music does not disappoint. In ‘Lullaby’, Eick has conceived eight compositions for jazz quartet that refuse to be tied to any musical implications that may be drawn from the albums title, and stays away from lullabies to develop an impassioned set that is as tough as it is tender. […] Another strong release from the Norwegian trumpeter in a set that covers remarkably diverse musical territory as from cool and melodic to the driving and dramatic ‘Vejle (for Geir)’ that also manages to work in some tender moments, not least from pianist Randalu.

Nick Lea, Jazz Views

Mathias Eick beherrscht ihn den Abflug, den Funkenschlag, der sich mittels ein paar verwehter Töne, ein paar hingetupfter Akkorde und eines sich intensivierenden Rhythmus erreichen lässt. Allerdings belässt er es nicht dabei. Da wird erst einmal eine Strophe als musikalische Rampe vorangesetzt, auf der sich Musiker wie Publikum warm laufen können, dann wird mit rätselhaften Klängen und Klangmischungen der Höhenflug unterbrochen und, wenn man so will, ins Mysteriöse transformiert. Mathias Eick spielt nicht nur Trompete auf diesem vorzüglichen Album, er singt auch ohne Worte und bedient synthetische Klangerzeuger. Begleitet wird er von Kristjan Randalu und Ole Morten Vågan am Klavier und Kontrabass. Einen Neuzugang gibt es auch: Hans Hulbækmo unterstützt die Kollegen dezent wirbelnd am Schlagzeug […] Vielleicht weil hier der Einzelne nicht als Nonplusultra gilt und es ein Gebot gibt, sich zurückzunehmen, nicht vorvorzustechen in der Gemeinschaft, aber egal – es klingt ganz einfach organisch und bezaubernd, wenn beim Musizieren auf den Gesamtklang geachtet wird und nicht nur ein einzelner Solist im Fokus steht.

Markus Mayer, Bayerischer Rundfunk

UK media on the freshly released album Winter Poems by Yuval Cohen

If less well known than his trumpet playing brother Avishai, this excellent album that marks his debut on ECM should put Yuval Cohen firmly on the international radar.  The third member of the Cohen family to record for ECM alongside Avishai and sister Anat, Yuval has presented an album that has a broad sonic and dynamic spectrum spread across eight original attractive compositions. Coming from a classical background, this side of Yuval’s musical training is heard throughout the music, what marks the saxophonist out as something special is that he has a highly individual sound on the soprano, his playing in the upper register cuts through with clarity and purity, yet Yuval is still able to colour his tone when required. This gives that overall undefinable quality that just when you think you have a grasp on the music it becomes something else. The musicians assembled have been playing together for some time and this is immediately discernible in the music. So much so, that while there are clearly defined solos it how the quartet treat the compositions as an ensemble that is impressive, and one is often lost in the sound of the group and how they accompany one another.  […] A stunningly beautiful album from beginning to end.

Nick Lea, Jazz Views

Making his debut for the ECM label, soprano saxophonist Yuval Cohen brings a new and fresh style on ‘Winter Poems’, offering music that captures innovative musical paths through eight original compositions. […] the quartet share a deep, intuitive understanding for the leader’s musical language and improvisational approach. Throughout the album, the saxophonist demonstrates his own understanding of chamber jazz dynamics and explores a broad range of influences – from folk idioms to motif development borrowed from classical music – to passages both lyrical and contemplative, creating some engaging and uplifting results. […] There are moments of spellbinding originality. The opening tune, ‘First Meditation’ grabbing my attention with its fabulous interplay and group energy. The upbeat ‘Avia’, another favourite, mesmerises with its collective power and stunning soloing. The pastoral elegance of ‘Winter Poem’, the title track, exudes confidence from all of the players, with Tom Oran’s lyrical piano playing standing out, as it does throughout the whole album. The ballad ‘For Charlie’ features Cohen on melodica, bringing a lovely touch of nostalgia to proceedings. There’s a lot to like, and the sumptuous, beguiling ‘The Unfolding Nature of Iris’ is emotively beautiful, well and truly showing what this quartet is capable of in such engaging style.

Mike Gates, UK Vibe

The album Under The Surface by the Julia Hülsmann Quartet attracts acclaim in the UK, Belgium, Germany and Austria

German pianist/composer Julia Hülsmann continues to be one of the quietly ascending stars of the ECM label’s roster, with her regular band plus Norwegian trumpeter Hildegunn Øiseth (captivatingly applying electronics to both the conventional instrument and to Norway’s goat horn) on the playful and haunting ‘Under the Surface.’

John Fordham, The Guardian

Mélodies marquées, solos inventifs, osmose parfait entre les artistes. […] Hildegunn Øiseth joue sur cinq des dix titres de l’album, mais c’est comme si elle était dans le groupe depuis toujours […] Leurs lignes musicales s’intègrent magnifiquement […] Julia Hülsmann mène délicatement le jeu et impose aussi des solos superbes […] Un album assez magique. Et on se prend à espérer que le quartet se muera en quintet pour le prochain.

Jean-Claude Vantroyen, Le Soir

Julia Hülsmann hat – zunächst im Trio, inzwischen im Quartett – einen unaufgeregten Sound etabliert, der schon beim ersten Anschlagen der Tasten da ist, fantastisch. Als Gast sorgt die norwegische Trompeter Hildegunn Øiseth für zusätzliche Impulse.

Jost Schocke, Hörzu

Das jüngste Album der deutschen Pianistin ist eine ungewöhnliche Mogelpackung: Es enthält mehr, als die Verpackung verspricht. Auf der Hälfte der von allen Mitgliedern des Quartetts beigesteuerten zehn Kompositionen wächst Selbiges durch die Trompeterin Hildegunn Øiseth zum Quintett an. Øiseth fügt sich in den lyrischen Sound des gleichwohl auch zu vitalem Groove aufgelegten Ensembles perfekt ein und bereichert am Ziegenhorn (!) um elegische Facetten.

Klaus Nüchtern, Falter

Die zehn Tracks besitzen alles, was moderner Jazz einfordert. Es gibt viele freie Phasen, die die Musiker virtuos füllen und nützen. Doch schleift man sich auch gene und lässig in swingende Parts ein (z.B. ‘Bubbles’, ‘Nevergreen’ oder zum Teil in ‘Milkweed Monarch’). Hülsmann legt als Leaderin vor, die restliche Band folgt ihren Spuren und probiert gekonnt, auf ihre Ideen einzugehen. Die Trompeterin Hildegunn Øiseth bringt sich immer wieder kräftig, dynamisch und flexibel ein; ein immenser Zugewinn für das Ensemble.

 Ernst Weiss, Concerto

A US reaction to Anja Lechner’s solo recording of music by J.S. Bach, Abel and Hume

It’s one of those recordings where the impression created by the performer rivals if not surpasses the material performed, in this case works by Tobias Hume (c.1579 – 1645), Johann Sebastian Bach (1685-1750), and Carl Friedrich Abel (1723-87). It’s not that the material is inferior (it assuredly isn’t) or that Lechner grandstands, but rather her playing is so compelling it captivates every moment. Performing works spanning two centuries,  she couples short settings by Abel and Hume originally conceived for viola da gamba and newly arranged by her with renditions of the first two of the six solo suites Bach wrote for the violoncello. […] The baroque bow rests ever so comfortably in Lechner’s hand, and her command of the instrument is apparent in every authoritative gesture. […] Lechner’s subtle inflections pf phrasing, dynamics, and texture do much to distinguish these always nuanced interpretations.

Ron Schepper, Textura

Arild Andersen’s solo recoding Landloper stuns reviewers in the US, Italy and Germany

It is his first solo outing. He augments his acoustic bass instrument with real-time digital looping. […] Andersen plays tunes by himself, Albert Ayler, Ornette Coleman, Charlie Haden, and from the Great American and Norwegian folk songbooks. Familiar tunes feel like echoes across a vast fjord. The effects add the glistening of early morning dew under sonorous pizzicato. […] The concerts end with a pairing of Coleman’s 1959 classic ‘Lonely Woman’ and Haden’s ‘Song For Che’, an understated masterstroke.

Andrey Henkin, Stereophile

Passano gli anni, non passa l’attitudine dell’anziano maestro del contrabbasso Arild Andersen a prendersi i rischi e gli azzardi del caso, se c’è in ballo la creazione di musica potente e giocata sull’improvvisazione. Qui, con l’ausilio di sagge porzioni di elettronica e il contrabbasso solo è dal vivo ad Oslo, nel 2020. Nel silenzio attento, un’epifania radiosa di suono gonfio d’armonici in cui perdersi e ritrovare, ‘Ghosts’ di Ayler, ‘Lonely Woman’ di Coleman, ‘Song for Che’ di Haden e tanto altro.

Guido Festinese, Il Manifesto

Es war der Pianist Paul Bley, der Arild Andersen in den frühen 1970er-Jahren darauf brachte, den Sound seines Kontrabasses elektronisch zu manipulieren. Die langsam gereiften Früchte dieser Auseinandersetzung, die einst mit dem Einsatz eines einfachen Echo-Effekts begann, präsentiert Andersen nun nicht lange vor seinem 80. Geburtstag auf dem ersten Solo-Album in seiner 60-jährigen Karriere.  Die Aufnahme beginnt elegisch mit dem daheim aufgenommenen ‘Peace Universal’, in dem der Norweger über wabernde Soundscapes eines Orchesters aus Bässen klagendes Saitenschluchzen und tröstende Melodien legt. Die restlichen Stücke auf ‘Landloper’ entstanden bei einem Konzert im Osloer Club Victoria Nasjonal jazzscene und zeigen, wie Andersen in Echtzeit mithilfe seines Loop-Geräts und eines Signal-Prozessors assoziative Klangräume erschafft.  […] Dass der Einsatz elektronischer Hilfsmittel niemals zum Selbstzweck verkommt, liegt auch an dem betörend-gesanglichen Ton, den der Skandinavier sein Eigen nennt. Damit verwandelt er liedhafte Eigenkompositionen wie ‘Mira’ oder die Anverwandlungen von Ornette Colemans ‘Lonely Woman’ und Charlie Hadens ‘Song For Ché’ in berührende Rückblicke auf ein bewegtes Musikerleben. Und beim Standard ‘A Nightingale Sang In Berkeley Square’ lässt uns Andersen ganz ohne Effekte, nur mit der Kraft seiner Hände und akkordischen Doublestops, direkt in seine Seele blicken. Man ist tieftönend berührt.

Josef Engels, Rondo

The album Preludes and Songs by Francois Couturier and Dominique Pifarély impresses reviewers in the UK, Austria and Italy

Throughout there is a poetic sensibility, although not without some humour: ‘Song For Harrison’, which is in a medley with Duke Ellington’s ‘Solitude’, is named for Couturier’s dog, ‘a charming cocker spaniel’. And while much of the music is quite austere, notably Pifarély’s ‘Les Ombres’, again that seriousness is lightened by that piece’s elision first with ‘A Nightingale Sang In Berkeley Square’ and then beautifully with Johnson’s ‘Lament’, where Pifarély plays his heart out. Making good use of the resonant acoustic space of the Reitstadel Neumarkt in Bavaria, where it was recorded in October 2023, this might be an album of often rarefied concert music, but the demands it makes on both performers and listeners are more than worthwhile.

Simon Adams, Jazz Journal

2007 haben sie schon ein Duo-Album bei ECM vorgelegt. Bei ‘Poros’ lieferten die beiden Instrumentalisten vorwiegend Eigenkompositionen, mit Ausnahme von Mal Waldrons ‘Canto’. Bei ihrem neuesten Album gehen Pifarély und Couturier einen etwas anderen Weg, folgen dem Albumtitel, bringen Präludien und Lieder, stellen diesmal dem Selbstkomponierten im Vergleich zu ‘Poros’ wesentlich mehr Standards gegenüber. Auf diese Weise bekommen Chansons wie ‘La Chanson De Vieux Amants’, Balladen wie ‘A Nightingale Sang In Berkeley Square’, J. Johnsons ‘Lament’, Ellingtons ‘Solitude’ und ’I Loves You Porgy’ von Gershwin eine neugewonnene  Intensität, die vom Duo wunderbar eingefangen wird.

Christian Bakonyi, Concerto

Forse, però, il momento più emozionante del disco – che si conclude con ‘I Loves You Porgy’ di George Gershwin – è l’insolita ripresa de ‘La chanson des vieux amants’ di Jacques Brel: dopo la pacata introduzione pianistica, tocca al violino disvelare a poco a poco la melodia, lasciandola tuttavia come sospesa e incompiuta nel finale. Un album in equilibrio tra improvvisazione da camera e musica contemporanea dove nulla è scontato, e che rivela inedite nuances a ogni nuovo ascolto.

Musica Jazz, Ivo Franchi

A German reaction to the vinyl-reissue of Freigeweht by Rainer Brüninghaus within the Luminessence series

Alle sechs Stücke dieses Albums stammen aus der Feder von Rainer Brüninghaus, der dem Sound beim Komponieren eine zentrale Rolle einräumte. ‘Ich arbeite oft stundenlang an einem Sound, bis ich überzeugt bin, dass alle störenden Elemente aus ihm herausgefiltert sind und dass er wirklich zu der zugrunde liegenden musikalischen Idee passt, die mir vorschwebt. Ich mag keine eindimensionalen Klänge – es müssen zusammengesetzte, komplexe Klänge sein, die sich zu einem harmonischen Ganzen fügen’, erklärt er in den Liner Notes zu diesem Album. Dieser soundorientierte Ansatz macht die Musik auf ‘Freigeweht’ so besonders und lässt sie auch fast 45 Jahre nach ihrer ersten Veröffentlichung immer noch umwerfend frisch und unverbraucht klingen. Brüninghaus und seine Mitstreiter malen mit ihren Instrumenten überlebensgroße Bilder, in denen das Reale auf das Fantastische trifft. Welche Kraft das erzeugt, kann man an jedem Track auf ‘Freigeweht’ exemplarisch aufzeigen. […] Alles hier ist ‘State of the Art’ und auf eine seltsam fesselnde Art natürlich und unberührt.

Sebastian Meißner, Sounds and Books

The vinyl-reissue of Annette Peacock’s An Acrobat’s Heart within the Luminessence-series is praised by a UK reviewer

Peacock originally intended to just play the piano and sing but label boss Manfred Eicher suggested she also wrote arrangements for a string quartet, which she had never done before. The result is a series of soul-baring, ruthlessly honest and often bittersweet songs – songs of experience, freedom, dependency and relationships – all set to some finely crafted settings for the Cikada Quartet and all delivered in her own unique phrasing and vocal style. This album is indeed a beautiful one-off, a remarkable recording now wonderfully enhanced in its new vinyl make-over.

Simon Adams, Jazz Journal