Reviews of the week

The album Just by Billy Hart with Ethan Iverson, Mark Turner and Ben Street impresses reviewers in the US and Germany

With its supremely accessible tracks and tight improvisation, ‘Just’ is a compelling addition to the Billy Hart Quartet’s discography. With its thoughtful compositions and dynamic interplay, the album captures the group’s inimitable chemistry, built over decades of collaboration, and demonstrates their mastery of blending tradition with modern improvisational approaches.

Ivana Ng, Downbeat

Wer dem Quartett zuhört, entdeckt einen eigenen Kosmos voller Finessen. Die Musiker lassen sich Zeit, verschränken ihre Linienführungen feinmaschig in einander, sorgen mit überraschenden Tonsprüngen für Spannung, lieben Breaks und tragende Melodien und einen melancholischen Gesamtklang.

Werner Stiefele, Audio Stereoplay

The new piano-solo recording Skrifum by Jon Balke is acclaimed by UK and German reviewers

With each of his projects there is always a sense of a work in progress, and this has also been the case with his solo recordings, in which he has sought not just to develop his own language as a pianist and improviser but also a context in which to place it. This has often used live electronics and sound processing to manipulate the sound of the acoustic piano expanding the sonic palette of the area in which Balke prefers to work. This concept is taken a stage further with this new release, and the introduction of the Spektrafon that enables the pianist to work in real time to create and manipulate ambient sound within his piano improvisations. […] The new technology allows Blake to pull out frequencies as he plays and sustaining as chords of harmonies or overtones. This technique of music making requires much use of space, and accordingly the pianist takes a monophonic approach to his improvised lines, and therefore there is an absence of pianistic accompaniment in the way of chords. The music therefore is carved out of the space required to trigger the harmonics and for them to be heard before the melodic line continues. Each piece is delicately and elegantly shaped by Balke as he looks to extract the maximum music from often small fragments of melody.  […] So, not an album of solo piano virtuosity with crashing chords and lightning fast right hand runs of melody, but instead a thought provoking set of piano improvisations that work with on the interplay between acoustic piano, electronically manipulated sound and silence.

Nick Lea, Jazz Views

Dieses Album zelebriert eine Kommunikation der Stille. Es ist ein ästhetischer Dialog von minimalistischen Strukturen, traumhaft klingenden Motiven und dem Atem eines Instruments. Jon Balke entwirft auf seinem neuen Album ‘Skrifum’ ein eigenes, ein spezifisches Klanguniversum. Jede einzelne Note behält bis hin zum Nachhall ihren individuellen Charakter, ihren signifikanten Sound, eingefangen von einem ‘Spektrafon’ (einer Software zur Live-Audiobearbeitung), das speziell das Innere des Flügels hörbar macht, als pulsiere es in ihm lebendig. Zudem kann der Pianist diesen klingenden Atem in Echtzeit beeinflussen, wodurch eine zusätzliche Umgestaltung, bzw. Bearbeitung des Tonfalls möglich ist. Dabei kommt der norwegische Pianist mit nur wenigen Tönen aus, reduziert auch das an sich schon Sparsame auf eine zusätzlich minimale Essenz. Vielleicht eine Art Analyse, des im Korpus des Klaviers entstehenden Klanges. Auf jeden Fall eine akribische Befreiung vom Konventionellen, die wie beiläufig den Raum erobert.

Jörg Konrad, Kultkomplott

An Neugier und Experimentierfreude mangelt es dem norwegischen Jazzmusiker nicht, wie sein apartes neues Solo-Album ‘Skrifum’ beweist. Balke sitzt, durchaus bachisch, am Klavier und tastet sich in Tönen ebenso zart wie oft zögernd voran – ganz karg, ganz existentiell, aber auch leicht und verspielt. Von Melodien kann man kaum reden, eher von Improvisationen im leeren Raum, deren Klang er dann selbst lauscht. Ein elektronisches Hilfsmittel, das  eigens für ihn entwickelte Spektrafon, lässt Obertöne nachhallen, eröffnet eine weitere, manchmal fast spirituelle Dimension.

Wolf Ebersberger, Nürnberger Nachrichten

The new album Winter Poems by Yuval Cohen is welcomed by media in Germany and Italy

‘Winter Poems’ ist voll von Stücken, die an der Grenze von Jazz und Kammermusik wandeln. Folkloristische Elemente werden ebenso selbstverständlich integriert wie klassische motivische Strukturen. Binnen weniger Augenblicke wechselt das Quartett von lyrischen, nachdenklichen Passagen zu energiegeladenen Ausbrüchen, variiert Stimmung und Atmosphäre. Dabei bleibt es aber immer nachvollziehbar und zugänglich, was vor allem am anmutigem Zusammenspiel der vier Musiker liegt. Stücke wie das kontemplative, von Charles Lloyd inspirierte ‘Song For Lo Am’ oder das an Franz Schuberts Liederzyklus ‘Winterreise’ angelehnte Titelstück sind beste Zeugnisse der hochgradig intensiven Zusammenarbeit der vier Musiker. Weitere Highlights sind das fiebrige ‘Avia’, in dem vor allem Pianist Tom Oren groß auftrumpft, sowie das in Andenken an Charlie Chaplin komponierte ‘For Charlie’. Sie alle zeigen ein Quartett ganz bei sich und ganz im Moment. Das wirklich Spannende an ‘Winter Poems’ ist diese so selten zu findende Selbstgenügsamkeit. Es scheint so, als würde dieses Quartett kein Publikum im Hinterkopf haben, keine Zielvorgabe verfolgen wollen, sondern nur für sich spielen. Es ist ein Segen, dabei zuhören zu können. ‘Winter Poems’ ist eine zauberhafte Platte, die gespickt ist mit Momenten außergewöhnlicher musikalischer Momente. Sie reicht über das Gespielte weit hinaus. Und Yuval Cohen tritt aus dem Schatten seines Bruders.

Sebastian Meißner, Sounds and Books

Le otto composizioni, tutte a firma del leader, sono dei racconti per la gran parte poetici e contemplativi, ma talvolta capaci di evolversi verso lidi dinamici ed energici. Nel clima melodico calmo e riflessivo, il piano di Oren suggerisce aperture e sogni, mentre il lirico soprano del leader disegna malinconie e delicatezze. Le timbriche fatate e il vibrato perfettamente controllato di Cohen sono il riferimento per un album che produce il benessere di un caminetto acceso nel bel mezzo di una bufera di neve che si abbatte tra le betulle delle foreste attorno ai tre laghi Tiilijärvi.

Raffaello Carabini, Spettakolo

The album Lullaby by Mathias Eick enchants reviewers in the US, France and Germany

The prolific collaboration between Mathias Eick and ECM founder Manfred Eicher reveals a shared artistic vision that has reshaped contemporary jazz aesthetics. Eick’s appearances on over a dozen ECM releases demonstrate Eicher’s commitment to cultivating his distinctive sound—a muted, introspective trumpet approach that redefines jazz expression through restraint rather than virtuosic display. Mathias Eick’s sound seeps into the consciousness. It does not ring out with a magnificent blare, the notes do not zing or soar. His trumpet sounds, initially, like a new instrument that infiltrates itself into your sound palette. There is a personal quality as though the music is being played for you, to you: not given to outlandish statements. Eick is a leader of collaborators involved in teasing out delicate melodies that seem not to be just emanating from his trumpet but are a part of his essence. There is a melodic inevitably about his inventions: ideas are not entirely stemming from the blues but from the fjords.

Jack Kenny, All About Jazz

Eick comes to us a a trumpeter of beautiful tone that simply shimmers throughout this album. The title tune may be a lullaby, but it’s putting no one to sleep. With the subtle twists and turns of his playing, Eick creats a dreamlike state with the help of Ole Morten Vågan, a beautifully thoughtful bassist; Kristjan Randalu, a pianist who finds so much more by doing less; and silky brushwork by Hans Hulbækmo on drums. It’s a lovely launchpoint for this really fine album.

Frank Alkyer, Downbeat

Légèrete apaisante, invitation à la rêverie, sonorité d’une puretè infinie, l’abandon est de mise au fil  de thèmes flottants, n’excluant pas pour autant quelques superbes et intenses moments d’improvisations.

Jean-Pierre Vidal, Jazz Magazine

Es ist diese feine Balance aus eingängigen Melodien, freier Improvisation und intensiver Kommunikation zwischen den Musikern, die die Alben des norwegischen Trompeters Mathias Eick auszeichnet. Das gilt für die fünf Alben, die er seit 2008 beim Münchener Label ECM eingespielt (zuletzt ‘When We Leave’, 2021) hat ebenso wie für sein neues Album ‘Lullaby’. Eick setzt dabei auf die bewährte Quartett-Formation, bestehend aus den ECM-Vertrauten Kristjan Randalu (Klavier), Ole Morten Vågan (Bass) und Schlagzeuger Hans Hulbækmo, der als einziger Neuzugang eine spürbar frische Note ins Ensemble bringt. Die insgesamt acht Stücke überzeugen vor allem durch ihre warmen, lyrischen Klanglandschaften, die sich mit viel Ruhe und ganz ohne Hast über Spielzeiten von jeweils mehr als fünf Minuten entfalten. In diesen melodischen Liedern ist ein starkes Gefühl der Hingabe zu spüren. […] Als Anspieltipps bieten sich neben dem großgestigen Titelstück, das klingt wie ein Film Noir, auch das anmutige ‘My Love’ sowie ‘Free’ an, das mit Abstand heiterste Stück dieser Sammlung. Ihnen allen ist eine Ernsthaftigkeit zu eigen, die diese Musik aus dem Verdacht der reinen Unterhaltungsabsicht befreit und sie gleichzeitig erhebt zu etwas Leichterem und Grenzenloserem. Insgesamt ist ‘Lullaby’ ein Album, das vor allem durch seine innere Überzeugung und das einfühlsame Zusammenspiel der Musiker überzeugt. Es ist eine gelungene Weiterentwicklung des Klangs, den Mathias Eick in den letzten Jahren beständig kultiviert hat. Fans von ruhigeren, lyrischen Jazz-Klängen werden hier ebenso auf ihre Kosten kommen wie Hörer, die die subtile Improvisation zu schätzen wissen. Insgesamt ein sehr stimmiges und rundes Album.

Sebastian Meißner, Sounds and Books

A French music monthly on the album Preludes & Songs by Francois Couturier and Dominique Pifarély

Il y a dans ce disque quelque chose qui renvoie à la notion de quintessence. Les notes, le silence entre les notes, ont un poids, une densité, une profondeur extraordinaires. […] ‘Les ombres part part I Lament’ apparaît comme le voyage le plus intrignt du duo. Un paysage faussement immobile, peuplé de rêves inquiétans, peut-être de monstres, peut-être de fees, avant une sorte de reconciliation magnifiée par les envolées de Pifarély. Il faut  les suivre dans leurs labyrinthes intranquilles, cela vaut la peine.

Jean-François Mondot, Jazz Magazine (‘Choc’)

Anja Lechner’s solo recording of works by J.S. Bach, Abel and Hume is reviewed in a French music monthly

Dans les pièces de Tobias Hume, l´interprète en restitue avec sensibilité la mélancolie (‘An Answer’), les émotions à fleur de peau (‘Touch Me Lightly’),le fourmillement de la danse (‘Hit In The Middle’). Elle fait bouillonner l’Arpeggio et gémir l’Adagio avec intensité. Plutôt que d’accentuer les contrastes dans Bach (comme elle le fait dans la Courante de la BWV1008), elle défend une esthétique apaisée, privilégiant une certaine ampleur (Prélude de la BWV1007) et pouvant évoquer le rapprochement avec l’univers de la viole.

Jean-Christophe Puce, Diapason

The album Relations by Thomas Strønen is acclaimed in a Swiss music magazine

Bei der Mehrzahl der Stücke fokussiert sich der 52-jährige Norwege auf ‘Relations’ und geht Beziehungen mit einem wechselnden Gegenüber ein. Die Pianisten Craig Taborn und Jorge Rossy  konterkarieren das flirrende Schlagwerk mit eigenen Tupfern, die an die Gemälde von Jackson Pollock erinnern, während Chris Potter zu opulenteren Farbflächen tendiert. Spannend ist der Dialog Strønens  mit Sinikka Langeland, die sich mit ihrer Stimme und der Kantele (finnische Zither) symbiotisch in diesen Klangraum einfügt und so dazu beiträgt, dass wundersame Nordlichter aufleuchten. Die herausragende Qualität dieser Aufnahmen, die eine spürbare Dreidimensionalität vermitteln, macht deses Album zu einem rundum gelungenen Hochgenuss.

Rudolf Amstutz, Jazz’n’more

Under The Surface by the Julia Hülsmann Quartet is hailed by media in the UK and Germany

This latest Julia Hülsmann release on ECM conceals plenty of treats below its surface. The Quartet is a Quintet for much of the recording, with pianist Hülsmann and the now established line-up of  Uli Kempendorff on tenor, Marc Muellbauer on bass and  Heinrich Köbberling on drums augmented by the presence of Hildegunn Øiseth on trumpet and goat horn for much of the set. For three enchanted minutes in the middle of the set, four becomes two as Hülsmann and Øiseth give voice and width to the leader’s wistful, harmonically angular meditation ‘The Earth Below.’ […] The emotional force of Hülsmann’s improvising emerges from the development of ideas and interaction with the band and Kempendorff never fails to lift and excite with his playing. If the quartet, playing on Hülsmann’s compositions, were all there was to this album, it would be a gem.  The set is given an extra dimension by the writing of the other regular band members, and projected somewhere very special by the addition of Øiseth. […] ‘Under the Surface’ is another evolution of Hülsmann’s increasingly expansive catalogue with ECM and stands as both a compelling session in its own right, and a promise of more rewarding adventures to come with this expanded palette.

Mike Collins, UK Jazz News

Es ist, als habe die norwegische Trompeterin schon immer dazugehört. Machmal packt sie auch ein Hirtenhorn aus. Feinsinnig duettiert sie mit Uli Kempendorffs Tenor. Dazwischen legt Julia Hülsmann feine Klavierlinien. Das Berückende: Bei aller Durchsichtigkeit hat diese Musik immer Körper. Das ist der erstklassigen Rhythmusgruppe (Marc Muellbauer und Heinrich Köbberling) geschuldet. Großartig!

Tilman Urbach, Stereo

The album To The Rising Moon by Stephan Micus fascinates a Swiss reviewer

Der deutsche Musiker und Komponist Stephan Micus spielt in einer eigenen Liga, jenseits von Grooves und Licks, Changes und Noises, Jazz und Pop, Punk und Funk. Auch sein 26. Solo-Album für ECM ist ein einziger Hymnus an die meditativen Erfahrungen von Stille, Natur, Weite. Neben Instrumenten aus Indien, China, Bayern, Kambodscha, Ägypten und Borneo steht hier die kolumbianische Tiple im Mittelpunkt. […] Ihr gezupfter und heller Klang wechselt mit den dunklen Timbres der gestrichenen Saiten von Dilruba und Sapeh. […] Das Resultat ist eine Musik,  für die der Terminus ‘exotisch’ schon längst ausgereizt scheint und die nur noch beseelt und kontemplativ genannt werden kann.

Pirmin Bossart, Jazz’n’more

New US reactions to the vinyl-reissue of  An Acrobat’s Heart by Annette Peacock within the Luminessence-series

This double LP features Peacock’s sparse but appropriate piano playing, along with the Cikada String Quartet, accompanying her purring, honeyed vocals on a set of songs exploring love, relationships in varying stages of dissolution, and a desire for personal freedom. So consistent are the lyrical themes and the musical framing—languid and gentle ballads, like jazz standards pared down to their minimal elements—that there are few highlights that stand out. Rather, it’s best to hear the album as a suite of themes and variations, and there is no doubt that the sum total is beguiling.

Joshua Weiner, All About Jazz

In 2000 Manfred Eicher asked her to pen some arrangements that wold pair her vocals and piano with a string quartet, and the result was ‘An Acrobat’s Heart’. This album’s inclusion in the Luminessence series will help draw attention to an album whose audience should hardly be limited to the jazz world. Fans of more adventurous pop music (for starters, Björk and St. Vincent come to mind, as does Kate Bush’s  ’50 Words for Snow’) should definitely give ‘An Acrobat’s Heart’ a listen.

Jeff Wilson, The Absolute Sound

The vinyl-reissue of Freigeweht by Rainer Brüninghaus is praised in a French music monthly

L’ancien claviériste du groupe Colours mené par le contrebassiste Eberhard Weber, a enregistré  cet album en 1981, six longues pieces aériennes, d’une limpidité mélodique de chaque instant. […] le quartette offer une remarquable fusion de textures atmoshériques, à la magie intacte.

Jean-Pierre Vidal, Jazz Magazine