Reviews of the week

The new album After The Last Sky by Anouar Brahem with Anja Lechner, Django Bates and Dave Holland is acclaimed by international media

It is an unabashedly beautiful album, at once a sanctuary from and a protest against a world that has grown uglier, noisier, and more violent.

Adam Shatz, New York Review of Books

Aborder Anouar Brahem, c´est rencontrer une musique qui avance à pas feutrés. Elégante et envoûtante, imprégnée de mélancolie et scintillante de grâce. Des pièces pour oud, piano, contrebasse (les Britanniques Django Bates et Dave Holland) et, pour la première fois, violoncelle (Anja Lechner). Plus que des musiciens complices, des ciseleurs de rêves et d´émotions. Anouar Brahem ancre sa musique dans les modes de la musique traditionelle arabe, mais il l´emmène toujours ailleurs, vers le jazz, la musique classique occidentale, l´indéfinissable. Sa manière d´être depuis toujours.

Patrick Labesse, Le Monde

Begun before October 6, 2023, it is nonetheless deeply inspired by the horror and suffering experienced by Palestinians in Gaza. Brahem wrote new compositions and reworked some of the earlier ones to communicate and evoke raw emotion about this situation. Lechner’s poignant cello is primary, up front. She and Brahem move through Eastern modes and motifs, blurring the lines between folk, classical, and jazz. Opener ‘Remembering Hind’ is a case in point. Under two minutes, the cello and piano deliver Brahem’s minor-key melody with nearly processional grace and, despite the relative quiet, rippling emotion. The title track, at nearly six minutes, commences with an oud solo that foreshadows the melody. When Bates enters, he accedes to the restraint, at least until the cellist joins in, and it becomes a melancholy fantasia. The interplay between Holland and Brahem is almost symbiotic. […] The release also includes a long liner essay (for ECM) by U.S. editor of The London Review of Books Adam Shatz, who is also a noted journalist and critic. He offers key reflections on Brahem’s music, the Palestinians’ fight to exist, and the culture around both. ‘After the Last Sky’ is a reflective, yet powerfully emotional and virtuosic listening experience.

Thom Jurek, All Music

An seiner Seite Django Bates, Piano, Anja Lechner, Cello, und Dave Holland, Bass. Diese Musik lässt sich nur künstlich trennen von dem Drama von Gaza nach dem Horror der Hamas. Adam Shatz‘ Begleittext zur CD reflektiert die Wertigkeit solch intensiver, weltoffener, folkgetränkter  Jazzkammermusik im Angesicht unfassbaren Grauens. Versenkt  man sich in dieses im Mai 2024 im Auditorio Stelio Molo aufgezeichnete, und von Manfred Eicher produzierte Album, öffnet sich immer auch eine utopische Sphäre, ein Raum der Hoffnung, nicht allein in den tänzerischen Wirbeln von Brahems ‘Dance Of The Meteorites’.

Michael Engelbrecht, Deutschlandfunk

In a bold move the oud player opts for an all string ensemble and backs up his decision with some incredibly powerful and moving compositions that have a unique sound world and beauty of their own. The combination seems to provide an almost infinite variety of sound and textures, and the ensemble of oud, cello and double bass create an intoxicating blend of strings that are bowed, plucked or strummed. This leaves Django Bates with a rather ambiguous role, with the strings of the piano being hit with hammers, and the pianist’s function moves from accompanist to soloist, and on occasion occupying a space where Bates appears to be inhabiting a space of his own. In doing so, he is somewhat distant from proceedings as if commenting from another perspective outside of the main event. Brahem continues his exploration of Arabic maqams, but with his three colleagues for this journey also delves deeper into Western classical music and jazz improvisation. If the music is in danger of falling into a chamber ensemble, this is cleverly avoided by use of powerful rhythmic motifs, often provided by bassist, Dave Holland. The lower register string instruments of the cello and double bass are beautifully utilised, with Lechner and Holland both displaying virtuoso techniques with strong and vibrant voices.

Nick Lea, Jazz Views

Sein aktuelles Quartett teilt seine hochsensible Wahrnehmung und mit ihr seinen Tiefsinn. Die Besetzung mit Dave Holland (b) und Django Bates (P) überschneidet sich mehrheitlich mit der 2018/19 tourenden ‘Blue Maqams’-Band, kommt aber ohne Schlagzeuger aus: An die Stelle von Jack DeJohnette tritt Anja Lechner. Die deutsche, international ensembleerfahrene Cellistin gibt sich von Anfang an als Kernmitglied zu erkennen. […] Ihr nuanciert phrasierendes, präsentes, aber irgendwo auftrumpfendes Cellospiel erscheint wie geschaffen, um Brahems Klangwelt gemeinsam mit den Mitmusikern im akustisch bewährten Auditorio Stelio Molo (RSI, Lugano) auszugestalten. Ähnliches gilt für Django Bates, der Pianist mischt substanziell Farben hinzu, ohne einen Hauptrolle zu übernehmen, ohne sich aber auch aus dem Spiel zu nehmen:  im Falle von ‘Awake’ tritt Bates zumindest vorübergehend in den Vordergrund. Gut erinnerlich meinte Brahem einmal gesprächsweise, dass ihm Dave Hollands Bassspiel Flügel verleihe. Dies wird bei dem aktuellen Album noch deutlicher als bei ‘Thimar’ oder bei ‘Blue Maqams’.  Besonders bei ‘The Eternal Olive Tree’ befeuern die beiden einander im eng verzahnten, ausnehmend virtuosen Duo. […] Brahem legt zusammen mit Lechner, Bates und Holland eine weitere Wegetappe in seinem Schaffen zurück und setzt einen Meilenstein, ohne sich neu erfinden zu müssen.

Wolfgang Gratzer, Jazzpodium (‘Platte des Monats’)

The album Defiant Life by Vijay Iyer with Wadada Leo Smith thrills UK and French reviewers

A second ECM album for the duo following on from the 2016 release ‘A Cosmic Rhythm With Each Stroke’. If in some ways ‘Defiant Life’ appears to pick up from where Iyer and Smith left off, it also reveals new depths and not just how far their music has come but also implies what may follow. In the liner notes the pianist says that ‘This recording session was conditioned by our ongoing sorrow and outrage over the past year’s cruelties, but also by our faith in human possibility’. If this paints a rather gloomy picture then the music ultimately wins out, and it is the underlying faith in humanity and human possibility that dominates. It is perhaps the opening ‘Prelude: Survival’ that brings an air of darkness, and out of this the light gradually appears as the duo allow the music to unfold. Elsewhere Smith’s trumpet sound, whether playing open horn or muted cannot supress the joy inherent in his lines that draw from Iyer a response that ensures that the shadows cast by the darkness are left behind as one steps into a more open light and spacious terrain. While Smith confines himself to trumpet throughout, Iyer brings forth a bewildering variety of sounds and textures from the piano, Fender Rhodes and electronics that are utilised to frame and support Smith’s often dramatic and lyric statements. As these are conceived in the moment the skill involved in manipulating both acoustic and electronic soundscapes is quite breathtaking. […] For those that enjoyed the duos earlier album this makes a fine companion and showing how far both musicians have travelled in the interim. If you are new to this musical partnership, then this is a wonderful way to make one’s acquaintance.

Nick Lea, Jazz Views

La musique palpitante et inventive est remarquablement travaillée. Wadada Leo Smith trace de longues lignes tour à tour lyriques, méditatives, fragiles, profondes, dures, tranchantes ou puissantes. Très adroit, Iyer remplit l’espace avec des accords toujours pertinents.

Paul Jaillet, Jazz Magazine

The album Renaissance by the Nicolas Masson Quartet is highly recommended in a French monthly

Un album essentiel pour saisir les correspondances harmoniques entre le free-jazz, Baudelaire et Debussy.

Guy Darol, Jazz Magazine (‘Choc’)

The solo-piano album Skrifum by Jon Balke is acclaimed by media in Germany, Italy and Switzerland

Jon Balkes Album ‘Skrifum’ ist eine seltsam organische Angelegenheit, egal wie viel Wissenschaft aus dem Labor daran beteiligt sein mag. Wie aus einer Schattenwelt tauchen Klänge auf,  mal verweilend, mal in die Stille abtauchend. Und sie tappen nicht in die ‘Drone-Falle’, indem sie besonders geheimnisvoll oder außerirdisch klingen. Vergessen Sie ‘New Age’ und ‘alte Tricks’. Dank Balkes geschärftem Bewusstsein, das (um der Bedeutung des isländischen Wortes ‘Skrifum’ zu folgen) von einem spitzen Bleistift bis zu einem breiten Pinsel reicht, ist jeder Track dieser abenteuerlich diskreten Musik eine kleine Welt für sich. Das ganze Album ist eine ruhig fließende, aufregende Reise, eine moderne Geistergeschichte für ein altes Instrument!

Michael Engelbrecht, Deutschlandfunk

Sempre in bilico tra una voglia iconoclasta, decostruttiva, esagerando con gli elementi, gli effetti di risonanza, frammenti di scale e soprattutto accordi dissonanti e l’afflato di una sperimentazione basata sull’evoluzione della musica classica tramite il jazz, gli arpeggi, gli ambienti, lampi e illuminazioni, l’ampiezza dilatata di proiezioni e traiettorie future. È quest’ultima la chiave con cui leggere le 14 tracce di ‘Skrifum’, che è un viaggio futurista nell’universo sonoro del pianoforte, quasi una ricostruzione dell’universo attraverso le note e il loro intrecciarsi e continuo richiamarsi, un esercizio di arte-azione e di forza vitale che si rivelano attraverso sensazioni e accordi di armoniche, un continuo confrontarsi e richiamarsi, riverberarsi ed energizzarsi tra inquietanti droni e sogni a occhi aperti, tra distese su albe inquiete e immense distese liquide, tra scintillanti piogge di armonici e melodie che si autoalimentano senza fine. Per un ascolto che scivola, scorre e parla per dire a ognuno qualcosa di diverso e personale.

Raffaello Carabini, Spettakolo

Dialogue étonnant de calligraphie et d’aquarelle acoustique aux résonances infinies.

Matthieu Chenal, Tribune de Genève

A Swiss reaction to the album Just by Billy Hart with Ethan Iverson, Mark Turner and Ben Street

Livre encore un album de ‘cool cat’ au carrefour du bop et de mystères plus contemporains.

Boris Senff, Tribune de Genève

The new album Winter Poems by Yuval Cohen is reviewed in a German music paper

Das Quartett kredenzt auf hohem Qualitätsniveau ruhigen und sehr intimen Kammerjazz im primär langsamen bis moderaten Tempo, introvertiert, ruhig, nachdenklich erzählend, nie aufgeregt und sehr gefühlvoll. Verstärkt wird dieser Eindruck durch die zarte Intonation des Sopransaxophonisten und den bedächtigen, fast sprachlichen Duktus seines Spiels. […] Dieses schöne und gelungen Debüt zeigt einmal mehr, dass sich Gefühl und Logik durchaus nicht ausschließen müssen.

Benno Bartsch, Jazzpodium

Austrian and Italian reviewers are impressed by the album Lullaby by Mathias Eick

Man sollte sich vom Albumtitel ‘Lullaby’ auf keinen Fall täuschen lassen, denn die musikalischen Entwicklungen der Stücke sind alles andere als einschläfernd. Das siebenminütige Titelstück, das übrigens durch die tragischen Ereignisse in Israel und Gaza inspiriert wurde, ist als Ballade mit expressiven, aber auch kontemplativen Elementen angelegt. Der Opener ‘September’ (Eick hat auf fast allen Alben ein Stück mit Monatsnamen als Titel) startet rhythmisch spannungsgeladen, wird von der verhallten Trompete in eine ruhigere Atmosphäre geführt, die aber wiederum durch ein quirliges Pianosolo durchbrochen wird. Das euphorisch klingende Midtempo-Stück ‘My Love’ spielte Eick samt Band zum ersten Mal seiner Frau anlässlich seines Heiratsantrages vor – dreimal darf man raten, wie ihre Antwort ausfiel. Im volksliedhaften ‘May’ und im sich ständig an Intensität steigernden ‘Hope’ läuft Randalu zu ganz großer Form auf. Das von Eicks geheimnisvoller Vokalise und dezenten Keyboard-Effekten zum zuerst gestrichenen, später galoppierenden Kontrabass, zu mysteriösen Pianotupfern und rasanter Percussion gekennzeichnete Stück ‘Free’, sowie der sich dramatisch steigernde, mit markanten Dissonanzen und Breaks gespickte Closer ‘Vejle (for Geir)’ fallen aus dem atmosphärischen Rahmen des Albums, stören aber keineswegs die gefühlsmäßige Ruhe, sondern frischen sie auf angenehme Weise auf. Melancholie der spannenden Sorte sozusagen!

Peter Füssl, Kulturzeitschrift

‘Lullaby’ possiede la grazia di un incantesimo, frutto dello stile sublimato di una buona combinazione di elementi musicali coerenti, dediti al medesimo obiettivo. Cioè quello di raccontare alcuni tra i sentimenti più apollinei e fragili posseduti dagli esseri umani. Un misto di malinconie stagionali, di tensioni nostalgiche accese da visioni interiori rese tangibili dal tocco strumentale bilanciato di una tromba come quella suonata da Eick e di un piano contemporaneo al pari di quello di Randalu. La relativa lentezza trasognata di alcuni brani fa parte di questa dimensione aerea, così come la sorprendente voce senza parole di Eick che compare talora come un secondo strumento a fiato, questa volta direttamente suonato dall’anima dell’Autore stesso.

Riccardo Talamazzi, Offtopic Magazine

The recording of Ludwig van Beethoven’s Piano Concertos by Alexander Lonquich with the Münchener Kammerorchester is praised in a Swiss daily paper

On retrouve cete joaillerie du son où chaque note fait l’objet d’un profound souci du timbre, cette façon d’habiter les silences. Encore un beau voyage proposé par l’artiste.

Nicolas Poinsot, 24 Heures

Reviewers in the US and Germany are fascinated by the vinyl-reissue of Paul Bley’s Open, To Love within the Luminessence-series

Throughout the album, Bley’s approach to space, silence and patient interpretation of the compositions creates a unique listening experience. His playing alternates between moments of contemplation, serenity and occasional darkness. The power of the music emerges strongly when virtuosity gives way to economy, in other words, restrained lyricism.

Jazz Kenny, All About Jazz

Die Soloplatte ‘Open, to Love’ (1972 bei ECM erschienen) zeigt Bley vielleicht zum ersten Mal  in State of the Art-Aufnahmetechnik, alle Details des Flügels werden perfekt eingefangen. Es ist für mich ein Meisterstück des Bley’schen Lyrismus […] ‘Open, to Love’ zeugt von einer Unmittelbarkeit und Reduktion aufs Wesentliche, die auch in seinem Solo-Output einzigartig wirken. […] die Unausweichlichkeit und Dringlichkeit der musikalischen Aussage, bedingt durch die Intensität des Moments, bilden den Kern der Bley’schen Spielhaltung. Selten manifestiert sich dies in größerer Direktheit als auf der Soloplatte ‘Open, to Love’.

Achim Kaufmann, Jazzpodium

Another German reaction to the re-issue of Freigeweht by Rainer Brüninghaus within the Luminessence-vinyl series

Der Einsatz aller Instumente, auch in den Soloparts, wird von einem über allen Tracks schwebenden Minimalismus geprägt. Es wird immer der sparsamste, oder besser, der einfachste Weg gefunden, um den gewünschten Gesamtklang zu erreichen. Dabei legt Brüninghaus eine sensible Spielart an den Tag, die präzise und ohne überflüssige Töne  einen klaren, minimalistischen Sound findet. Dies wird vor allem von Wheeler mit seinen kreativen Improvisationen gestützt. Großartiges Album, exzellente Pressung, runder, glasklarer Klang und alles in einem festen Klappcover, Großes Kino!

Thomas Neumann, Hörerlebnis